Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo.

Volvamos a octubre de 1986...

 

Para hablar de la banda Bon Jovi, debemos comenzar por hablar de su líder.

 

Jon Bon Jovi comenzó a tocar música a mediados de la década del 70 en New Jersey, cuando tenía 13 años. Tocaba el piano y la guitarra. Como la mayoría de artistas, estuvo involucrado en varios proyectos antes de consolidarse. Su primera banda se llamó Raze. A los 16, Jon conoció a David Bryan y formó una banda llamada Atlantic City Expressway. Aún en su adolescencia, Bon Jovi tocaba en la banda John Bongiovi and the Wild Ones... Era la banda de su padre: "John Bongiovi". En 1980, ya había formado otra banda llamada The Rest, pero...

También en 1980, Jon grabó su primer sencillo, "Runaway" en el estudio de su primo, con unos músicos amigos. A mediados de 1982, mientras trabajaba en una tienda de zapatos para mujer, Jon Bon Jovi consigue un trabajo en los Power Station Studios, un estudio de grabación en Manhattan, que era de propiedad de su primo Tony Bongiovi. Jon hizo varios demos, incluida una producida por Billy Squier, y las envió a compañías discográficas, aunque aún sin lograr ningún impacto. Un dato bien curioso... La primera grabación profesional de Bon Jovi, fue para una canción llamada "R2-D2 We Wish You a Merry Christmas", que fue parte de un álbum de navidad de Star Wars.

Con razón me cae tan bien Bon Jovi.

Fue en 1983, mientras trabajaba haciendo los jingles para una emisora de New York llamada "WAPP 103.5 The Apple", que el programador musical le sugirió a la empresa que por qué no probaban esa canción de Jon... Esa llamada "Runaway".

Y bueno... El destino hizo lo suyo.

La canción comenzó a sonar fuertemente en esa emisora y se empezó a regar en otras estaciones

 

 

Es entonces cuando Bon Jovi llama a David Bryan, quien a su vez llamó al bajista Alec John Such y a un baterista durísimo llamado Tico Torres. Dave Sabo ("The Snake"), fue elegido tocó la guitarra por un tiempo muy corto, pero después se fue para formar Skid Row. Pero Jon ya estaba impresionado con un guitarrista llamado Richie Sambora y se lo llevó para así terminar de ensamblar esa banda que conoceríamos como BON JOVI.

Su primer álbum se llamó igual que la banda: Bon Jovi, su segundo fue 7800° Fahrenheit y el día de hoy vamos a detenernos en su tercer disco: Slippery When Wet. El segundo sencillo de ese álbum, después de "You Give Love A Bad Name", fue "Livin' On A Prayer".

Esta canción cuenta la historia de Tommy y Gina, dos jóvenes que trabajan para salir adelante solos a pesar de las constantes dificultades. Obvio en esos momentos, fue una canción que de inmediato tocó la fibra sensible de la juventud estadounidense, especialmente la de Nueva Jersey. Los personajes de la canción se relacionaban con los fans de clase trabajadora para los que Bon Jovi tocaba. "Tommy" trabaja en los muelles, mientras que "Gina" trabaja en un restaurante.

La idea inicial era que ellos fueran una pareja joven que había quedado embarazada y renunciaban a todo lo que tenían, pero eso no estaba bien visto en esas épocas, así que cambiaron la historia".

 

 

Jon Bon Jovi y Richie Sambora escribieron la canción junto a un compositor y productor llamado Desmond Child, que ya había producido "I Was Made For Lovin 'You" para la banda Kiss.

Los famosos personajes Tommy y Gina están basados en una situación de la vida real que le sucedió a Desmond Child a finales de los 70 con su entonces novia, Maria Vidal. Desmond era taxista en New York y María era mesera en un restaurante... En ese restaurante, sus compañeros de trabajo la apodaron Gina, debido a su parecido físico con la actriz italiana Gina Lollobrigida.

"Slippery When Wet" fue un álbum muy pop y muy bien construido. Fue uno de los grandes álbumes de los 80. Y es que se creó en el momento adecuado, el lugar adecuado y con el artista adecuado. Nadie hubiera podido hacer esas canciones ni cantarlas de la manera en que Bon Jovi lo hizo.

Pero, siendo muy honestos, al principio Jon Bon Jovi quería dejar esta canción por fuera del álbum, pensando que la historia era buena, pero musicalmente no lo era tanto... Pero fue la reacción de un grupo de adolescentes en una fiesta, lo que le hizo cambiar de opinión.

¿Siempre sucede no? Cada uno de nosotros termina siendo el mayor crítico de su propio trabajo.

Durante la grabación, Richie Sambora decide usar un talkbox para darle un sonido muy distintivo. Básicamente, un talkbox es un dispositivo electrónico que permite a un guitarrista hacer sonidos distorsionados con la boca. Peter Frampton lo hizo popular a comienzos de los 70, pero nadie le prestó atención hasta que Bon Jovi lo hizo de nuevo y lo incorporó a su sonido como banda.

Lo que les decía amigos... El momento adecuado, el lugar adecuado y el artista adecuado.

 

 

SI usted se ha dado cuenta, en la canción de Bon Jovi "It's My Life", los dos personajes: Tommy y Gina, vuelven a aparecer a manera de homenaje... Esa letra dice algo como: "Esto es para los que se mantuvieron firmes, para Tommy y Gina que nunca se echaron atrás". Y también como homenaje, Richie Sambora usa de nuevo un talkbox en esa canción.

El álbum se iba a llamar inicialmente "Wanted Dead Or Alive" (que es otra canción del álbum) e iba a mostrar a la banda en la portada vestida de vaqueros. Después de hacer la sesión de fotos con el fotógrafo Mark Weiss, a la banda le pareció que no era lo suficientemente sexy. Decidieron cambiar el título a "Slippery When Wet" y contrataron a una chica de Jersey para fotografiarla con una camiseta mojada en la portada.

Como era de esperarse, al sello discográfico le pareció escandalosa la portada, les preocupaba que las tiendas no lo exhibieran al público. Y seguramente hubiera sucedido en aquel entonces... Así que necesitaban una nueva portada rápidamente, quedaban pocas horas para prensar el disco, así que Jon Bon Jovi fue al estudio de Weiss donde mojaron una bolsa de basura y escribieron "Slippery When Wet" en ella.

Tal vez la producción más veloz en la historia de las carátulas de cualquier álbum.

Esa canción se salía con la suya en los 80 con algo que otras bandas hicieron... Ponerle un intro largo en sintetizador al comienzo.

Hoy en día con el déficit de atención que existe en la juventud, si una canción no arranca de una vez y dura poco, seguro no captará la atención... Pero eran otras épocas... ¿Diferentes? Sí... Pero estoy seguro de que si fueron mucho más bonitas para la industria de la música.

Es muy normal que gracias a internet, estas canciones a veces regresen a los listados años más tarde si se usan en comerciales, películas o programas de televisión, o si se convierten en algún fenómeno viral. Sin embargo, gracias a un cambio en el método de tabulación en el Billboard Hot 100, esta canción volvió a la lista gracias a un video viral.

 

Resulta que en febrero de 2013, las vistas de YouTube y otras transmisiones digitales, se convirtieron en un factor importante para el Hot 100, eso fue lo que hizo que el "Harlem Shake" llegara al número 1... Pero en octubre de ese año, un aficionado al baloncesto llamado Jeremy Fry bailó "Livin 'On A Prayer" durante una interrupción en el juego en un partido de los Boston Celtics. Aunque ese video se había grabado en 2009, atrajo millones de visitas en todo el mundo, y para el 20 de noviembre, "Livin' On A Prayer" llegó al puesto 25 del Hot 100... 26 años después de su lanzamiento.

Finalmente, los dos personajes de la canción, reflejaban el sentir de muchas personas y de todas las edades. Tommy y Gina eran dos sobrevivientes, tratando de llegar a fin de mes con un sueldo miserable sin desfallecer... Eran los padres de Jon, Era Jon... Eran los padres de Richie... Y era Richie también. Podría haber sido cualquier persona en cualquier lugar del mundo. Porque a la vez, todas las parejas del mundo, pase lo que pase, están pasando por esas dificultades en las que están tratando de salir adelante y no es fácil. Tienen que superar muchos obstáculos. Por lo tanto, sigue siendo una canción muy inspiradora que ha perdurado a lo largo de los años.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 

 


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Volvamos a febrero de 1990...

Los orígenes de Depeche Mode se remontan a finales de la década del 70, cuando Vince Clarke y Andy Fletcher formaron una banda llamada "No Romance In China", que también compartía un sonido muy parecido al de una banda que se acababa de crear por esa época, llamada The Cure... ¿Les suena?

 

 

La formación era bien simple: Vince Clarke en la voz y la guitarra y Andy Fletcher en el bajo. Fletcher siempre se preguntaba: "¿Por qué estoy en esta banda? De hecho, de alguna manera en esos momentos, se sentía como obligado... Él tocaba la guitarra y tenía un bajo... Ya. Lo necesitaban como integrante. Para 1980, Clarke y Fletcher , junto a Martin Gore formaron una banda llamada "Composition of Sound"... Fue entonces cuando Vince Clarke escuchó grupos como Orchestral Manoeuvres In The Dark, que seguro ustedes conocen como OMD... También The Human League... Y esto lo inspiró a meterse de lleno a hacer música electrónica.

Así que Clarke y Fletcher deciden cambiarse a los sintetizadores... Los pedían prestados a algunos amigos y luego tuvieron que conseguir algunos trabajos temporales para poder comprar los suyos.

Dave Gahan se une a la banda en 1980 después de que Vince Clarke lo escuchó cantando una versión de "Heroes" de David Bowie y ahí nace Depeche Mode, tomando su nombre de una revista de moda francesa llamada así: "Dépêche mode", que básicamente significa: Despacho de moda o moda de afán... Y esto le gustó mucho a Martin Gore.

 

 

Pero recién formada la banda como Depeche Mode, Vince Clarke comenzó a expresar su malestar por la dirección que estaba tomando la banda. Nunca hay tiempo suficiente para hacer experimentación musical. Sentía que todo eran entrevistas y sesiones de fotos. Aparte, a Clarke tampoco le gustaba salir de gira.

Esto hace que Clarke finalmente se vaya de Depeche Mode en noviembre de 1981. Pero no se sientan mal por él... Gracias a su salida de Depeche Mode, le debemos mucho al New Wave de la década del 80. Fue él quien luego formó Yazoo, cuyo famoso sencillo "Situation" fue escrito gracias a toda eso que les acabo de contar con Depeche Mode... Y bueno, fue Vince Clarke quien también formó Erasure, la banda de la que aún hace parte y que, como dato curioso, aparte de su natal Reino Unido, tiene su mayor fanbase en América Latina,

Pero volvamos a Depeche Mode.

Tras la salida de Clarke, la banda puso un anuncio anónimo en la revista Melody Maker en busca de algún músico que tocara el sintetizador, que cantara y que tuviera menos de 21 años. Es ahí donde aparece Alan Wilder, no solo para hacer parte de la banad, si no para convertirse en el director musical y responsable de su sonido hasta mediados de la década del 90.

 

Bueno... La historia de Depeche Mode como banda tiene muchas anécdotas que seguramente exploraremos en otro episodio, pero hoy vine a hablarles de una canción en particular y para eso, debo ir a 1990... A un álbum histórico llamado "Violator"

Violator se comenzó a grabar en Milán con el productor Flood. El resultado de la primera sesión de grabación fue un sencillo llamado "Personal Jesus"... Una canción inspirada en el libro de Priscilla Presley "Elvis And Me", donde describía su relación con el rey del rock and roll. Una canción sobre ser un Jesús para alguien más, alguien que da esperanza y que cuida de la otra persona. Seguramente usted piensa en Personal Jesus cuando alguien dice "Depeche Mode" y aunque en los Estados Unidos, ese sencillo entró al Top 40, no ha sido su canción más exitosa ni en su carrera ni en este álbum.

Fue su segundo sencillo del álbum Violator: "Enjoy The Silence".

Una canción sobre una relación donde los pensamientos y los sentimientos son lo único que importa. Las palabras son innecesarias e incluso pueden ser dañinas, por lo que es preferible disfrutar de la relación en silencio y asumirla de la misma manera.

Es la canción de alguien incapaz de establecer relaciones amorosas y exige silencio del mundo, ya que "las palabras no tienen sentido y son olvidables", algo tan doloroso, que lleva a buscar el silencio y a esconderse como la única forma de felicidad que se pueda encontrar.

Al principio, se trataba de una balada que iba a ser tocada en un órgano de una manera muy melancólica... Pero fue Alan Wilder quien tuvo la idea de acelerar la canción. A los demás integrantes no les gustaba la idea, pero finalmente estuvieron de acuerdo cuando el productor Flood y Alan Wilder le dijeron a Gore: ¿Por qué no intentamos tocar la guitarra por encima?' Y es entonces cuando se les ocurrió el riff. Sonaba interesante... Tenía potencial.

Tenían la sensación de que estában haciendo algo innovador. Violator era inicialmente un montón de canciones de gospel y blues hasta que el dj Francois Kevorkian le metió ritmo al asunto.

Cuando a Martin Gore se le ocurrió por primera vez un demo de 'Enjoy The Silence', era una especie de canción incompleta. Solo un piano y un par de versos. Era una balada muy lenta. Pero Alan Wilder y Flood, que eran los productores del álbum, tuvieron la idea para ponerle ritmo. Le dijeron a Matin: Ok. Necesitamos que salgan todos del estudio y vuelvan en dos días'... Ok... Dos días después volvieron al estudio y Flood le dijo a Martin: "Necesito que agarre una guitarra e improvise encima de la canción", así que Martin comenzó a tocar ese riff y eso fue todo. Luego le dijeron a Dave: "Ahora empiece a cantar encima. Y así, la canción se grabó en tan solo un par de días.

La banda venía en un ascenso constante durante los últimos 10 años, pero no estaban preparados para lo que estaba por venir. El álbum Violator fue un éxito mundial y, de repente, empezaron a llegarles estos enormes cheques de regalías y sentían que podían hacer lo que quisieran.

 

 

El video musical fue dirigido por Anton Corbijn. La idea es mostrar un hombre que lo tiene todo, pero realmente no siente nada. Y la figura perfecta era personificar a Dave Gahan como un rey.

El video musical de "Enjoy The Silence" fue dirigido por Anton Corbijn y hace referencia a los temas y las historias del libro "El Principito" de Antoine de Saint-Exupéry. La idea era mostrar un hombre que lo tiene todo, pero realmente no siente nada y lo único que busca es un lugar donde sentarse en paz. Y la figura perfecta era personificar a Dave Gahan como un rey. Un rey estereotipado pero que no tiene ningún reino, deambulando por las laderas de Escocia con imágenes en blanco y negro de la banda posando. Si se han dado cuenta, a lo largo de las escenas, aparecen breves destellos de una rosa (que también es la portada del álbum Violator).

La versión de la canción que aparece en el video es diferente a la versión del álbum. Es una versión que no se ha lanzado en ningún formato de audio.

 

El dato curioso del video es que muchos de los planos del rey caminando por la nieve no son de Gahan, el hombre se sentía como un idiota, se aburrió por el frío de Suiza y abandonó la grabación. Tuvieron que grabar algunas escenas con el productor del video, Richard Bell.

Al final, Corbijn no solo logró filmar el video como lo imaginaba, sino que también terminó ganándole la guerra al paso del tiempo... Ya que el video de "Enjoy The Silence" dejó para la historia algunas de las imágenes más famosas de la banda.

Por si acaso... Y si usted es curioso, existen dos versiones del video para que las busque en youtube.

Enjoy the Silence es una de las "mejores canciones" de Depeche Mode. La música es limpia pero castigadora y la letra puede ser un poco violenta y oscura pero... Es una canción de amor.

En su momento, fue un éxito de radio más contundente que el sencillo anterior "Personal Jesus", obviamente, eso ha cambiado con el tiempo. Enjoy The Silence fue considerada una de las mejores 200 canciones de la década del 90.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 


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Volvamos a febrero de 1986.

 

Nuestra historia de hoy comienza en Estocolmo, Suecia.

Cuando un cantante llamado Joey Tempest, monta una banda que hacía covers de artistas en inglés, básicamente con la intención de aprender a tocar bien los instrumentos con sus amigos. Pero cuando ya se sentían preparados, deciden empezar a escribir sus propias canciones.

 

Es entonces cuando la banda se anima por fin a enviar varios demos a compañías discográficas, pero les dijeron que para poder publicarlos tenían que cortarse el pelo y cantar en sueco. A lo que ellos dijeron: Listo gracias... Pero no gracias.

Siguieron tratando de hacer música por su lado y en 1982, la novia de Joey Tempest decide inscribir a la banda en un concurso de talento sueco llamado "Rock-SM". Compitieron contra 4000 bandas y ganaron el concurso gracias a dos canciones, "In the Future to Come" y "The King Will Return".

El premio del concurso fue ese tan anhelado contrato discográfico que en algún momento vieron tan lejano de alcanzar. La banda, inicialmente, se llamaba Force, pero sentían que ya debían cambiar su nombre. Y todo comenzó en una charla casual entre sus integrantes:

- Muchachos presiento que algún día seremos tan grandes como un continente!!

Como América! deberíamos llamarnos América!

No... Ya hay una banda que se llama así...

- Bueno y qué tal Africa?

Ni modo... Ya Toto tiene una canción que se llama así...

- Ok... Y qué dicen de Asia?

Nope... Ya hay una banda inglesa llamada Asia.

- ¿Australia? ¿Antártica? ¿No.. No suena chévere?

Entonces uno de ellos hizo un chiste... ¿Que tal si nos llamamos los In-Continentes?

Todos se rieron, pero Tempest les dijo: Pongámonos serios o si no nunca nadie nos va a patrocinar! Hay que pensar en grande... Que tal que nos patrocinara IKEA? Tienen tiendas en toda Europa!

De repente todos voltearon a mirar a Tempest en silencio.

Y el grito: Estaba en frente de nuestras narices! Nos llamaremos así!

EUROPE.

En septiembre de 1985, un ejecutivo de Epic Records se acercó a Europe, porque querían grabar un álbum con el productor de Journey;. Kevin Elson. El resultado fue "The Final Countdown". El álbum le dio a la banda su presencia internacional y que alcanzó el número 8 en el Billboard 200, el listado de los álbumes más importantes de los Estados Unidos.

La canción que le daba título al álbum, se lanzó como primer sencillo y fue un éxito mundial. La letra es apocalíptica pero optimista a la vez, y describe un viaje al espacio (hacia Venus) y la idea de abandonar el planeta Tierra.

Joey Tempest tenía guardado un riff de teclado que había hecho jugando por allá en 1981... Nunca le puso letra ni le trabajó demasiado, porque le sonaba muy cinematográfico y en aquel entonces no le encontraba mucho sentido al asunto. Pero sí. La música sonaba como la banda sonora de una película de esas en las que la tierra se queda sin recursos y ha sido devastada por los seres humanos... Hay que pensar en la idea de abandonarla algún día... La mejor forma sería a bordo de un cohete hacia otro planeta. ¿Coincidencia? Obviamente No. Desde hace muchísimos años estamos viendo la destrucción inminente de nuestro planeta, pero pareciera que quisiéramos mirar para otro lado... Y muchos artistas han hecho canciones al respecto desde hace décadas... Entre ellos, Europe.

 

 

Y es muy entendible la influencia, además... El primer sencillo que compró Joey Tempest, el vocalista de Europe, fue "Space Oddity" de David Bowie. Una canción, que fue escrita en el período previo a la llegada a la luna en 1969.  Esto hizo que Tempest sintiera desde pequeño una gran fascinación por la exploración espacial. Él siempre ha dicho que la letra de "The Final Countdown" está inspirada en esa canción de Bowie.

La verdad es que fue una gran sorpresa que la canción 'The Final Countdown' se convirtiera en un éxito mundial porque, realmente, estaba pensada para abrir los conciertos de una manera apoteósica... El intro de la canción y el teclado de sintetizador muy influenciado por Van Halen, le daban ese sonido casi magistral.

Además, era una canción de casi 6 minutos... Nadie la iba a sonar en radio ni nada por el estilo...

Y pues... No solo ha sonado en radio por años, si no que también se ha usado como una especie de himno para muchas cosas, eventos, deportes, cine, televisión... Lo que ustedes quieran.

Incluso fue una de las canciones que fueron icónicas n la caída del muro de Berlín.

El video musical es muy rockandroll, muestra simplemente a la banda tocando en vivo en 2 shows que hicieron el 26 y 27 de mayo de 1986, en un estadio cerca de Estocolmo. Y ya. La idea inicial tenía que ver con cohetes y viajes al espacio... Pero no había presupuesto para eso.

El dato curioso sobre el video, es que si lo han visto, arranca con unas tomas aéreas... En esa época no había drones como ahora... Así que se necesitaba un helicóptero. Pero desafortunadamente en ese momento estaban grabando tantas películas, que ninguno estaba disponible... Y fue la policía la que les terminó prestando uno para filmar.

 

 

Es una canción que nunca ha dejado de dar buen feeling. Es normal encontrarla haciendo zapping en la radio... O en lugar público en la calle, o como ringtone de alguien... O... en comerciales de televisión.

"The Final Countdown" se convirtió en un éxito instantáneo en los listados de todo el mundo, alcanzando el número uno en 25 países (y es el único Top 10 de Europe hasta la fecha). Aunque tuvieron otra canción en listados llamada "Carrie", The Final Countdown sigue siendo la canción más popular de la banda.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


 

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Volvamos a septiembre de 1989.

Creo que en algo estaremos de acuerdo ustedes y yo... Y es en aceptar que Billy Joel es uno de los grandes de la música de los últimos tiempos.

 

 

Billy Joel nació en el Bronx, en New York, y creció en Long Island, dos lugares que influyeron muchísimo su música. Al crecer, tomó lecciones de piano ante la insistencia de su mamá. Después de abandonar el colegio para seguir su carrera musical, Joel estuvo en un par de bandas que duraron muy poco. Comenzó su carrera en solitario en 1971 pero llamó la atención de los ejecutivos de la casa discográfica al tocar en vivo "Captain Jack" al aire en una estación de radio de Philadelphia, lo que le permitió lanzar su segundo álbum, Piano Man, en 1973... Basado en sus experiencias personales tocando el piano en un bar de Los Angeles, donde tuvo que trabajar 6 meses después de que su primer álbum fuera un fracaso. Después de lanzar los álbumes Streetlife Serenade en 1974 y Turnstiles en 1976, Joel lanzó su famoso álbum The Stranger, en 1977, uno de sus más vendidos... Más de 10 millones de copias y de él salieron varios sencillos exitosos como "Just the Way You Are", "Movin 'Out", "Only The Good Die Young" y "She's always A Woman".

La canción favorita del propio Billy Joel salió de este álbum, "Scenes from an Italian restaurant"... En fin... Billy ha grabado, a la fecha, 13 álbumes de estudio.

Y a lo largo de todos sus años de su carrera en solitario, ha tenido 33 éxitos que han entrado al Top 40 en los Estados Unidos. Todos los escribió, los produjo y los interpretó  él mismo. De esos 33... Solo tres llegaron al número 1 del Hot 100..."It's Still Rock and Roll to Me", "Tell Her About It" , y la canción que a él menos le gusta de toda su carrera, pero que se convirtió en uno de esos hits que trascendieron generaciones y que, con los años, ha sido una de las favoritas de los fanáticos alrededor del mundo:

WE DIDN'T START THE FIRE.

Al llegar a sus 40 años de edad, en 1989, Billy Joel tuvo la idea de escribir esta canción debido a una historia muy puntual. Un día estaba en un estudio de grabación y conoció a un joven de 21 años llamado Sean Lennon, era el hijo de John Lennon... De repente, este joven le dice: "¡Que momento tan terrible este para tener 21 años!" A lo que Billy Joel le respondió: "Sí, yo me acuerdo cuando tenía 21 años... También pensaba que era una época terrible...  Teníamos Vietnam, los asuntos de las drogas... Problemas de derechos civiles y todo parecía estar terrible". El joven le respondió: "Sí, sí, claro... pero era diferente para usted. Usted era un niño en los cincuenta y todo el mundo sabe que en los cincuenta no pasó nada". Billy Joel se pone entonces un poco serio y le dice: "Un momentito... ¿Acaso usted nunca oyó hablar de la Guerra de Corea o de la Crisis del Canal de Suez?"... A partir de eso, arrancó una discusión en la que cada cual comenzó a poner sobre la mesa los hechos históricos que habían definido su generación...

Les suena familiar a lo que aún sigue pasando entre centennials, millennials y generación X? Como dicen por ahí: Todo cambia para seguir igual amigos...

Pero bueno... Todos esos titulares de noticias históricas crearon la base de la canción. Como les contaba anteriormente, Billy Joel es el mayor crítico de esta canción... Sobre todo por motivos musicales.

El siempre ha dicho que si usted le quita la música a esa canción y la escucha aparte, es fatal... Según el mismo Billy, la melodía de la canción es como escuchar un taladro de un dentista o un mosquito dándole vueltas a uno todo el día. Complicado luchar con eso, cuando lo dice el mismo compositor... El cariño por la canción seguro a usted y a mi no nos hace pensar así, pero pues... Es lo que piensa Billy Joel.

Pero la letra... La letra es un repaso de lo ocurrido en los primeros 40 años de vida de Billy Joel. Esa lírica es una lista de sucesos  históricos de los que Joel sintió que su generación no era responsable... Se sentó a recordar para poder comenzar a escribir... Ok... 1949... Qué pasaba en ese año? Quién era presidente? Harry Truman! Escribió Harry Truman en un papel y de inmediato, según cuenta él, la letra se empezó a escribir sola.

 

 

Los eventos abarcan múltiples contextos, como el entretenimiento popular, la música y los deportes, todo eso se entremezclaba, creando una amalgama de la cultura de la época Y obviamente habla de política. Muchas de las referencias son a la Guerra Fría, la famosa lucha durante años entre Estados Unidos y Rusia, uno de los hechos históricos que marcó la década del 80. Ya que ese fue un problema que heredó la generación de Billy Joel.

La canción se lanzó en 1989... El año en el que George H. W. Bush y Gorbachov se sentaron y firmaron el tratado de control de armas... También fue el momento en que las fuerzas soviéticas se retiraron de Afganistán... Lo que también hizo que mucha gente creyera que Billy Joel había escrito la canción como un homenaje al final de la guerra fría... Pero no. Fue pura coincidencia.

Como dato curioso: Hay 118 eventos históricos en la canción.

Algo que hizo que la canción fuera tan rara, era la forma de narrar los hechos de manera rápida, casi que en una palabra cada uno... Algo que también fue utilizado por R.E.M. en "It's The End Of The World As We Know It", o el "Subterranean Homesick Blues" de Bob Dylan.

Pero con todo y eso, Billy Joel logró capturar las principales imágenes, eventos y personalidades de ese casi medio siglo en una canción de menos de cinco minutos ... Pura sobrecarga de información veloz en el menor tiempo posible... De nuevo: ¿Se les hace familiar a lo que sucede hoy en día con el consumo digital?

We Didn't Start The Fire era una de esas canciones, en su momento, en las que la gente, sobre todo el público adulto, sabía exactamente qué estaba cantando... Entendían todas las referencias. No sabría si eso es algo que siga pasando. Creería que no.

El video musical siempre fue una representación clara de la intención de la canción... El paso inclemente del tiempo en un viaje de 40 años de vida.

Una pareja de recién casados llega a su cocina... Y dentro de ella, se desarrolla toda su vida durante 4 décadas, desde los años 40 hasta los años 80... Su familia, el crecimiento de sus hijos, su adicción a las drogas, su propia familia, nietos, hasta el fallecimiento de su padre... Y Billy Joel va viendo todo pasar a su lado, sin intervenir en lo absoluto.

 

 

We Didn't Start The Fire sigue siendo, de alguna extraña manera, una de esas canciones que se mantiene vigente por su título y su coro a pesar de que los hechos históricos de su letra no lo sean.

Y que decir de su impacto en la cultura popular...

 

El propósito final de la canción no era ni dar una explicación completa de la historia, ni pasar la culpa a nadie; lo que realmente quería hacer era ayudar a los jóvenes de aquel entonces a darse cuenta de que hay lecciones en el pasado que podrían ayudarlos a trabajar en el presente. Seguramente por eso incluyó en la letra de la canción a George Santayana. Para los que no saben, Santayana fue el profesor de Harvard que acuñó la famosa frase: "Aquellos que no pueden recordar el pasado están condenados a repetirlo".

Sí, cada día todo es más complicado y cada vez más desastroso... Por eso, lo importante es que cada uno haga lo posible por hacer del mundo que lo rodea un lugar mejor. Muy seguramente de esa manera, en un futuro podremos decir con la frente en alto:

We Didn't Start The Fire.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


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Volvamos a octubre de 1984.

Bruce Springsteen nació en New Jersey en 1949. Cuando tenía 7 años, vio a Elvis Presley en el show de Ed Sullivan y de inmediato algo sucedió en él. Quería ser músico. Su mamá decide entonces rentarle una guitarra... Sí, como lo oyen... En los años 50, había gente que alquilaba guitarras y cobraba $6 dólares por semana.

 

 

Se dedicó a esa guitarra durante años. No le importó el colegio, aunque finalmente se graduó... Pero tampoco quiso ir a su ceremonia... En fin, el hombre era muy retraído y bien solitario. Siendo muy joven, fue llamado para ir a la guerra de Vietnam, pero debido a una contusión que tuvo en un accidente de moto a los 17 y a que hizo hasta lo imposible para hacerse notar como un joven complicado e inestable, el ejercito decidió no reclutarlo.

Les cuento esto, porque es bien importante en nuestra historia de hoy.

En 1964, de nuevo frente a un televisor, en el Show de Ed Sullivan, vio a The Beatles... Su decisión final estaba tomada, así que fue y se compró su propia guitarra. Su mamá al ver su talento, sacó un préstamo y le compró otra mejor... Nunca olviden amigos... Madre no hay sino una!

En fin... Tocó en las calles... Tocó en los bares... Pasó por algunas bandas...

 

 

Pero en 1972, gracias a sus capacidades como compositor y debido a que llamó la atención de varios personajes poderosos de la industria, decide formar una banda para grabar su primer álbum. Esa banda sería conocida luego como The E. Street Band que tomó su nombre de la calle en la que vivía la mamá de uno de los integrantes, que les prestaba el garage para ensayar.

La banda tocaba en pequeños escenarios y muchos de los dueños de esos lugares, siempre trataban de sacar provecho y no pagarles lo justo. Bruce decide entonces apersonarse del tema y ser el encargado de cobrar siempre lo justo y por adelantado, para luego repartirlo equitativamente entre los miembros de la banda... Motivo por el cual, lo apodaron "EL JEFE".

Pasaron algunos años y varios álbumes también... Hoy vamos a aterrizar en la canción que le dió título a su séptimo trabajo: "Born In The U.S.A." de 1984. Tal vez el álbum por el que la gente más reconoce a Springsteen.

¿Y recuerdan que hace un momento les hablé del asunto militar de Springsteen?

Bueno... Bruce Springsteen escribió esta canción sobre los problemas que encontraron los veteranos de la guerra de Vietnam cuando regresaron a los Estados Unidos. Un tema complicado. Vietnam fue la primera guerra que Estados Unidos no ganó, y mientras los veteranos de otras guerras fueron recibidos en el país como héroes, los que lucharon en Vietnam fueron ignorados en su mayoría cuando regresaron al país.

 

 

De hecho, el título original iba a ser "Vietnam". Y hay una historia interesante aquí:

El director de cine Paul Schrader le envió a Springsteen un guión para una película que se iba a llamar Born In The U.S.A. y quería que el la protagonizara. La cinta trataba sobre una banda de rock que se debatía emocionalmente con la vida y la religión. Esto le dio a Bruce la idea para cambiarle el título a su canción. Desafortunadamente, cuando Schrader estaba listo para hacer la película en 1985, el título "Born In The U.S.A." ya estaba demasiado asociado con la canción.

Springsteen, sintiéndose mal por esto, lo ayudó regalándole una canción llamada "Light Of Day", que se convirtió en la canción principal y en el nuevo título de la película que terminó siendo protagonizada por Michael J. Fox y Joan Jett. Es una buena peli. Se las recomiendo.

Born In The U.S.A., al igual que "Every Breath You Take" y muchas más, hace parte de ese grupo de las canciones más malinterpretadas de la historia. La mayoría de la gente, incluso usted muy seguramente, siempre ha pensado que es una canción patriótica sobre el orgullo estadounidense, cuando en realidad, lo que la canción siempre hizo fue mirar con vergüenza cómo Estados Unidos trataba a sus veteranos de Vietnam. Springsteen la considera una de sus mejores canciones, pero siempre le ha molestado que esté tan mal interpretada por la gente.

 

 

Pero bueno, a todos nos pasó en algún momento y seguro no encontramos a nadie que nos contara esta historia... Pero pues... con ese ritmo alegre, el coro super entusiasta y la portada super patriótica del álbum, pues es muy fácil pensar para muchísima gente, que esto tiene más que ver con el orgullo estadounidense que con la vergüenza de una guerra.

Y de hecho, hay un momento histórico que ayudó a que millones de personas malinterpretaran esta canción.

En 1984, estando en New Jersey, Ronald Reagan dijo en un discurso: "El futuro de Estados Unidos descansa en los miles de sueños dentro de sus corazones. Descansa en el mensaje de esperanza de las canciones que muchos jóvenes estadounidenses admiran: Como el propio Bruce Springsteen de Nueva Jersey. Hacer que esos sueños se hagan realidad, es de lo que se trata mi trabajo".

Yeeeah... claro. Aplauso histórico y todo... Pero pues... El discurso no ayudó mucho al mensaje de la canción.

"Fue en ese momento, cuando los republicanos comenzaron a dominar el sutil arte de apropiarse de todo lo que parezca fundamentalmente estadounidense y hacerlo ver patriótico... Si usted no está de acuerdo o es de otro partido... Pues básicamente usted es antipatriótico. Y sigue funcionando hasta el día de hoy.

 

 

En las canciones de Springsteen, la parte espiritual, la parte de esperanza siempre está en los coros, debido a ese background que tiene en su vida con los coros de iglesia y la música gospel. El blues, y la realidad del día a día está en los detalles de sus versos.

Springsteen también escribió "Born in the U.S.A." pensando el hombre de la clase trabajadora, que enfrenta "una crisis espiritual, de esas en las que la gente se pierde. Como si ya no le quedara nada que lo ate a la sociedad. Se siente aislado del gobierno. Aislado de su trabajo. Aislado de su familia ... hasta el punto en que ya nada tiene sentido ". En la canción, Springsteen promueve el hecho de que la búsqueda interminable de la verdad es el verdadero estilo estadounidense... El famoso American Way.

El protagonista de clase trabajadora de la canción se une a las fuerzas armadas, lo que Bruce no quiso hacer se acuerdan? y se une para "luchar contra el hombre amarillo" (como se le denominaba a los vietnamitas) pero es menospreciado a su regreso a los Estados Unidos. Su hermano, también un veterano, pierde la vida.

La canción, vista como un todo, lamenta la desestabilización de la economía y la política que protegía a la "clase trabajadora" en la década del 70 y principios de la del 80, dejando solo "un orgullo nacional ensordecedor pero vacío".

Realmente es un poema triste a la bandera norteamericana.

 

 

Y en el fondo, la canción es el karma de Springsteen, ya que evitó ir a Vietnam fingiendo ser un inadaptado drogado con LSD. Y toda la vida se sintió culpable, sabiendo que alguien más fue en su lugar a Vietnam y puede que no haya regresado a su hogar.

A raíz de esto Bruce se volvió un patriota, muy fiel a su gente y sus convicciones... El jefe no se vende.

Es más, les cuento una historia:

La marca de carros Chrysler le ofreció a Springsteen $ 12 millones de dólares para usar la canción en una campaña publicitaria con él como protagonista además. Springsteen rechazó la oferta porque el nunca ha dejado que su música se utilice para vender productos.

La canción inspiró al artista Annie Leibowitz para tomar la famosa fotografía del trasero de Springsteen con el telón de fondo de la bandera estadounidense que se convertiría en la portada del álbum. Y como los haters siempre han existido, muchas de esas personas, empezaron a insinuar que la foto mostraba a Springsteen orinando en la bandera... En fin...

"Born In The USA." alcanzó el puesto número 9 en el Billboard Hot 100 en enero de 1985. Fue el tercero de los siete sencillos que llegaron al Top 10 en ese listado. Dándole además una presencia importantísima en la radio mundial.

Unos cuantos datos curiosos para cerrar:

La canción originalmente duraba casi 13 minutos, ya que fue grabada sobre improvisación. Se le recortaron 8 minutos que nunca aparecieron.

La canción se grabó en solo tres tomas.

Born In The U.S.A. fue el primer CD fabricado en los Estados Unidos para uso comercial. Fue fabricado cuando se abrió la primera planta de fabricación de CDs en Indiana en 1984. Antes de este álbum, los CDs se importaban de Japón. Bruce logró que se dejaran de importar y se fabricaran en norteamérica.

 

Lo chistoso es que Born In The USA le pertenece a los japoneses. Ya que SONY Music es la dueña de la canción.

Algo si es muy cierto amigos: La clave del éxito de la canción se debe al malentendido. Un malentendido que la gente ha decidido ignorar durante años.

Así que... Born In The U.S.A. es un tributo al hecho de que, sin importar que usted intente explicarlo mucho, la gente siempre va a escuchar lo que quiera escuchar.

 

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 


Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy Urribe DJ y quiero que viajemos en el tiempo.

 

En la mañana del 25 de septiembre de 2020, todo el mundo se encontró en redes sociales con el video de un hombre llamado Nathan Apodaca, un trabajador de una bodega de papas en Idaho quien, después de que su camioneta sacara la mano y lo dejara tirado, tomó su patineta, su botella de jugo de frambuesa y arándanos y siguió su camino relajado, dejando a su paso solo buena onda, mientras se filmaba con su celular cantando una famosa canción... Y para hablar de ella, debemos ir a marzo de 1977...

Hay que comenzar por hablar de la banda que hizo esta canción.

Una banda que se formó en julio de 1967 en Londres, cuando Peter Green, que había reemplazado a un guitarrista Eric Clapton en una banda de blues, se une a Mick Fleetwood en un grupo llamado The Bluesbreakers, donde también estaban: John McVie y John Mayall. Mayall es muy importante en la historia del rock, porque de sus proyectos musicales, salieron grandes artistas com Rod Stewart y Mick Taylor. Para hacer la historia corta, Mayall tenía un estudio y le regaló a Green, a Fleetwood y a McVie, tiempo de grabación gratis. Lo usaron para grabar 5 canciones.

La quinta canción, era una pieza instrumental que Peter Green decide bautizar con los apellidos de los dos músicos que la hicieron: "Fleetwood - Mac".

Aparece entonces Fleetwood Mac, pero aún estaba incompleto.

A finales de 1974, mientras Fleetwood buscaba estudios en Los Ángeles, conoció a una pareja que hacía folk-rock... El guitarrista Lindsey Buckingham y la cantante Stevie Nicks. Fleetwood y McVie le pidieron a Buckingham que fuera el guitarrista principal de la banda. Buckingham aceptó pero con la condición de que Stevie Nicks hiciera parte.

Ok... Ahora si vamos directo a su histórico álbum Rumours, de 1977.

Un álbum que le dio un sonido más pop a la banda, pero que salió de solo drama y problemas al interior de los integrantes. Eso parecía una telenovela. Y de las fuertes!


John McVie se había divorciado de su esposa después de 8 años de matrimonio... Ella estaba saliendo con el director de iluminación de los videos de la banda... Pero, en ese momento era la tecladista de la banda, así que imagínense la tensión. Solo se dirigían la palabra para asuntos musicales. 

Por otro lado Linsey Buckingham y Stevie Nicks iban y volvían... iban y volvían... Se la pasaban peleando todo el tiempo. Nicks estaba adicta a la cocaína.

Las peleas de estas dos parejas solo paraban cuando estaban trabajando en canciones juntos.

A esto súmenle que Mick Fleetwood descubre que su esposa Jenny, la mamá de sus dos hijos, estaba teniendo un romance secreto con su mejor amigo.

Y para completar, cuando se metió la prensa, los rumores falsos comenzaron a estallar.

De ahí el nombre del álbum.

Se decía que la esposa de McVie estaba en el hospital con una enfermedad rarísima... Que Buckingham y Stevie Nicks eran los padres de la hija de Mick Fleetwood debido a una fotografía en la que salían los 3 juntos... En fin, todo mal... O todo bien si lo miramos musicalmente. Solo ir a trabajar al estudio, era un sacrificio emocional para todos. Pero de ese proceso salieron canciones magníficas como "The Chain", "Go Your Own Way", "Don't Stop", "Songbird" y la canción que nos tiene reunidos hoy aquí: "Dreams".

 

Como les contaba, durante las sesiones del álbum Rumors, todos en la banda estaban pasando por algún problema: separaciones, infidelidades, peleas, drogas... Lograron trabajar en este álbum, pero la mayoría de las composiciones las hacían por su lado y luego trataban de unir todo. 

Dreams la escribió Stevie Nicks en el estudio de al lado del que estaban trabajando. En él estaba grabando una de las grandes figuras del funk de los 70, Sly Stone.

El hombre tenía dentro del estudio una gran cama semicircular y las paredes llenas de terciopelo rojo, lo que generaba una gran vibra para escribir una canción que habla sobre enredos románticos.

La frase, "Players only love you when they're playing", estaba dirigida a Lindsey Buckingham, a manera de venganza. Stevie Nicks estaba muy molesta después de que Buckingham mostró "Go Your Own Way" en las sesiones de grabación, una canción que claramente trataba sobre ella. 

Cuando Stevie Nicks escribió 'Dreams', le entregó un cassette con la canción a Lindsey. Era un demo mal grabado de Stevie solamente cantando y tocando el piano. A pesar de que estaban de pelea en ese momento, Lindsey la tocó y luego la miró y sonrió. Lo que estaba pasando entre ellos era triste. Eran una pareja que no lograba estar en paz. Pero, como músicos, todavía se respetaban y gracias a eso, lograron sacar canciones brillantes.

Un dato curioso: La palabra "Dreams" aparece solo tres veces en esta canción:

La canción podría haberse llamado "Thunder Only Happens When It's Raining" gracias a la primera línea del coro, pero eligieron algo mucho más compacto. Parte de la magia de Fleetwood Mac era su don para hacer canciones increíblemente populares, pegachentas y fáciles de digerir.

La canción volvió a las listas de Billboard en 2018 después de que un meme se volviera viral. Un usuario de Twitter llamado @bottledfleet editó partes de "Dreams" sobre imágenes de las porristas Golden Girls de la Universidad Estatal de Alcorn bailando sobre la canción para tratar de mostrar que Fleetwood Mac era aburrido. 

 

Lo que nos trae al motivo por el cual comenzó esta historia.

La canción se volvió a poner de moda cuando el usuario de Tik Tok @Doggface208 (que como les conté antes, se llama Nathan Apodaca) subió el famoso video que ya todos conocemos. No solamente poniendo la canción de nuevo en el panorama, si no dándole otro sentido mucho más amable del que originalmente estaba hecha la canción.

El propio Mick Fleetwood hizo su video de Tik Tok imitando el video de Apodaca. Y luego, Stevie Nicks también lo hizo en su casa en patines. Pero miles de personas y celebridades han hecho lo mismo.

Dreams es el único número uno de Fleetwood Mac en los Estados Unidos, cosa que es muy extraña, debido a lo conocidas que son todas sus canciones en ese país y a lo mucho que han sonado en la radio durante décadas. Esta es una de esas bandas con las que el Hot 100 no fue amable y seguramente nunca reflejó el impacto real de sus canciones... Pero a internet no lo pudieron engañar...

Tal fue el impacto viral en 2020, que la canción re-ingresó al Hot 100 en el puesto 21 el 17 de octubre... Y la semana del 20 de octubre, entró al Top 10 del Billboard 200, el listado de los álbumes más importantes de Estados Unidos, después de 42 años. 
Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


Delorean musical episodio 22:

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo.

Volvamos a octubre de 1981...

Esta historia comienza en la década del 70 en San Francisco, California, cuando el ex-manager de Santana, Herbie Herbert, decide crear una banda.

Este proyecto originalmente se llamaba: Golden Gate Rhythm Section y solo había sido creado con una función específica... Ser la banda que le abriera a otros grupos californianos más establecidos, a los cuales si les veían más futuro dentro de la industria.Este grupo incluía un par de alumnos de Santana, Neal Schon en la guitarra principal y Gregg Rollie en los teclados y voz principal. La idea era darles la oportunidad de hacer parte de algún proyecto.

La primera aparición importante de la banda se dio en un show para celebrar año nuevo  en una pista de patinaje sobre hielo en San Francisco, que se convirtió en escenario de conciertos y que fue muy famosa en su momento, se llamaba Winterland Ballroom... Ya no existe. Fue demolido en 1985. Pero bueno, lo importante es que llegó una cantidad de gente que no esperaban...  10.000 personas... Era algo que ni ellos mismos lograban creer... Ni Siquiera tuvieron tiempo de digerir el asunto, ya que unas horas después, comenzando el 1 de enero del 74, viajarían a Hawaii, donde se encontrarían con un público aún más numeroso.

 

 

Inmediatamente después de este show en Hawaii, la banda se niega a seguir siendo el opening act para ningún otro artista, además comienzan a experimentar fusionando jazz con rock. ¿Pero que vamos a hacer con el asunto del nombre? pensaban ellos... Aprovechando su amistad con una estación de radio local en San Francisco, hacen un concurso para buscarle nombre a la banda... El concurso fue un desastre. No funcionó. Es entonces cuando el roadie de la banda, John Villanueva, en medio de un par de whiskeys les dice: Hey! Ya tomaron una decisión importante en sus vidas, y la tomaron gracias a ese viaje a Hawaii... Ese viaje los define! ¿Por qué no se llaman así? JOURNEY!

Journey consigue su primer contrato discográfico en 1974, después de presentarse frente a los ejecutivos de Columbia Records y esto les aseguró una gira continua por los famosos venues que existían en el area de la bahía.La banda decidió también adoptar la imagen del escarabajo sagrado en sus álbumes, un símbolo tomado de los jeroglíficos egipcios... Para ellos, era una manifestación de Ra, el dios del sol.

 

 

Después de grabar tres álbumes, tratando de emular el sonido de bandas como Foreigner y Boston sin mayor éxito, se dan cuenta que el asunto tiene mucho que ver con el feeling de la voz.

Por eso necesito aterrizar a finales de 1977:

Sintiendo que la voz del frontman Robert Fleischman no funcionaba para el sonido que buscaban, al manager de la banda le llega un demo de un joven cantante llamado Steve Perry... Sonaba muy bien.

Pero he aquí la anécdota de este cuento.

¿Cómo poder probar la voz de Perry con la banda, sin crear conflicto con el vocalista de aquel entonces?

El manager decide entonces llevarse a Perry en una de las giras por Long Beach, diciendo que era el primo de uno de los roadies... Y un día, mientras el vocalista estaba en el hotel, durante una prueba de sonido, Steve Perry finalmente se sube al escenario y prueba el micrófono durante una canción, dejando al manager y a la banda con la boca abierta.

Fue un momento incómodo... No fue fácil... Pero la decisión estaba tomada. Steve Perry sería el nuevo vocalista de Journey.

Aprovechando el estilo que Perry le daba a la banda, deciden también contratar como productor a Roy Thomas Baker, quien le había dado su sonido a Queen. Steve Perry grabó nueve álbumes con Journey, desde 1978 hasta 1996 y el día de hoy voy a parar en su trabajo más importante: Escape.

Escape se lanzó el 31 de julio de 1981 e inmediatamente se convirtió en un gran éxito. El álbum, fue nueve veces platino, llegó al número uno en los listados de álbumes y de ahí salieron tres de las canciones más importantes de toda su carrera: "Who's Cryin' Now", "Open Arms", que hasta la fecha es el sencillo más exitoso de la banda: estuvo 6 semanas consecutivas en el puesto número 2 del Hot 100 y fue una de las canciones más importantes de 1982...

 

 

Pero, independiente de que Open Arms haya sido su canción más exitosa en listados, no fue su canción más popular ni la más famosa... Y aquí es donde aparece la tercera gran canción de el álbum Escape: "Don't Stop Believin'".

El título de la canción nació de algo que el padre del tecladista Jonathan Cain le decía con frecuencia cuando era un músico quebrado y con la fe por el piso, viviendo en el Sunset Boulevard de Los Ángeles, a punto de rendirse porque no estaba teniendo éxito en la industria de la música.

Cada vez que llamaba a su casa desesperado y con ganas de renunciar a su sueño de ser músico, su papá le decía:

"No hijo. Mantén el rumbo. Tienes una visión, aférrate a ella. Va a suceder. No pares de creer."

De ahí también sale la frase: "Strangers waiting, up and down the Boulevard"... que es una referencia a Sunset Boulevard en Hollywood, donde, claramente, los sueños, como en el caso de Cain, se hacen realidad... Describía la cantidad de personas que se presentaban los viernes por la noche en el Boulevard... Soñadores, seguramente como usted,  que querían convertirse en cantantes, músicos, artistas, actores, productores, abogados, lo que sea… Estaban todos allí los viernes en la noche.

El sueño de Cain se hizo realidad cuando se unió a Journey en 1980.

 

 

Pero hablemos un poco más de la letra...

Si bien hay una línea que dice "born and raised in South Detroit", no hay ningún lugar en el área de Detroit llamado "South Detroit"; la ubicación al sur de la ciudad de Detroit es en realidad un pueblo canadiense llamado Windsor. Steve Perry probó con north, east, west... Y no le rimaba... Pero South Detroit le sonó tan bonito, que decidió dejarlo así.

La frase "streetlight people living just to find emotion" surgió cuando Perry vio a la gente caminar por las calles de Detroit una noche después de un show. Estaba en la ventana del hotel, divagando sobre la idea de cómo las luces de los faroles estaban mirando hacia abajo y como, de repente, empezó a ver gente saliendo de la oscuridad hacia la luz... Esa gente a la que bautizó como "streetlight people".

Aunque Steve Perry y Jonathan Cain son los compositores acreditados de la canción, toda la banda contribuyó, ya que la música surgió de un ensayo. Schon desarrolló el riff del bajo, la línea de guitarra y los acordes del coro. Steve Smith construyó la canción alrededor de la batería. Perry y Cain se basaron en sus experiencias personales con la escena callejera de Sunset Strip para la letra de la canción.

Musicalmente, esta es una canción que tiene una estructura única, lo que hace que nunca se le salga a uno de la cabeza. Y es un fenómeno bien extraño... La mayoría de canciones tienen un coro que se repite varias veces, pero "Don't Stop Believin" trae su coro (que además incluye el título) solo hasta el final, alrededor de los 3:20 de la canción. La estructura es fantastica: un pedazo instrumental, luego el primer verso, otro pedazo instrumental, después un segundo verso, entra un pre-coro, luego instrumental, tercer verso, segundo pre-coro, un último trozo instrumental y finalmente el coro famosísimo que estalla y sigue hasta el final... Realmente son los últimos 45 o 50 segundos de la canción.

Esta ha sido una de esas canciones que, como un buen vino, ha mejorado con en el tiempo. Y la cultura popular ha ayudado a perpetuar su vigencia en lo que va de este siglo.

 

 

Todo comenzó en la película Monster de 2003 ¿Se acuerdan? La que le dio el Oscar a Charlize Theron... Esa película estaba basada en la historia real de la asesina en serie Aileen Wuornos. En la película, la canción suena cuando las dos protagonistas están en una pista de patinaje, hablan de cómo les encanta la canción y, a medida que la canción crece, también lo hace su pasión, y terminan besándose.

Steve Perry no solo aprobó el uso de la canción, sino que terminó siendo el consultor musical de la película y terminó eligiendo todas las canciones que sonarían en ella.

 

 

Pero ok... No nos desviemos... El uso de "Don't Stop Believin" en esta escena llamó la atención de la comunidad de Hollywood, que vio la emoción que la canción podía provocar y ya no era considerada una canción de nostalgia. Las solicitudes de los estudios comenzaron a llegar para usar la canción en películas y series de televisión... De un momento a otro, toda una nueva generación se familiarizaría con la canción.

En 2007, la canción ganó más terreno al ser usada en el episodio final de la serie de HBO "The Sopranos". Aunque Steve Perry inicialmente dudó mucho en permitir que la canción se usara en esa serie. Las descargas digitales de la canción se dispararon después de la emisión del episodio y esta exposición motivó a los miembros de la banda a superar los problemas internos que estaban teniendo en ese momento para encontrar un cantante principal después de la partida de Steve Perry.

A partir del 2009, la canción hizo parte fundamental del famosísimo musical Rock of Ages, que se presentó en Broadway hasta el 2015 y que también se convirtió en una película protagonizada por Tom Cruise.

Pero a pesar de todo esto, faltaba el momento crucial que sellaría la canción como una de las más notorias de esta generación.

"Don't Stop Believin'" fue grabada por el elenco de la serie Glee para su primer episodio en mayo de 2009, disparándola de inmediato en los listados y en las radios del mundo entero. Yo sé que TODOS ustedes recuerdan ese momento... Les haya gustado Glee o no.

En ese momento, la canción vendió más de 1.4 millones de copias digitales convirtiéndola en su canción más vendida a la fecha.

 

 

"Don't Stop Believin'" es una canción que fue escrita para darle a la audiencia una conexión con la banda, un objetivo que lograron por completo. Fue el primer intento de traer al público al interior del mundo de la banda. Se sentía que la banda estaba cantando para el público. Estaban cantando sobre la realidad de mucha gente.

Algo que han hecho muy bien artistas como Bruce Springsteen por ejemplo.

"Don't Stop Believin'" ha sido descrita a lo largo de los años, como una "canción de rock perfecta" y un "himno que trasciende generaciones", con "uno de los mejores riffs de teclado en la historia del rock". Es el track digital más vendido del Siglo XX, con más de 7 millones de copias vendidas solo en los Estados Unidos.

Un dato curioso: Durante la pandemia de 2020, algunos hospitales utilizaron la canción como un grito de esperanza para los pacientes que se recuperan del COVID-19 y para el personal médico también. El New York-Presbyterian Queens Hospital, por ejemplo, reproducía "Don't Stop Believin'" en todo el edificio cada vez que daban de alta a un paciente con coronavirus.

Seguramente, a usted le cerraron las puertas muchas veces antes de que alguien creyera en su talento. Recuerde siempre que la parte más difícil es seguir creyendo en lo que usted ama, así otros le digan que no es bueno o que nunca lo va a lograr.

Don't Stop Believin! ¿Ok?

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo episodio.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 


Escuche acá el episodio completo de One2Five octubre 15:

 

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Volvamos a octubre de 1987...

 

George Michael nació el 25 de junio de 1963 en Londres, donde pasó la mayor parte de su infancia, en la casa de sus padres.

En su adolescencia, mientras estaba en el colegio, se hizo amigo de quien sería su futuro compañero musical y socio: Andrew Ridgeley, con quienes montarían luego el dúo Wham! que fue muy exitoso durante gran parte de la década del 80. Los dos tenían muy claro que querían ser músicos. En aquel entonces, George Michael tocaba su guitarra en las calles de Londres... haciendo canciones de Queen.

Que ironía, que fuera el quien, años más tarde rindiera homenaje a Freddie Mercury junto a esa misma banda... Pero bueno. No nos adelantemos...

El hombre comenzó como DJ Su en clubes de Londres y luego formó una banda de Ska llamada The Executive, junto a Andrew Ridgeley y el hermano de Andrew. Ese proyecto duró muy poco.

 

Facebook: George Michael

 

Se forma entonces el dúo Wham! en 1981. Cuyo segundo álbum, Make It Big, alcanzó el número 1 en las listas de Estados Unidos. De ahí salieron: "Wake Me Up Before You Go-Go" (que fue No. 1 en el Reino Unido y Estados Unidos), "Freedom", "Everything She Wants" y esa balada rompecorazones que tanto le ha gustado al planeta durante años... "Careless Whisper", que alcanzó el No. 1 en casi 25 países... Pero con Careless Whisper, se veía venir el final de Wham! Aunque la canción aparece en el álbum del dúo y Andrew Ridgeley la produjo, es realmente el primer trabajo ya en solitario de George Michael... Que luego afianzó haciendo un dueto con la reina del Soul Aretha Franklin.

 

Facebook Wham

Estaba claro: George quería hacer música más adulta, contrario a la visión de Andrew que quería llegarle a las audiencias adolescentes. En lo que se conoció como la separación más amigable del pop, Wham! llegó a su fin. Todo estaba preparado para lo que sería la explosión de su carrera como solista... Un álbum llamado FAITH.

1987 fue un año lleno de mucha música increíble... El año en que U2 finalmente conquistó América con The Joshua Tree... Michael Jackson lanzaba BAD... Kick de INXS veía la luz... El Appetite for Destruction... Hysteria de Def Leppard... Y me podría quedar horas hablando de la música que se lanzó ese año.

Hacia finales de 1987, George Michael lanzó su famosísimo álbum debut en solitario, Faith. El primer sencillo que se lanzó fue "I Want Your Sex", en junio del mismo año. Esa canción fue prohibida por muchas estaciones de radio en el Reino Unido y en Estados Unidos debido a que su letra era considerada  sexualmente sugestiva. MTV se negó a transmitir el video en horario prime y lo relegó a las horas de la noche.

 

 

El DJ Casey Kasem, se rehusaba a decir el nombre de la canción en el American Top 40

Incluso, algunas emisoras de radio exigieron una versión censurada de la canción que decía "I Want Your Love", en lugar de "sex".

Con todo y eso, la canción se abrió paso solita hasta llegar al número 2 del Billboard Hot 100... Era momento de lanzar el segundo sencillo... El que le daba título al álbum. "Faith", se estrenó en octubre de 1987, unas semanas antes del álbum. "Faith" se convirtió en una de sus canciones más populares. La canción ocupó el primer lugar en el Billboard Hot 100 durante cuatro semanas consecutivas, convirtiéndose en el sencillo más vendido en ese momento en los Estados Unidos.

La canción representaba la forma en que George Michael se sentía en ese momento. Un momento lleno de esperanza y optimismo. El sentía que la fe era una palabra bastante fuerte y poderosa. Era un momento de absoluta transición para él.

Se ve al comienzo del video musical... En la rockola está terminando de sonar "I Want Your Sex"... Canción por la que los medios lo censuraron... Y de inmediato comienza a sonar una versión en órgano de iglesia de la canción Freedom de Wham! De un momento a otro, pareciera que el mismo Elvis Presley se apoderara de él... Un Elvis en chaqueta de cuero, botas de vaquero, gafas de piloto y unos jeans Levi's estratégicamente rasgados mientras toca la guitarra al lado de la rockola.

 

 

Esta iconografía lo convirtió de inmediato en uno de los símbolos de la cultura pop de la década del 80. Muy seguramente usted tiene clarísimo recordar a George Michael como esa figura magnífica tocando la guitarra... Lamento informarle que George nunca aprendió a tocar la guitarra. Es fingido. ¿Y por qué?

Ah bueno... básicamente porque en la música, a todo lo que usted le ponga una guitarra, se verá más cool.

Funcionaba antes... Y funciona ahora.

George Michael se convirtió de inmediato en un símbolo sexual, sobre todo para las mujeres... Pero el en ese entonces, ya sostenía relaciones con hombres, así que para él era muy complicado saber cómo comportarse en general. Mientras que el álbum Faith brilló por su calidad musical, y la canción fue todo un éxito, George Michael nunca estuvo de acuerdo con la imagen que se proyectó de él en ese momento.

Tanto así, que en 1990, George Michael lanzó una canción llamada "Freedom '90"... El 90 no solo hacía referencia al año, si no que se le añadió para diferenciarla de una canción que ya había hecho con Wham! que también se llamaba Igual. En esta canción  denunciaba de frente la imagen que se creó en el video de "Faith".

[Para el video de "Freedom '90", esa famosa rockola de Faith de la que hablamos antes... explota.]

La letra critica la forma en la que lo hicieron mover el trasero como un producto casi que de supermercado. Además, la chaqueta de cuero negra que también usó en el video de "Faith" y otros videos de ese álbum como "Father Figure" se prende en fuego.

Faith fue una de las primeras grabaciones digitales, lo que le permitió a George Michael armar la canción pieza por pieza. La voz la hizo línea por línea y, a veces, palabra por palabra, ya que todavía la estaba escribiendo cuando ya estaban en sesiones de grabación... Así que, a veces improvisaba una letra y si salía bien, la anotaba de inmediato como para legalizarla. Fue un proceso bien complicado, pero el resultado final fue una canción muy contundente con la sensación emocional que estaba buscando.

 

 

[Un dato curioso: La canción fue construida sobre el famoso Bo Diddley Beat, un ritmo que puede ser hecho con cualquier instrumento y que se popularizó después de que el músico Bo Diddley lo hiciera famoso en 1955. Ha sido utilizado durante décadas en el trabajo de miles de artistas.]

 

El álbum Faith es una de las grandes obras maestras del pop... Tenía Funk, rock and roll, blues, soul, gospel... Hablaba de cambios y creencias en faith, de abuso de drogas en Monkey, violencia de pareja en Look at your hands, hablaba de sexo en i want your sex, política en Hand to mouth y amor eterno en father figure.

Faith ha sido considerado el álbum de pop perfecto... Ganó el Grammy al Álbum del año. Estuvo en el número 1 de álbumes durante 12 semanas... Se mantuvo en el top 10 durante 51 semanas... La canción estuvo seis semanas en el número 1 en Billboard y tanto la canción como el álbum, fueron los más vendidos para 1988 en los Estados Unidos.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 

Delorean musical episodio 20:

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a mayo de 2008...

 

Chris Martin y Jonny Buckland se conocieron durante su semana de orientación en el University College de Londres en septiembre de 1996. Y se la pasaron el resto de ese año universitario planeando formar una banda. Finalmente formaron un grupo llamado Pectoralz.

 

Guy Berryman, un compañero de clase de Martin y Buckland, se unió más tarde al grupo. En 1997, esa banda ya tenía otro nombre... Starfish. Y empezó a tocar en pequeños bares en Camden. La formación de la banda se completó cuando Will Champion se unió para asumir la percusión. Champion había crecido tocando el piano, la guitarra y bajo... Pero debió aprender a tocar la batería.

Martin le pide el favor a su amigo Phil Harvey, que sea el mánager de la banda y, desde ese momento, aunque no es músico, el grupo aceptó a Harvey como el quinto integrante de esa banda, que terminó finalmente, quedándose con un nombre que fue acomodado del título de un libro de Philip Horky llamado Child's Reflections Cold Play para así finalmente dejarlo solo como COLDPLAY.

 

La banda arranca una exitosa carrera con 3 álbumes como el Parachutes, A Rush Of Blood To The Head y el X&Y... Pero hoy vamos a parar en el cuarto álbum: Viva La Vida Or Death And All His Friends.

 

 

Pero que al igual que millones de fanáticos alrededor del mundo, llamaremos simplemente Viva La Vida.

Esa frase, estaba en una pintura de la artista mexicana Frida Kahlo. En un momento en el que ella pasó por muchos problemas en su vida, decide sentarse un día a crear una pintura en su casa que decía: Viva La Vida... La pintura refleja la ironía artística de aclamar la vida mientras se sufre físicamente. A la banda le pareció una posición muy audaz, exaltando la fuerza de Frida Kahlo, la polio que soportaba, una columna vertebral rota y una década de dolor crónico. Fue una mujer que sufrió mucho y aún así, se dedica a hacer un cuadro en su casa que decía 'Viva la Vida', era fantástica y por eso tomaron ese nombre para el álbum y para la canción de la cual hablamos hoy.

Durante la producción del álbum, "Viva la Vida" fue una de las canciones que polarizó la opinión de cada miembro sobre qué versión elegir. Ya que hicieron varias versiones diferentes.

Coldplay contrató a Brian Eno (productor de David Bowie, Talking Heads y U2) para producir este álbum. Con su álbum X&Y se dio el final de lo que la banda llamaba el "Oldplay" la parte antigua de Coldplay. Esos 3 primeros álbumes estaban pensados como una trilogía que se logró terminar de manera exitosa. Pero a partir de este cuarto álbum, querían hacer algo diferente.

 

 

La letra habla de la historia de un rey que perdió su reino a manos del pueblo, y todas las ilustraciones del álbum se basan en la idea de la revolución. De hecho, la foto de la portada, es una pintura del artista Eugène Delacroix llamada "La Libertad Guiando A La Gente", que conmemora la revolución francesa de 1830. "Viva la Vida" está narrada desde el punto de vista de ese rey que decía que "solía gobernar el mundo". En la canción hay una famosa frase: "I Know Saint Peter won't call my name" (Sé que San Pedro no dirá mi nombre) Básicamente, no estás en la lista. Por más que lo intentes ocultar, nunca te portarás bien del todo.

A Chris Martin le parecía interesante esa idea de que uno tenga que esperar a terminar su vida, para ser analizado por un ser supremo. Y es sobre lo que están planteadas la mayoría de religiones. Para bien o para mal.

Ya que puede ser tanto para hacer el bien y encontrar el paraíso, como bombardear a los infieles y aspirar a tener mil vírgenes después de morir. La canción y el álbum invitan a tratar de recordar lo que es importante en nuestras vidas, en lugar de dejarnos llevar por las trampas que nos rodean día a día y nos desvían de esa meta.

[Fue el sencillo usado en su momento para la campaña publicitaria de iPod + iTunes de Apple.]

Coldplay fue el primer grupo británico en alcanzar el número 1 en el Hot 100 durante más de diez años. El grupo británico anterior en encabezar la lista de sencillos de Estados Unidos fueron las Spice Girls con "Wannabe" en febrero de 1997.

Viva La Vida ganó el Grammy a Canción del año y mejor álbum de rock en 2009, ganándole a Metallica, lo que creó en su momento controversia entre la comunidad rockera.

 

Un dato curioso... Este fue el octavo éxito en Estados Unidos donde el título tenía palabras en español, después de "Bailamos" de Enrique Iglesias, "El Paso" de Marty Robbins, "I Adore Mi Amor" de Color Me Badd, "La Bamba" de Los Lobos, "Livin 'La Vida Loca" de Ricky Martin, "Macarena" de Los Del Río y "Tequila" de The Champs.

 

El video musical oficial de "Viva La Vida" fue dirigido por Hype Williams y se estrenó en la página web de Coldplay el 1 de agosto de 2008. El video muestra a la banda imitando la pintura de Eugène Delacroix, terminando con los miembros de la banda desmoronándose en pétalos de rosa.

Hay una segunda versión del video con Chris Martin como el rey, dirigido por Anton Corbijn.

 

 

Esta segunda versión es un tributo al video de Corbijn para "Enjoy the Silence" de Depeche Mode y muestra a Chris Martin como el rey desde cuya perspectiva se canta la canción. Durante el video, lleva la pintura de Delacroix. Al final, cuelga el cuadro en un establo blanco en la cima de una colina. Mientras canta el último estribillo, sus compañeros de banda salen a la superficie y se dirigen hacia él, atando los cabos sueltos del video de "Violet Hill".

Otro dato curioso... Un grupo estadounidense llamado Creaky Boards acusó a Coldplay de haberse robado la melodía de esta canción de algo que ellos escribieron en 2007 llamado, irónicamente, "Las canciones que nunca escribí". Andrew Hoepfner, cantante y compositor de Creaky Boards, sostiene que Chris Martin estuvo en un concierto de Creaky Boards en New York en octubre de 2007. Coldplay ha negado estas acusaciones sustentando que, la noche en que se suponía que Martin los estaba viendo, en realidad estaba trabajando en el Air Studio en Londres. Además, esta canción fue escrita y probada siete meses antes de la famosa noche en cuestión.

 

 

Otro dato curioso... Depronto usted no lo sabía, pero en 1997, Chris Martin conoció a un estudiante llamado Tim Rice-Oxley y un fin de semana intercambiaron sus canciones propias en un piano... Martin, al ver el talento de Rice-Oxley, le pidió que fuera el tecladista de Coldplay, pero Rice-Oxley se negó porque ya estaba trabajando con una banda, que días después de este encuentro, se formó oficialmente como Keane.

"Viva la Vida" se lanzó inicialmente como pre-orden en el iTunes Store el 7 de mayo de 2008, lo que hizo que la canción no fuera incluida en su lanzamiento en los listados del  Reino Unido. Después de esto se lanzó como single en CD físico para el mes de julio de 2008, coincidiendo con el lanzamiento del video musical. "Viva la Vida" fue la canción más vendida de iTunes en 2008.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 


Delorean musical episodio 19:
Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Annie Lennox y Dave Stewart se conocieron en 1975 en un restaurante de Londres, donde Lennox trabajaba en aquel entonces. Tocaron juntos por primera vez en 1976 en una banda de punk rock llamada The Catch, que luego se cambió el nombre a The Tourists. En ese momento, Stewart y Lennox tenían su cuento y estaban sumergidos en una relación sentimental. Mientras The Tourist se desmoronaba debido a problemas personales y musicales dentro del grupo, a demandas legales con la dirección de la banda, los editores y los sellos discográficos... Ellos andaban felices juntos... Así que, ¿por qué no seguir juntos?

 

Fue en un hotel en Australia, mientras jugaban con un mini sintetizador portátil que Lennox y Stewart decidieron consolidarse como dúo. Manteniéndose como los únicos miembros permanentes y compositores de las canciones... Cosa que no podían hacer en The Tourists. Si, podían involucrar a otros colaboradores, pero el control era de ellos debido a su compatibilidad y disponibilidad mutuas...

[Aunque después de tres años, se separaron como pareja.]

Terminamos escribiendo muchas canciones... algunas trataban de su relación personal y otras trataban de su relación con el mundo. Todo lo que escribieron siempre tuvo un lado oscuro y un lado claro, lo que describe muy bien su estilo musical, lleno de los altibajos... como la vida misma.

Cuando era niña, Annie Lennox descubrió un método de enseñanza musical pedagógico que fue creado por el músico y educador francés Emile Jaques-Dalcrose. La meta de este método es que los estudiantes tengan unas bases rítmicas sólidas... Y cómo se llama este método?

EURYTHMICS

El gran éxito comercial de Eurythmics llegó con su segundo álbum, Sweet Dreams (Are Made of This), lanzado en enero de 1983. Y gracias a la canción que le daba título al disco. Una gran canción que arrancaba potentemente con una línea de bajo sintetizada, oscura y poderosa.

 

 

Sweet Dreams fue escrita por el dúo después de haber tenido una fuerte pelea. Pensaron que hasta ahí habían llegado y que era el final del camino para Eurythmics. Se sentían miserables. Y de un momento a otro, a Dave Stewart se le ocurrió un ritmo, Annie Lennox improvisó el riff del sintetizador y de repente, sin mucho pensarlo, tenían un éxito en sus manos.

Stewart y Lennox tenían muy poco dinero y fueron muy afortunados de que un banco les hiciera un préstamo para comprar algunos equipos y poder hacer un disco. Aprovecharon al máximo el poco presupuesto que tenían, se compraron una grabadora de 8 tracks y consiguieron una drum machine usada que tuvieron que ir a recoger a 200 millas de distancia. Pero valió la pena... Ese drum machine les costó 2.000 libras y solo se habían fabricado 30 en el mundo... Motivo por el cual también decidieron usarlo en el video. Todo esto, más un sintetizador y un teclado sirvió para hacer la base de la canción.

De nuevo, habían recuperado la fe... Los dulces sueños estaban hechos de esto. Wow.

Ahí hay una letra para arrancar!

Aunque mucha gente piensa que se trata de sexo o sadomasoquismo, no se trata de eso en absoluto. La mayoría de esa gente sacó esa conclusión debido a la estética del video, pero ya hablaremos de eso.

La letra realmente reflejaba ese momento infeliz después de la ruptura de The Tourists, cuando Annie Lennox sintió que estaban "en un mundo de sueños" y que lo que sea que estuvieran persiguiendo nunca iba a suceder... Creía que su situación no podría empeorar. La canción era una expresión del desespero y la depresión que sentía Lennox pero es ahí donde Stewart hace su magia y le agrega las letras "Hold Your Head Up. Moving On"... Algo como "Levanta la cabeza y sigue adelante", para darle un poco más de positivismo al asunto. Esta línea se convirtió en una constante durante la letra, lo que terminó haciendo que toda la canción fuera un coro y finalmente no había una sola nota que no fuera un hook. Un magnífico híbrido entre Stevie Wonder y Joni Mitchell.

Fue como un ying y un yang... Un positivo y un negativo... Mientras Annie estaba deprimida por que su carrera musical no iba para ningún lado, Dave acababa de recuperarse de una cirugía de un pulmón perforado y sentía que la vida le había dado una segunda oportunidad. Pero fue ese primer golpe del bajo... Lo que le devolvió la fe a Lennox y de inmediato la animó a seguir adelante.

Prácticamente, la música salió de una guerra de sintetizadores entre ellos dos.

La compañía discográfica no pensó que la canción fuera adecuada como sencillo ya que no tenía un coro que sobresaliera como en las canciones "normales"... Sin embargo, un DJ de radio en Cleveland se arriesgó a poner la canción al aire de manera constante... Los teléfonos empezaron a sonar y la gente la pedía sin parar... Al ver esto, la disquera decidió lanzarla.

Pero era 1983... Se necesitaba algo visual para entrar a competir en las aguas de MTV.

Existió una versión inicial del video, que muy poca gente conoce... Grabado en un vagón de tren usando la ventana como green screen para poner imágenes... Pero realmente no funcionaba con la canción

El video final fue innovador en ese momento y terminó hablando por la canción... En el, se mostraba a Annie Lennox con el pelo anaranjado y corto, muy masculino en la época... También un traje negro con corbata, lo que lo convirtió en el primer video musical en presentar a una mujer andrógina.

 

 

Ahora hablemos de vacas... La vacas del video fueron idea de Dave Stewart: El siempre ha sido un gran fanático de los artistas surrealistas como Salvador Dali y Luis Bunuel.

La vaca principal, fue un problema para meter en un estudio de grabación. Eurythmics encontró un estudio en un sótano en Londres con un ascensor lo suficientemente grande para poder meter al animal. Fue una cosa absolutamente surreal. Pero, finalmente, el video es una declaración sobre las diferentes formas de existencia.

Está el reino animal... Y está el reino humano... Los dos coexisten, pero realmente nunca tienen cercanía en cuanto a lo que esperan de su lugar en este planeta. Por un lado estamos los humanos, con nuestros sueños de industria, de control económico y mental, de logros, excesos, éxito y dinero... Y al otro lado... hay una vaca. A la que nada le importa eso.

 

 

"Sweet Dreams", más que una canción... Es un mantra. La gente se ha identificado con ella a lo largo de los años y obviamente está abierta a interpretaciones ya que contiene una descripción general de la existencia humana, así que en últimas, lo que le produzca la canción, eso es lo que es.

"Sweet Dreams" fue el gran éxito comercial de Eurythmics en el Reino Unido y en todo el mundo. En los listados del reino unido solo llegó al número dos. Si bien es una de las canciones más exitosas de Synth-Pop de los 80, nunca pudo tumbar a "Total Eclipse of the Heart" de Bonnie Tyler, del número uno.

En Estados Unidos si la cosa fue distinta... Sweet Dreams fue la canción que logró tumbar de la cima a Every Breath You Take de The Police...

 

[Un dato curioso... En una encuesta realizada por la plataforma de streaming Spotify, Sweet Dreams fue considerada una de las canciones de las cuales la mayoría de gente canta mal la letra.]

 

Resultó ser, que muchos cantan Sweet Dreams are made of cheese.

Una de las versiones más famosas de la canción, fue hecha por Marilyn Manson en 1995... También la hizo  Weezer en 2019.

A partir del lanzamiento de Sweet Dreams en enero del 83, la suerte de Eurythmics cambió por completo y Annie Lennox se convirtió de inmediato en un ícono de la cultura pop.

 

Cuénteme, a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo episodio.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


 
Delorean musical episodio 18:

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a diciembre de 1983...

 

Los hermanos Van Halen nacieron en Amsterdam. Alex Van Halen en 1953 y Eddie Van Halen en 1955. Eddie comenzó a estudiar piano clásico y se volvió bastante bueno (aunque nunca llegó a dominar por completo el arte de leer partituras). Deciden ponerse a hacer música juntos en la década de 1960: Eddie en la batería y Alex en la guitarra. Mientras Eddie repartía periódicos para pagar su nueva batería, sin saber que Alex aprovechaba para tocarla cuando Eddie no estaba.

Hasta que un día Eddie se enteró y un poco frustrado, le dijo a Alex: "Está bien, entonces usted toque la batería y yo toco la guitarra".

 

Los hermanos Van Halen formaron su primera banda, llamada The Broken Combs, en 1964... Luego se llamaron Genesis. Necesitaban ensayar pero no tenían equipos... Es entonces cuando deciden alquilarle un sistema de sonido a un joven llamado David Lee Roth, pero no tenían el suficiente dinero para seguir pagando, así que llegaron a un arreglo... David Lee Roth sería el vocalista (a pesar de que sus pruebas no habían sido la gran maravilla).

Perfecto! Genesis estaba lista como banda... Solo había un problema: Se enteraron un poco tarde, que ya existía una banda formada por Peter Gabriel que se llamaba así. No los culpen por la demora... Recuerden que en esa época no existía la inmediatez de internet.

Entonces deciden llamarse Mammoth... Tampoco les gustó y pues finalmente, estos dos hermanos, deciden volver a lo básico y usar sus apellidos:

VAN HALEN.

 

Su primer show oficial como VAN HALEN, lo tuvieron en un colegio de Los Angeles llamado La Cañada en 1975... Luego en fiestas... luego pubs... hasta finalmente llegar al famoso Gazzarris en el Sunset Strip. El pináculo del rock californiano en aquel entonces. El mismo lugar donde se presentaban The Doors antes de ser descubiertos.

 

 

Firman su primer contrato y comienzan una carrera en ascenso de la mano de David Lee Roth con canciones como Running with the devil, Eruption que era un track instrumental con la guitarra de Eddie, considerado uno de los mejores solos de guitarra de la historia... Fue gracias a Eruption que Michael Jackson luego lo llamó para hacer el solo de Beat It.

 

 

En el 79 consiguen su primer hit: "Dance The Night Away".

Y de ahí, gira tras gira hasta alcanzar incluso un Guinness Record como la banda mejor pagada en un solo show... 1.5 millones de dólares por una aparición de 90 minutos en el US Festival en 1983. Empiezan entonces a experimentar con sintetizadores para el que sería su siguiente álbum, que se llamaría igual al año de su lanzamiento: 1984.

1984, que se lanzó el 9 de enero de 1984, fue un éxito comercial, cinco veces platino. Eddie acababa de construir su propio estudio y ahí se grabó el álbum... Ese estudio se llamaba 5150, que le daría el nombre al siguiente disco de la banda... Pero no nos vayamos hasta allá.

 

 

Hablemos del sencillo principal del álbum 1984: "Jump". Una canción  que se hizo famosa por su hook de sintetizador y una letra escrita en forma de himno.

Para esto, Eddie Van Halen usó un sintetizador OB-Xa de Oberheim, que se fabricó solamente de 1979 a 1981 y se hizo muy famoso por ser el sintetizador preferido de artistas como Nena, Madonna, Prince, Queen y Jean Michel Jarre.

[Una historia curiosa... Daryl Hall del dúo  Hall & Oates ha contado en muchas entrevistas que Eddie Van Halen le confesó que había copiado ese sintetizador de la famosa canción 'Kiss on My List', Pero Daryl Hall nunca tuvo ningún problema con eso en absoluto.]

Esa línea de sintetizador ya había sido escrita por allá en 1981 por Eddie Van Halen pero a ningún integrante de la banda le gustó... El sintetizador fue un punto de discordia dentro de la banda. Eddie quería usarlo, pero Roth sentía que se estaban vendiendo solamente para conseguir más sonadas en radio.. Y eso no era lo suficientemente Rock N Roll. Usar un sintetizador en lugar de una guitarra sería lo que acabaría con Van Halen... Pero no. Como lo ha mostrado la historia, fue todo lo contrario y sus fanáticos estuvieron más que de acuerdo. Pero en 1983, el productor Ted Templeman le pidió a David Lee Roth que se sentaran y escucharan esa idea que Eddie les había mostrado años atrás... Se acuerdan? esa canción que no les gustó? Es ahí donde nace JUMP... en el asiento trasero de un Mercury 1951, recorriendo algunas calles de Los Angeles... Al menos eso dice la leyenda.

Y es que Roth siempre ha sido un gran contador de historias y siempre ha querido construir su propia leyenda, por lo que nunca sabremos con certeza si la historia del Mercury 1951 fue del todo cierta o no. Pero bueno, así está escrita la historia.

 

David Lee Roth, recordó haber visto un reportaje en televisión la noche anterior sobre un hombre que amenazaba con suicidarse saltando de un edificio en downtown LA. En ese reportaje se veía a toda la gente preocupada gritandole a ese hombre: No salte! No salte!. Pero Roth, se quedó divagando por un momento y pensó para sí mismo: Bueno, y qué pasaría si alguna de esas personas de repente le gritara al suicida Adelante! Salte! Es ahí cuando nace la frase principal de la canción:

YOU MIGHT AS WELL JUMP! GO AHEAD AND JUMP!

Pero ojo. Esa fue solo una divagación de Roth en ese momento... Pero la letra final no trata sobre el suicidio de ninguna manera. Después de sacar esa frase, se dio cuenta de que podría tener más connotaciones positivas que negativas. Y la canción, en lugar de tratarse de una amenaza de suicidio, termina siendo una lírica escrita como una invitación al amor. y a lograr lo que cada uno se proponga. De saltar a lo desconocido sin miedo, ya sea a enamorarse... o a fracasar.

[También se dice por ahí, que David Lee Roth le escribió esa canción a una stripper... Pero eso dejemoslo mejor para su vida privada y sus leyendas personales.]

JUMP se convirtió también, con el paso de los años, en uno de los himnos deportivos más memorables.

Finalmente la canción se construyó durante toda una noche en el estudio y al día siguiente, al escuchar la canción, la banda decidió incluirla de inmediato en el álbum 1984. Es más, se decidió lanzar la canción de inmediato! Dos semanas antes del lanzamiento del álbum completo y que mejor manera de impulsarlo que con un video musical en plena época dorada de MTV.

 

El video era de muy bajo presupuesto... Nunca imaginarían competir con videos monstruosos como el recién lanzado Thriller de Michael Jackson... Pero, extrañamente, fue muy exitoso. Seguramente por su altísima rotación en MTV que, como les he contado anteriormente, era programado por rockeros... Así que de entrada ya tenían una ventaja competitiva.

Era simplemente una grabación en una cámara de 8 milímetros de Van Halen tocando, dándole mucha importancia al famoso "salto del águila" en cámara lenta hecho por David Lee Roth (Algo que ya había hecho Def Leppard en el video de su canción Photograph a comienzos del 83). Si usted ve el video hoy en día, seguro le parecerá ridículo... Pero en su momento fue considerado innovador y además, estableció el estándar de los llamados B-Music Videos o videos musicales baratos que, en el caso del rock en los 80, fue muy exitoso.

1984 fue el último álbum de David Lee Roth con Van Halen antes de dejar la banda en 1985; y el video de "Jump" fue el culpable de esto.

El productor quería mostrar el lado personal de la banda en el escenario. Roth, sin embargo, quería mostrarse él en su estado rockanrolero, entonces lo filmaron conduciendo motocicleta... Tomando trago con chicas y siendo arrestado por la policía en toalla... Pero el productor Robert Lombard, editó el video y no usó ninguna de esas imágenes adicionales de David Lee Roth, aparte, y para acabar de completar, solo se lo mostró a los hermanos Van Halen para su aprobación.

Ojo... Lo más grave del asunto, es que el director del video era David Lee Roth.

Algunas de esas imágenes de David Lee Roth terminaron usándose en el video de la canción "Panama". Dos días después de todo este tema, el manager de la banda despidió a Lombard por no tener en cuenta a Roth en la decisión. Y como es la vida... El video se ganó un Premio MTV pero Lombard nunca lo recibió. Se dice que David Lee Roth lo destruyó. Igual ya existía mucha tensión en la banda debido al protagonismo de Roth... El estaba convencido que era más grande que la banda. La separación era inevitable. Solo se necesitaba un motivo. JUMP fue el primer número uno en la carrera de de Van Halen, y fue el único número uno durante la época en la que David Lee Roth fue el vocalista. Dándoles una nominación al Grammy.

1984 fue el segundo álbum más importante en ese momento, detrás de Thriller de Michael Jackson. En el cual, curiosamente, Eddie Van Halen había colaborado.

David Lee Roth fue reemplazado como vocalista de la banda por Sammy Hagar en 1986, quien 10 años después fue reemplazado por Gary Cherone.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


Delorean musical episodio 17:

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a marzo de 1985.

 

Roland Orzabal y Curt Smith se conocieron cuando eran adolescentes en Inglaterra. Los dos se convirtieron en músicos de sesión para la banda Neon, donde conocieron al futuro baterista de su banda, Manny Elias. En Neon también estaban Pete Byrne y Rob Fisher, quienes se convirtieron luego en la banda Naked Eyes. El debut profesional de Smith y Orzabal llegó cuando entraron a un proyecto llamado Graduate, un acto de revival mod / new wave. En 1980, Graduate lanzó un álbum, Acting My Age, y un sencillo "Elvis Should Play Ska" (refiriéndose a Elvis Costello, no a Elvis Presley). Con este sencillo no pasó absolutamente nada en ese momento. Ni siquiera entró al top 100 en el Reino Unido.

 

En 1981, Orzabal y Smith ya estaban más influenciados por artistas como Talking Heads, Peter Gabriel y Brian Eno. Dejaron Graduate y formaron una banda llamada History of Headaches... En medio de su exploración musical, estaban buscando un nombre definitivo para su nueva banda, que esperaban, fuera el último... Y se encontraron con una terapia psicológica contra la neurosis causada por traumas de infancia, una terapia desarrollada por el psicólogo estadounidense Arthur Janov, que tuvo mucha publicidad después de que John Lennon se convirtió en uno de los pacientes de Janov en 1970. Básicamente, la premisa de esta terapia era todas esas lágrimas generadas por los miedos.

TEARS FOR FEARS.

Por esta época conocieron a Ian Stanley, que les prestó su estudio portatil de 8 pistas. Stanley comenzó a trabajar con el dúo como su tecladista y, después de grabar dos demos, Tears for Fears firmó su primer contrato discográfico. A principios de 1984, comenzaron a trabajar en su nuevo sencillo "Mothers Talk". que se convirtió en un top-20 en el Reino Unido, pero fue el siguiente sencillo "Shout" (lanzado en el Reino Unido en noviembre de 1984) el que marcó el verdadero comienzo de la fama internacional de la banda.

["Shout", que llegó al top 5, fue la canción que pavimentó el camino para su segundo álbum, Songs from the Big Chair que se lanzó en febrero de 1985.]

En este trabajo, logran separarse un poco de ese sonido synth-pop que le pusieron a su primer álbum, y se fueron por un sonido mucho más sofisticado que se convertiría en el sello de la banda. Esto ayudó a impulsar a Songs from the Big Chair a convertirse en uno de los álbumes de mayores ventas en 1985 a nivel mundial... Convirtiéndose en el álbum número 1 en los Estados Unidos durante cinco semanas en el verano del 85.

Tears for Fears - Facebook

El título del álbum se inspiró en el libro y la miniserie de televisión Sybil, la crónica de una mujer con trastorno de personalidad múltiple que buscó refugio en la "silla grande" de su psicoanalista. Y así mismo funciona el álbum... Cada una de las canciones del álbum tiene una personalidad distintiva...

Pero el sencillo que selló el éxito del álbum fue "Everybody Wants to Rule the World", su canción más alta en los listados a nivel mundial y su primer número 1 en los Estados Unidos.

"Everybody Wants to Rule the World" fue escrita por Roland Orzabal, Ian Stanley y producida por Chris Hughes. La canción se agregó en el álbum a "último minuto" durante las sesiones de grabación. La decisión de incluir la canción en el álbum se produjo después de meses trabajando en "Shout", y cerca del final de las sesiones, Roland Orzabal entró al estudio y tocó dos simples acordes en su guitarra acústica, que se convirtió en la base de la canción. Se grabó en dos semanas y se añadió como pista final del álbum. No creían que la canción encajara con el resto del álbum.

El título original de la canción era "Everybody Wants To Go To War", pero Orzabal sentía que era mediocre. Sin embargo, Hughes convenció a Orzabal para que la grabara y era más con la intención de lograr entrar a los listados norteamericanas.

La canción trata sobre la búsqueda del poder y cómo puede tener consecuencias desafortunadas.

La letra de la canción detalla el deseo que tienen los humanos de tener control y poder. Es una letra que puede aplicarse en diferentes escenarios como el medio ambiente "Turn your back on mother nature" (Dale la espalda a la madre naturaleza), el éxito financiero de corta duración "Help me make the most of freedom and of pleasure/Nothing ever lasts forever" (Ayúdame a aprovechar al máximo la libertad y el placer / Nada dura para siempre), el gobierno dictatorial "Even while we sleep/We will find you" (Incluso mientras dormimos / Te encontraremos) y claramente, la Guerra Fría "Holding hands while the walls come tumbling down" (Tomados de la mano mientras los muros se derrumban). Fue la Guerra Fría la principal inspiración en aquel momento para la canción... Como lo fue para muchas instancias del entretenimiento global.

Todo el mundo quiere gobernar el mundo... Hablando específicamente de Estados Unidos y Rusia en ese entonces. El uso de la autoridad clasificada y el abuso de poder entre las ramas del gobierno.

Si lo piensan bien, los jóvenes de la era de Ronald Reagan y Margaret Thatcher, son los adultos de hoy en día y tanto entonces como ahora, están hartos de la codicia política.

"Everybody Wants to Rule the World" fue lanzado por primera vez el 18 de marzo de 1985 como el tercer sencillo del álbum.

La canción era lo más "ajeno" a la forma de escribir música que tenía la banda.

"Everybody Wants to Rule the World" es una canción de new wave muy influenciado por la canción de 1983 "Waterfront" de Simple Minds

 

También existe otra teoría...

Y es que "Everybody Wants To Rule The World" es una línea de una canción de The Clash de 1980 llamada "Charlie Don't Surf". De hecho hay una anécdota sobre eso y es que Joe Strummer de The Clash se encontró con Roland Orzabal en un restaurante, y de manera casual le dijo: "me debes cinco dólares por la frase de la canción". Y según cuenta la leyenda, Roland Orzabal metió la mano en el bolsillo y sacó un billete de cinco libras y se lo entregó, aparentemente como compensación por robarse la línea que le dio título a su gran éxito mundial.

Everybody Wants To Rule The World es una composición atemporal e influyente sin esforzarse demasiado en querer hacerlo.

Así como lo hablamos en un episodio anterior, es una de esas canciones que capturan el espíritu de los tiempos, habla del momento y lo define perfectamente... Es de esas canciones que sin proponérselo, se convierten en una pequeña lección de historia. Fue apropiada cuando se lanzó, porque habló directamente de una era que fue tan corrupta económicamente, como espiritualmente. Es una de las grandes acusaciones al materialismo y al falso triunfalismo de la década del 80. Y no hay nada que hacer, es una grabación con un atractivo universal, lo que la convirtió de inmediato en una canción de esas que HAY QUE SONAR EN RADIO... o en un restaurante... o en un bar...

Aunque... como dato curioso...

[La BBC prohibió emitir "Everybody Wants to Rule the World" durante la primera Guerra del Golfo (desde el 2 de agosto de 1990 - hasta el 28 de febrero de 1991) debido a los temas políticos de la canción.]

 

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


Delorean musical episodio 16:

 

Bienvenidos una vez más, soy Uribe DJ y quiero que viajemos en el tiempo.

Volvamos a marzo de 1983.

Ian Curtis, Peter Hook, Stephen Morris y Bernard Sumner fueron los integrantes de la banda post-punk Joy Division... Pero Curtis se suicidó un 18 de mayo de 1980, el día antes de que Joy Division partiera hacia su primera gira estadounidense, y previos también a lanzar su segundo álbum llamado Closer. Curtis tenía 23 años.

 

El resto de la banda decidió, poco después de la muerte de Curtis que continuarían haciendo mùsica. Ya tenían un acuerdo de palabra, que habían hecho mucho antes de la muerte de Ian: Si algún miembro se va de la banda, no nos seguiremos llamando Joy Division.

Un 29 de julio de 1980, un poco más de 2 meses después de la partida de Ian Curtis, la banda aún no tenía un nombre definido, pero aún así, se presentaron en el Beach Club de Manchester. Es cuando aparece Rob Gretton, que fue el manager de la banda durante más de veinte años... Fue él quien los bautizó. Un día, leyendo el periódico The Guardian, encontró un artículo titulado: "The People's New Order of Kamboya". The New Order... Ya había existido una banda llamada con ese nombre, pero se había acabado... Así que era perfecto. 

Se llamarían NEW ORDER.

La banda ensayó con cada miembro para ver quien iba a reemplazar a Curtis como vocalista. Sumner finalmente tomó el liderazgo, ya que era el único que podía cantar cuando no tocaba la guitarra. 

En 1983, la banda encontró su equilibrio mezclando la música tecno con un sonido muy influenciado por los sonidos de Kraftwerk y Giorgio Moroder. Es ahí cuando aparece "Blue Monday"... Una canción secuenciada electrónicamente bajo un patrón musical conocido como Four To The Floor. 

Para explicarlo de la manera más simple, es un tiempo constante y uniforme en un beat de 4/4 en el que el bombo se golpea en cada tiempo. Esto se usó mucho en la música disco de la década de 1970. 

"Blue Monday" se convirtió en el sencillo de 12 pulgadas más vendido de todos los tiempos... 

 

Para quienes no sepan que es un disco de 12", les explico... Aunque el disco de vinilo convencional tiene un diámetro de 12 pulgadas, la diferencia está en el espacio entre surcos. En el caso de sencillos como Blue Monday, es más amplio y por lo tanto tiene un tiempo de reproducción más corto... Por lo general una sola canción por lado, a diferencia de un LP, que significa Long Play, que si tienen varias canciones en cada lado.

La banda hizo la canción de manera experimental, sin esperar nada de ella... Tanto así, que al mismo tiempo, estaban lanzando el álbum Power, Corruption & Lies. El problema es que la canción se convirtió en todo un éxito de inmediato... Pero los fanáticos estaban ofendidos porque la canción no venía en el álbum... Recuerden que en esa época la gente si compraba álbumes y esperaba encontrar sus canciones favoritas en ellos.

Se vieron entonces obligados a poner un sticker en el álbum que decía "NO CONTIENE BLUE MONDAY". En algunos países como Australia y Nueva Zelanda, al álbum se le añadió el sencillo en un cassette aparte... Ya cuando se lanzó el álbum en CD en los Estados Unidos, si se incluyó la canción.

Como les contaba, la canción se lanzó únicamente como sencillo en vinilo de 12 pulgadas el 7 de marzo de 1983 y debido a la forma en la que fue producido en computadora, la portada fue un floppy disk de 5¼... De nuevo, como ustedes son todos jóvenes y bellos, les cuento... Un floppy disk era el dispositivo que servía para pasar información entre computadores... básicamente el papá de lo que ustedes conocen hoy como la USB... Era un diskette delgado que tenía una gran capacidad de almacenamiento... 360 KB... Para que se hagan una idea en comparación, para guardar una canción en mp3 en calidad standard hoy en día, necesitarían 12 floppys de esos. Para una sola canción.

Hemos avanzado.

Al lado del floppy venía un código en bloques de colores que descifrado dice: FAC 73 BLUE MONDAY AND THE BEACH NEW ORDER. Las instrucciones para descifrarlo venían en la parte de atrás del álbum Power, Corruption And Lies. FAC... Porque fue producido por Factory Records, una ya desaparecida compañía discográfica independiente de Manchester...  Y THE BEACH, porque ese era el lado B del disco... THE BEACH fue como ellos bautizaron a la versión instrumental de BLUE MONDAY que realmente fue la primera versión que existió de la canción y ya les cuento cual era su propósito inicial... Han existido diferentes teorías sobre la letra de la canción... Algunos han dicho que trata sobre Ian Curtis, o sobre la adicción a las drogas, otros dicen que sobre el abuso infantil o también que tiene que ver con una relación fallida... Pero esas teorías, todas falsas, fueron todas sacadas solamente a raíz de la primera frase: How does it feel... To treat me like you do? ¿Cómo se siente... Tratarme como lo haces?

Y aunque la canción fue escrita por Bernard Sumner en un viaje de LSD, el mismo Peter Hook explicó de qué trataba la canción: 
La banda creó la canción en respuesta a la decepción que expresaban los fanáticos por el hecho de que New Order no hacía encores en sus conciertos... Qué es un encore? Es ese momento del show en el que la banda se despide... Supuestamente... Pero vuelve al escenario para tocar una última canción... O varias en algunos casos.

La canción, originalmente llamada THE BEACH como les conté hace un momento, fue creada para que al terminar el show, ellos pudieran volver al escenario y simplemente darle play a un sintetizador y que esa canción sonara mientras ellos se retiraban tranquilamente del lugar para irse de fiesta. Pero la canción fue evolucionando hasta convertirse en un proyecto que les gustó mucho, y pasó de ser un simple experimento en el escenario, a ser un sencillo exitoso. A partir de ese momento, se volvió casi una tradición que BLUE MONDAY sea el encore en los shows de New Order... Pero ahora si, como canción con todas las de la ley.

El título de la canción salió de 2 eventos coincidencialmente mágicos... El primero, una ilustración del libro "Breakfast Of Champions" de Kurt Vonnegut, que estaba leyendo uno de los miembros de la banda en el estudio... La ilustración en ese libro decía: "Goodbye Blue Monday", refiriéndose a la invención de la lavadora que mejora la vida de las amas de casa... Y el segundo: La canción de Fats Domino llamada Blue Monday que estaba escuchando Peter Hook ese mismo día... Que coincidencialmente, era un lunes.
Una de las características especiales de la canción, son sus famosos accidentes felices... Y es que a la secuencia hecha en el computador en aquel momento, siendo una canción tan larga, se brincaron varios beats... Pero lograron hacerlo sonar bien y bueno... Aparte se grababa en cinta, en esas épocas no había vuelta atrás. 

Tengan muy claro que la canción no tiene nada que ver con la famosa fecha del blue monday.
El concepto de la fecha, que es el tercer lunes del mes de enero, y que supuestamente es el día más deprimente del año, se acuñó apenas en el año 2005 por un canal de televisión británico dedicado a los viajes, llamado Sky Travel, que aseguraba haber hecho ese cálculo gracias a una equación matemática.

Fue construida sobre 4 canciones: "Our Love" de Donna Summer, "Dirty Talk", de Klein + M.B.O, el bajo de "You Make Me Feel (Mighty Real)" de Sylvester y el hook salió de la banda sonora de Ennio Morricone "For a Few Dollars More". 

Blue Monday llegó al top 10 en muchos países. y fue remezclada dos veces, en 1988 y en 1995... Pero es la verión del 88 la más famosa ya que fue hecha por el gran Quincy Jones que es la que seguramente usted más conoce. 
Blue Monday es una de las canciones electrónicas más influyentes. El Synthpop ya era una fuerza importante en la música británica en 1983, pero podría decirse, sin temor a equivocarse, que esta fue la primera grabación de dance británica que hizo el crossover para apoderarse de la escena de los clubes de Nueva York... Y luego, del mundo entero.

Fue el eslabón que permitió la transición entre el disco de fianles de los 70 al dance/house de finales de los 80.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy Uribe DJ… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 


Delorean musical episodio 15:


Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a agosto de 1988.

Esta historia comienza en Australia... cuando un joven llamado Andrew Farriss convenció a su compañero de clase, Michael Hutchence, para que se uniera a su banda, Doctor Dolphin. En 1977, Tim Farriss, el hermano mayor de Andrew, junto a Garry Beers y a Kirk Pengilly formaron una banda que decidieron llamar Guinness (porque así se llamaba el perro de bajista).

En esta historia también aparece el hermano menor de los Farriss... Jon... y crearon "The Farriss Brothers", que fue la primera formación oficial de lo que serían como banda más adelante... Garry Beers en el bajo, Andrew Farriss en los teclados, Jon Farriss en la batería, Tim Farriss en la guitarra principal, Kirk Pengilly en el saxofón (que fue importantísimo en el sonido de la banda y de la canción de la que hablaremos hoy)... Y el gran Michael Hutchence en la voz principal.

Hicieron su debut como The Farriss Brothers el 16 de agosto de 1977 en Sydney, Australia.

 

En el 78, cuando aún hacían música como por pasar el rato, se cambian el nombre a The Vegetables... y grabaron una canción que se llamaba "We Are The Vegetables". FInalmente deciden ponerse serios y grabar una serie de demos. Pero un día corren con suerte y se encuentran en el parqueadero de un pub con el manager de Midnight Oil, banda australiana que ya contaba con cierto reconocimiento en ese momento. Comienzan entonces a abrir algunos shows de Midnight Oil y un día, uno de los integrantes de esa banda, les sugiere que se cambien el nombre.

La idea nace de un juego de letras inspirado en una banda inglesa llamada XTC que eran tres letras que se leían como "Ecstasy" y también de una empresa fabricante de mermeladas australiana llamada IXL, letras que simplificaban las palabras "I Excel". A los miembros de Midnight Oil les parecía que aquella banda, cuando se subía al escenario, tenía energía "En Exceso" (In Excess)... Así deberían llamarse!

Y lo que comenzó como un simple comentario, terminó dándole nombre a la banda.

[Deciden entonces usar el nombre propuesto por Midnight Oil... INXS]

La primera actuación de la banda como INXS fue el 1 de septiembre de 1979 y firmaron un contrato de grabación por cinco álbumes con un sello independiente australiano. Pero esos 5 álbumes me los voy a brincar el día de hoy, porque la canción de la que vamos a hablar, salió de el álbum número 6... El álbum que lanzó a INXS a la fama internacional y también, el álbum más exitoso de toda su carrera... KICK.

Tenían muy claro que querían hacer un álbum en el que todas las canciones fueran sencillos importantes... Y casi lo logran.

 

 

De ese álbum salieron:

Need You Tonight... Devil Inside... New Sensation... Mystify...

Y la canción en la que aterrizamos el día de hoy:

NEVER TEAR US APART

Michael Hutchence escribió la letra, una lírica muy personal que describe la conexión instantánea que a veces existe entre dos personas que forman un vínculo inexplicable que durará para siempre. Hutchence tuvo muchas relaciones apasionadas y complicadas en su vida... Tal vez las más famosas fueron: La cantante Kylie Minogue... La supermodelo y ángel de Victoria Secret, Helena Christensen y la controversial presentadora de televisión Paula Yates que solía entrevistar a sus invitados en la cama, con quien no se caso, pero si tuvo una hija en 1996, llamada Tiger Lilly... Desafortunadamente, una hija que creció sin conocer a su padre, ya que un año después, en 1997, Michael Hutchence fue encontrado muerto en la habitación 524 del Ritz-Carlton hotel en Sydney. Trágicamente, Tiger Lilly tampoco creció al lado de su mamá, ya que Paula Yates murió en el 2000 de una sobredosis.

Don't Do Drugs!

Andrew Farriss escribió la música de "Never Tear Us Apart"... En 1986 se sentó en un piano y comenzó a trabajar en los acordes que sonaban muy a los años 50 o al blues de Fats Domino o a los mismos Rolling Stones... a Michael Hutchence le gustó el demo y gracias a ese tono melancólico, se inspiró para escribir la letra... La letra más importante en la vida de Michael... Una letra con corazón... Una letra llena de amor personal.

Michael veía su vida amorosa como una sinfonía... Y de ahí también la idea de darle ese sonido de cuerdas y de orquestación a la canción. La canción termina convirtiéndose en una especie de vals.

 

 

La letra es simple, pero maravillosa. La canción ha sido versionada en todo el mundo por muchos artistas y ha sido usada en series de televisión, películas... Es una canción que sirve en donde la pongan... publicidad, funerales, nacimientos, matrimonios... Es solo una de esas letras que hablan por si mismas en cualquier momento. Lo que más le gustaba a Michael Hutchence de la canción, es que estaba bastante alejada de los estereotipos de las baladas de rock... Las famosas "power ballads" de la época.

Al igual que el video de "New Sensation", "Never Tear Us Apart" fue filmado en la ciudad de Praga, pero a diferencia de los videos anteriores, este no tuvo ningún efecto visual, ya que se necesitaba que tuviera tomas largas que le dieran mucha más fuerza visual a la letra. Es más... Si usted es curioso, se dará cuenta que en el video, al intro de la canción que normalmente dura 15 segundos, le agregaron de manera forzada 40 segundos instrumentales de más... Esto solamente para hacer una secuencia que va preparando la aparición de Hutchence en cámara.

 

 

Siendo una canción de 3 minutos, se da el lujo no solamente de tener una letra contundente, sino que tiene 2 pausas icónicas seguidas del famoso riff de guitarra: una en el segundo 48, otra en 1:49 y además un break instrumental en saxofón de Kirk Pengilly.

En el momento en que "Never Tear Us Apart" fue lanzado como el cuarto sencillo del álbum Kick, INXS se habían convertido en superestrellas internacionales.

Pero con todo y eso, lo curioso es que para cuando se lanzó el álbum en Estados Unidos en octubre de 1987, eran tan poco conocidos en ese país, que tuvieron que comenzar con una gira por las universidades... Pero luego de alcanzar el número 1 en los listados, nunca más se bajaron de una tarima en un estadio.

Aunque Need You Tonight les dió su primer y único número 1 en Estados Unidos, hay canciones que acompañan a un artista hasta su último día... Así como sucedió con Man In The Mirror y Michael Jackson, cuando Hutchence murió en 1997, su ataúd fue sacado de la Catedral de St Andrews por los otros miembros de INXS mientras de fondo sonaba "Never Tear Us Apart".

 

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


 

Escuche acá el episodio dedicado a Billie Jean de Michael Jackson:

Delorean musical episodio 14:

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Michael Joseph Jackson nació un 29 de agosto de 1958 en Gary, Indiana y tristemente murió el 25 de junio de 2009. Cantante, compositor, bailarín... El más grande ícono del espectáculo en el mundo. Conocido por todos nosotros como el "Rey del Pop" fue una de las figuras culturales más importantes del siglo XX y el más grande entertainer en la historia de la música. Su sonido y estilo han influido artistas de todos los géneros, y sus contribuciones a la música, la danza y la moda, han perdurado durante más de cuatro décadas. Jackson fue además, el artista más premiado en la historia de la música.

Para hablar solo de la vida de Michael Jackson, podríamos dedicar un canal entero de Youtube... Por eso, en esta ocasión, nos vamos a detener en una canción en particular. Un sencillo que salió del que aún ostenta el título del álbum más vendido de todos los tiempos... Thriller de 1983.

El título del álbum no es gratuito...

Thriller finalmente es el presagio de muchas de las cosas que le pasarían a Jackson en su vida. Con la canción que le da título al álbum, Thriller, Jackson comenzó a incursionar en la paranoia y temas un poco más oscuros como la creencia en lo sobrenatural... Incluyendo sonido de puertas que crujen, truenos, pasos, viento y perros aullando.

En "Wanna Be Startin Somethin", habla en contra de los chismes de los medios de comunicación hacia el... La otra canción que tiene una historia un poco oscura detrás, es Billie Jean.

"Billie Jean" está basada en las historias de las groupies que él y sus hermanos tuvieron en el momento que estaban juntos como The Jackson 5.

Facebook - The Jacksons

Esas groupies que hacían hasta lo imposible por colarse en el backstage de cualquier banda que llegara a su ciudad y cuyo fin era lograr acostarse con los artistas. Michael escribió la canción a raíz de las experiencias de sus hermanos cuando el era pequeño. Había muchas Billie Jeans por ahí. Y existió un momento en que muchas, afirmaban que su hijo era de alguno de los Jackson.

Hay una biografía muy famosa de Michael Jackson, que fue escrita por J. Randy Taraborrelli, y en ella hay una historia muy interesante.

En 1981, Michael Jackson recibió varias cartas de una mujer que afirmaba que él era el padre de uno de sus hijos. Jackson, que como a gran estrella que ya era en aquel momento, no era raro que recibiera cartas de este tipo, nunca había conocido a esa mujer y de inmediato ignoró el asunto. Sin embargo, esta fan enamorada, continuó enviándole cartas en las que le decía que lo amaba y que quería estar con él, preguntándole que cómo era capaz de ignorar su propia carne y sangre. Estas cartas lo perturbaron tanto, que existieron varios años en los que tuvo pesadillas todas las noches (muchas de ellas, las usó para construir Thriller, pero ya hablaremos de eso en otra ocasión)

Un día, la cosa ya se salió de control y se puso bastante seria. Jackson recibió una caja... Y en ella había: Una fotografía de la fanática, una pistola y una carta en la que ella lo invitaba a morir en una fecha específica... Indicándole que ella haría lo mismo una vez que hubiera matado a su bebe, para que así pudieran estar juntos en la "próxima vida"

Luego, la familia informó que la mujer había sido enviada a un hospital psiquiátrico.

Luego de esto, Jackson rara vez hablaba de esta mujer, y le costó mucho lidiar con toda esa atención que generó este asunto... Como resultado, se volvió más solitario. La canción fue su forma de expresar esos sentimientos sin nombrarla a ella directamente.

Nunca existieron muchos detalles sobre quien era la verdadera Billie Jean, pero fue el mismo productor Quincy Jones quien contó otra historia que nadie sabía al respecto. Según el, Jackson encontró a la mujer un día descansando junto a la piscina de su casa con un traje de baño y gafas de sol. Y nuevamente acusó a Jackson de ser el padre de uno de sus gemelos.

 

Quincy Jones quería que la canción se llamara "Not My Lover" porque pensó que la gente se confundiría con la estrella del tenis Billie Jean King. Pero Jackson no permitió que se cambiara el título. Nunca sabremos si es porque la mujer se llamaba Billie Jean en la vida real... Nunca lo sabremos.

Michael tenía muy claro que, como músico,  el conocía muy bien su material y cómo podía ser exitoso. Todo tenía que sentirse en su lugar y hacerlo sentir bien. El sabía que la canción iba a ser grande mientras la escribía. Se dedicó de lleno a esa canción... Hasta el punto de no estar consciente de el mundo a su alrededor.

De hecho hay una historia curiosa...

Un día, durante un descanso en una sesión de grabación, salió a manejar por Ventura Freeway... Era el comienzo de los 80... A la gente le encantaba salir a manejar sus carros... No lo juzguen.

Billie Jean seguía dando vueltas en su cabeza y de repente un niño en una bicicleta les dijo: Hey Su carro está en llamas!

Y si. Había humo saliendo de la parte inferior del Rolls-Royce y luego llamas. De alguna manera, ese niño, del que nunca supieron nada más, probablemente le salvó la vida a Michael Jackson. Si el carro hubiera explotado, Michael podría haber muerto. Pero estaba tan metido mentalmente en la canción que ni siquiera sintió el olor a quemado.

Después de esto, Jackson llegó a su casa e hizo un demo del ritmo en un drum machine que tenía en su estudio y logró hacer las voces en una sola toma.

Facebook Michael Jackson

Quincy Jones sentía que la canción era demasiado débil para ser incluida en el álbum Thriller. A Jones no le gustaba el demo y no le gustaba la línea de bajo... Además quería cortar la introducción de 29 segundos de Jackson. Sin embargo, Michael insistió en que se mantuviera por que le daban ganas de bailar... De inmediato, la cara de Quincy Jones cambió...  Cuando Michael Jackson dice que algo le da ganas de bailar, no hay nada que hacer... Había que callarse la boca y meter la canción en el disco.

Debido a que la canción quedó casi idéntica al demo, Michael pidió que se le dieran los mismos créditos como productor que tenía Quincy Jones. Adicionalmente, Jackson quería mas regalías y esto creó diferencias entre los dos. El ingeniero fue Bruce Swedien y tuvo un trabajo bastante duro... Tuvo que mezclar la canción 91 veces, algo inusual para Swedien, que estaba acostumbrado a mezclar cada canción solo una vez.

Era importante que la batería tuviera una personalidad que nadie hubiera escuchado antes, para eso se construyó una plataforma especial. Y el resultado funcionó. No hay muchas canciones en las que uno pueda escuchar las primeras tres o cuatro notas de una batería e inmediatamente qué canción es... Pero en el caso de 'Billie Jean' si sucede.

Ese fenómeno es conocido como personalidad sónica.

El video de Billie Jean, aparte de su producción visual, tiene un valor mucho más importante, ya que fue el que rompió la barrera de color en MTV. La canción "Pass The Dutchie" de Musical Youth fue el primer video de un artista negro en entrar al canal. Pero en aquel momento, siendo un banda de adolescentes, se consideraba simplemente una novedad... No un posible éxito.

El video de "Billie Jean" de Jackson si fue el primero en entrar a una alta rotación, y poco después comenzaron a aparecer más artistas de color, como es el caso de Prince. MTV fue acusado de racismo en esa época, en especial por Rick James... ¿Lo recuerdan? El de "Super Freak"? Bueno, pues ese video fue rechazado por el canal. MTV era programada por personas que venían de trabajar en emisoras de rock y por tal motivo, trataban de programar el canal como si fuera una estación de radio de este formato... Y era imposible, ya que en ese momento no existían suficientes videos de artistas del rock. Los rockeros no hacían videos.

 

Lo que sí tenían eran muchos actos europeos (como Musical Youth), que llevaban años haciendo videos, pero las compañías discográficas no invertían presupuesto en los artistas negros, porque estaban convencidos de que MTV no los iba a rotar y era un círculo vicioso porque esta también era la excusa de MTV para argumentar que simplemente no pasaban los videos, porque no había buenos videos de artistas negros o que fueran dignos de ser reproducidos en televisión.

Pero es gracias a Michael Jackson que ese argumento se fue a la basura. Y fue gracias al video de "Billie Jean", ya que fue sorprendentemente innovador... Tanto, y aquí les dejo otro dato curioso, el famoso juego de video Dance Dance Revolution nunca hubiera existido, de no ser por Billie Jean y las escenas en los cuadros del piso se iluminaban al ser tocados por el baile de Michael Jackson.

Aunque uno mira la historia desde la perspectiva del ahora, hay que decir que de todas maneras, a pesar de la gran producción y la calidad del video, aparte de la fama de Jackson, MTV no programó el video hasta que vio que la canción era número 1 en los listados.

Hay un libro muy interesante por si algún día lo quieren leer, que se llama "I Want My MTV", que precisamente habla de esas historias del canal... Y ahí cuentan como se negaban a poner Billie Jean, pero si querían rotar Beat It... Y era por una simple razón: Porque Eddie Van Halen (un rockero) era quien hacía la guitarra.

Walter Yetnikoff, que era director de CBS Records y Epic, con quien Jackson tenía su contrato, amenazó a MTV de retirar todos los productos de CBS del canal si no rotaban "Billie Jean". Obviamente, muertos del susto, tuvieron que acceder... Y no solo eso, tuvieron que rotar los 2 videos al tiempo: Billie Jean y Beat It , lo cual estableció a Michael Jackson como una estrella de video en el verano de 1983.

Y ojo, que en ese momento aún no se había lanzado "Thriller", que fue el que definitivamente revolucionó el formato.

Billie Jean fue la segunda canción de las 7 del álbum Thriller que entraron en el top 10. La primera que se lanzó fue The Girl Is Mine simplemente porque tenía a Paul McCartney en ella.

 

 

Haber mezclado en esta canción, desde el mismo video, el baile con coreografías mientras se cantaba con la misma energía, fue lo que le abrió de inmediato la puerta a su hermana Janet y a grupos como los New Kids On The Block. Herencia que luego retomaron NSYNC y los Backstreet Boys. Fue también gracias a Billie Jean que el mundo se detuvo un 15 de Mayo de 1983, cuando en el evento de los 25 años de Motown, por primera vez le presenta al mundo su paso de baile más icónico... El Moonwalk.

Un paso que aprendió viendo a Jeffrey Daniel de la banda Shalamar en el programa Soul Train en 1982.

Billie Jean fue también la canción con la que se firmó el famoso comercial para Pepsi, en la que una pirotecnia salió mal. incendiando la cabeza de Michael y tuvo que ser trasladado de urgencia al hospital. Tuvo que someterse a varias cirugías de implantes y reconstructivas. Aunque el estudio de grabación contaba con los más modernos equipos en aquel entonces, en "Billie Jean", se utilizó un método de cero tecnología para obtener un sonido distinto en algunas de las voces... Jackson cantó a través de tubos de cartón.

"Billie Jean" llegó el número uno en el Billboard Hot 100 el 5 de marzo del 83 y permaneció en el número uno durante nueve semanas en la lista. Fue la segunda canción más importante de 1983... La primera fue Every Breath You Take y esa historia se las conté en el episodio 9 por si no lo han visto...

"Billie Jean" ayudó a Thriller a convertirse en el álbum más vendido de todos los tiempos. La canción y los shows que la acompañaron, construyeron el estatus de Jackson como ese ícono legendario del pop.

Y bueno... Sobra decir que el mismo Michael siempre declaró que fue su canción favorita.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


Delorean musical episodio 13:

Escuche aqúi el episodo 13 dedicado a  'Like a prayer' de Madonna:

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a marzo de 1989.

Madonna Louise Ciccone, hija de una familia católica, nació en Bay City, Míchigan, el 16 de agosto de 1958. Sus abuelos eran emigrantes italianos, mientras que su madre era de ascendencia franco canadiense. Aunque sus padres querían meterla en clases de piano (para que dejara de estar provocando a sus compañeros de colegio), ella lo que quería era bailar. Así que finalmente se dedica al ballet.

Después de la muerte de su madre por culpa del cáncer, en 1978, Madonna abandona la universidad y se muda a la ciudad de New York. Tenía $US35 en el bolsillo y logró conseguir trabajo en un Dunkin' Donuts y con una compañía de danza moderna. Gracias a esto, comenzó a trabajar como bailarina para otros artistas y en 1979 junto a su entonces novio, Dan Gilroy, formaron una banda de rock llamada Breakfast Club, donde Madonna cantaba y tocaba la guitarra. En 1981 dejó Breakfast Club para montar otra banda con otro novio Stephen Bray una banda llamada Emmy... Pero las cosas no funcionaban... Decide entonces promocionarse como solista.

En 1983 hace su debut en solitario con el album que llevaba su nombre... Uno de los nombres más icónicos en la música... La mujer que se convertiría en La reina del pop... Simplemente: MADONNA.

 

Facebook Madonna

Después del álbum Madonna en el 83, vino Like a Virgin en el 84, True Blue en el 86 y voy a detenerme hoy en 1989 en la canción que le dio título a su cuarto álbum: Like A Prayer.

Esta fue la primera canción de un artista importante que se utilizó en un comercial de televisión antes de ser lanzada a tiendas o a las estaciones de radio. Con la famosa guerra de las colas en su punto más alto, Pepsi firmó con Madonna un contrato de exclusividad por $ 5 millones de dólares, que incluía un comercial de dos minutos que debutaría con esa canción.

 

El anuncio, supervisado por la agencia de publicidad de Pepsi, se llamaba "Make A Wish" y mostraba a Madonna viendo una versión de ella de 8 años y bailando alegremente en la calle. El comercial se lanzó con un preview de 30 segundos durante los premios Grammy el 22 de febrero de 1989 Y fue super extraño, porque era, básicamente, un comercial para promocionar otro comercial.

Luego, el 2 de marzo, se emitió completo el comercial de 2 minutos en el horario de mayor audiencia en todo el mundo. 250 millones de personas vieron el anuncio y nuevamente las ventas de pepsi se elevaron de igual manera como sucedió con Michael Jackson. El comercial era inteligente e inocente, y la canción fue la más beneficiada en todo esto. Claramente su número 1 estaba asegurado.

La canción se lanzó mundialmente al día siguiente, el 3 de marzo de 1989 y de inmediato entró a la rotación radial en todo el mundo. También entró a rotación en MTV, pero en lugar de crear un video que fuera una continuación del comercial de Pepsi, Madonna rompió cualquier esquema. En lugar de una niña de 8 años en una fiesta de cumpleaños, vemos a Madonna presenciar un crimen brutal y refugiarse en una iglesia. Tener un beso interracial, estigmas en las manos y bailar frente a cruces en llamas. Obviamente, como era de esperarse, la iglesia se indignó de inmediato. La Asociación de Familias Norteamericanas y el Vaticano lo condenaron...

Y Pepsi, enfrentándose a un boicot y a demandas, canceló sus vínculos con Madonna y nunca más volvió a emitir el comercial.

Mientras el golpe para Pepsi fue durísimo, ya que tenían dos comerciales más planeados y una gira de conciertos, Madonna y MTV fueron los grandes ganadores de todo esto. Ya que los que estaban en contra del video y la canción, era el público adulto, que nada le aportaba en audiencia a MTV. Al desafiar su contrato corporativo con Pepsi, Madonna le demostró al planeta que su arte era más importante que su dinero.

[Aunque, aquí entre nos, Madonna nunca devolvió los 5 millones.]

Pepsi se lucró de la canción por un día, pero MTV consiguió quedarse con la carrera de Madonna y se benefició de toda la controversia mientras cada vez más y más gente sintonizaba el canal solamente para hacer parte de la revolución.

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Madonna no había grabado nada en 1988. debido al fracaso crítico y comercial de dos películas seguidas, Shanghai Surprise (1986) y Who's That Girl (1987). Su matrimonio con el actor Sean Penn terminó, lo que llevó a la pareja a solicitar el divorcio en enero de 1989. Madonna también había cumplido 30 años, la misma edad a la que murió su madre, por lo que la cantante experimentó un periodo de depresión. Y es entonces cuando empieza a cuestionar su educación católica. La atormentaba la culpa todo el tiempo, y eso, para ella, era lo que quedaba de su educación católica.

Ella pensaba todo el tiempo: En el catolicismo naces pecador y eres pecador toda tu vida. No importa cómo intentes alejarte de él, el pecado está dentro de ti siempre.

Madonna también entendió que a medida que crecía, también lo hacía su público. Sintiendo la necesidad de intentar algo diferente, quería que el sonido de su nuevo álbum dictara lo que podría ser popular en el mundo de la música. Madonna tenía ciertos asuntos personales en mente y escogió asuntos que hasta entonces habían sido meditaciones personales que nunca había compartido con nadie.

Madonna escribió "Like a Prayer" en tres horas, fue la primera canción que se pensó para el álbum y le dio título también.

 

La canción es el canto de una joven apasionada y "tan enamorada de Dios", que es casi como si Él fuera la figura masculina de su vida.

La otra inspiración para la canción, salió de la creencia católica de la transubstanciación... Que es aquella que enseña que el pan representa el cuerpo de cristo y el vino su sangre. También metió palabras litúrgicas en la letra, pero les cambió el contexto para que tuviera un doble significado. Con letras pop sobre la sexualidad y la religión en la superficie, la canción tenía un significado diferente en lo profundo para provocar la reacción de sus oyentes. El productor Patrick Leonard explicó que no se sentía cómodo con la letra y las insinuaciones sexuales presentes en ella. Y es que el primer verso "Cuando dices mi nombre, es como una pequeña oración, estoy de rodillas, quiero llevarte allí"... Claramente hacía relación al sexo oral. Todo el mundo en el estudio estaba aterrado y le pidieron a Madonna que cambiara la letra... pero ella se mantuvo firme en mantenerla.

Madonna quería incluir música gospel como parte de la canción, prácticamente sin instrumentación, solo el sonido de un órgano y su voz. Finalmente decidieron grabarla junto a un coro de iglesia en septiembre de 1988. El Andrea Crouch Gospel Choir... El mismo que un año atrás había grabado Man In The Mirror con Michael Jackson.

Al lanzarse "Like a Prayer" el 3 de marzo de 1989, fue elogiada por críticos, periodistas y académicos. Aunque es diabólicamente bailable, la canción también muestra la extraña habilidad de Madonna para inspirar emociones fuertes y conflictivas durante el transcurso de una sola canción, dejando al oyente rascándose la cabeza en busca de respuestas" y pidiendo mucho más ".

La canción es una mezcla perfecta de lo sagrado y lo profano. Ahí radica el éxito de Madonna con 'Like a Prayer'. Una canción que todavía suena perfecta en nuestros días.

Hey! no hemos hablado del video!

El controvertido video musical de "Like a Prayer" fue dirigido por Mary Lambert y se filmó en enero de 1989. Madonna quería que el video fuera más provocativo que todo lo que había hecho antes. Quería abordar el tema del racismo... El video muestra a Madonna presenciando cómo un grupo de hombres blancos mata a una joven blanca. Mientras un hombre negro es arrestado por el asesinato, Madonna se esconde en una iglesia por seguridad, buscando la fuerza para salir como testigo.

Es la historia de una chica que estaba locamente enamorada de un hombre negro, teniendo un romance interracial prohibido. Ese hombre del que está enamorada canta en un coro. Entonces ella está obsesionada con él y va a la iglesia todo el tiempo. Esa era la intención inicial... Pero con el tiempo se convirtió en una historia más grande, que trataba sobre el racismo y la intolerancia.

El video incluía una subtrama sobre Madonna como testigo de homicidio, que se convirtió en el detonante de un éxtasis sexual y religioso. El papel del santo fue inspirado por Martín de Porras, el santo patrón de los mestizos y todos aquellos que buscan la armonía interracial. El video se filmó en cuatro días, con un día adicional asignado para volver a filmar las escenas del santo, ya que habían usado originalmente un muñeco y no funcionaba bien. Así que se le pidió al actor que volviera a filmar las escenas con un maquillaje que lo hiciera parecer una estatua.

 

Like A Prayer fue votado el segundo video más importante de la década del 80, después de Thriller de Michael Jackson.

En los Estados Unidos, como era de esperarse, "Like a Prayer" llegó al número 1 en el Billboard Hot 100 un 22 de abril de 1989. Fue número uno durante tres semanas, hasta que apareció "I'll Be There for You" de Bon Jovi y le quitó la corona.

Del Hot 100, pasó a la cima del listado Dance, El Adulto Contemporáneo y entró al top 20 de Hot R & B / Hip-Hop... Por qué? No lo sé... Igual, fue una de las canciones más importantes de 1989.

En todo el mundo, esta es la canción más popular de Madonna. Vendió más de 5 millones de copias, lo que la convierte en una de las canciones más vendidas en la historia.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


Delorean musical episodio 12:

Escuche aqúi el episodo 12 dedicado a  '(I Can't Get No) Satisfaction' de The Rolling Stones:

 

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a junio de 1965...

Keith Richards y Mick Jagger se hicieron amigos en la infancia y fueron compañeros de clase en 1950 en Dartford, Inglaterra. A mediados de la década de 1950, Jagger formó una banda de garaje con su amigo Dick Taylor; el grupo tocaba canciones de Muddy Waters, Chuck Berry, Little Richard, Howlin 'Wolf y Bo Diddley.

Un día el destino hizo lo suyo... Jagger se encontró nuevamente con Richards un 17 de octubre de 1961 en la plataforma dos de la estación de tren de Dartford. Las grabaciones de Chuck Berry y Muddy Waters que llevaba Jagger revelaron que los dos tenían un interés común. Una unión musical comenzó ese día. Richards y Taylor a menudo se encontraban con Jagger en su casa. A finales de 1961 se reunían en la casa de Taylor, donde Alan Etherington y Bob Beckwith se unieron; El quinteto se hacía llamar The Blues Boys.

 

En abril de 1962, visitaron el Ealing Jazz Club, donde se encontraron con los miembros de Blues Incorporated, donde estaban el guitarrista Brian Jones, al tecladista Ian Stewart y el baterista Charlie Watts. Finalmente para el 12 de julio de 1962, después de usar el nombre de una canción de Muddy Waters, Jones, Jagger, Richards, Stewart y Taylor tuvieron su primer toque juntos en el Marquee Club de Londres con el nombre que el planeta entero amaría a partir de ese momento... "The Rolling Stones".

 

El 6 de mayo de 1965, The Rolling Stones tocó para unas 3.000 personas en el Jack Russell Stadium en Clearwater, Florida, durante su primera gira por los Estados Unidos. Una noche que terminó fatal para ellos ya que se armó una pelea entre unos 200 fanáticos. Llegó la policía... El concierto tuvo que cancelarse a la cuarta canción y obviamente, totalmente desilusionados debieron volver al hotel. Lo único que quería era tomarse un whiskey y acostarse a dormir. Había sido una noche terrible... Al menos hasta ese momento.

Porque lo que no sabían, era que lo que iba a suceder al irse a dormir... Lo que pasó a continuación parece una historia de ficción, pero es la verdad.

Esa noche, Keith Richards pensó en "Satisfaction" mientras dormía. Se despertó de inmediato, se levantó de la cama con un riff de guitarra pegado en la cabeza y una frase: "I Can't get no satisfaction". Tomó su grabadora de cassette portátil, una Philips 3302, que era lo más moderno que existía en ese momento, se grabó y se volvió a quedar dormido.

Al otro día fue al estudio con ese cassette... Tenía grabados hasta sus propios ronquidos... Pero en medio de ellos, uno de los riffs de guitarra más importantes del rock and roll.

Philips 3302

Grabadora Philips 3302

Ese cassette tenía dos minutos de guitarra acústica, luego un sonido de la guitarra y el pick cayendo al piso y 40 minutos de ronquidos. Keith ni siquiera se acordaba de haber grabado. Ya luego la letra de la canción la escribió Mick Jagger como solo un rockstar lo podía hacer en aquel entonces... En la piscina, acompañado de chicas y con un whiskey en la mano.

Los Rolling Stones grabaron la canción por primera vez el 10 de mayo de 1965 en Chess Studios en Chicago... El mismo estudio donde habían grabado sus ídolos Muddy Waters y Chuck Berry. Y la presentaron por primera vez en el programa de televisión Shindig! Y no les gustó.

Fue ahí cuando se dieron cuenta de que necesitaban grabarla nuevamente. ¡El grupo la volvió a grabar dos días después en RCA Studios en Hollywood, California, con un beat diferente y con la guitarra conectada al famoso pedal Gibson Fuzzbox Maestro, que le daba un sostenido particular al riff de la guitarra. Richards también se había imaginado meter unas trompetas en el riff, pero la magia estuvo en ese pedal.

[Un dato curioso: El éxito de la canción impulsó de inmediato las ventas del Fuzzbox de Gibson, tanto, que para finales de 1965 estaban agotados. Era imposible conseguir uno y seguramente, si usted es músico, entenderá el valor de este aparato.]

Mick Jagger y Keith RIchards pensaban en un comienzo que era una canción tonta y que nada iba a suceder con ella. Incluso pensaron en no sacarla como sencillo. Todos los demás votaron en contra de la idea y la canción estaba lista para lanzarse como sencillo. Como la mayoría de las grabaciones de esa época, "Satisfaction" se lanzó originalmente solo en monofónico. Fue hasta mediados de la década de 1980, que se lanzó la versión estéreo de la canción que usted conoce hoy en día.

La letra describe la irritación y la confusión de la banda con la creciente comercialización del mundo moderno, donde la radio transmite "información inútil" y un hombre en la televisión le dice "qué tan blancas pueden ser mis camisas, pero no puede ser un hombre porque él no fuma los mismos cigarrillos que yo ", una referencia en aquel entonces, al estilo del Marlboro Cowboy. Jagger también describe el estrés de ser famoso y las tensiones de las giras. La frase que dice  "I can't get no girl reaction" fue bastante controversial y fue interpretada por los oyentes (y programadores de radio) como una niña dispuesta a tener relaciones sexuales.

 

Jagger se reía y decía ok... Si están armando problema por eso, es porque no entendieron la frase realmente sucia de la canción... Ya que luego la niña le pide que regrese la semana siguiente porque está "en una racha perdedora", que era una referencia directa a la menstruación. En aquel momento, la canción era considerada perturbadora, tanto por sus connotaciones sexuales como por la visión negativa del capitalismo y otros aspectos de la cultura moderna. La letra era amenazante para un público adulto.. La canción era un ataque de frente al status quo.

Es por esto, que la canción solo se podía escuchar inicialmente e el reino unido a través de las radios piratas como la famosa REM island... Una estación radial construida en una plataforma marítima a seis millas mar adentro de la ciudad de Noordwijk en Holanda.

Lo chistoso de todo este tema, es que Jagger experimentó ese capitalismo de Estados Unidos durante  giras, y ese status quo contra el que tanto pelearon, luego aprendieron a explotarlo, ya que The Rolling Stones hizo millones de dólares gracias a los patrocinios y a la comercialización en los Estados Unidos.

Lo cual, con el tiempo, la convirtió en todo aquello que juraron destruir pero en lo que terminaron convirtiéndose.

"Satisfaction" fue lanzado como single en los Estados Unidos el 5 de junio de 1965 e ingresó al Billboard Hot 100 en Estados Unidos en la semana que finalizó el 12 de junio de 1965, se quedó  allí durante 14 semanas, llegando al número 1 el 10 de julio y tumbando a la canción que parecía indestronable en ese momento "Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch) de Four Tops".

"Satisfacción" se quedó en el número uno durante cuatro semanas y fue la tercera canción más importante de 1965.

Fue la canción que realmente hizo a los Rolling Stones, dejaron de ser una banda cualquiera, para convertirse en una banda gigantesca y monstruosa ... Tiene un título contundente. Tiene un riff de guitarra muy pegadizo. Tiene un gran sonido, que era original en ese momento. Y captura el espíritu de los tiempos, que es algo muy importante en ese tipo de canciones.

 

Al fin y al cabo, solo se necesita esa canción... La que se convierte en su firma como artistas... Tanto así, que el famoso riff de guitarra con el que arranca la canción es conocido como "Las cinco notas que sacudieron al mundo".

Satisfaction fue una de las canciones más sonadas del siglo XX.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


Delorean musical episodio 11:

Escuche aqúi el episodo 10 dedicado a 'One' the U2 :

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a febrero de 1992...

Esta historia comienza a mediados de la década del 70, Larry Mullen Jr., en aquel entonces un estudiante de 14 años en Dublín, Irlanda, publicó una nota en la cartelera de anuncios de su escuela... Una nota que con el tiempo se convirtió en una pieza de la historia musical... "Baterista busca músicos para formar una banda".

 

Varias personas respondieron al llamado y se reunieron en la casa de Larry el 25 de septiembre de ese año. Se instalaron en la cocina, Larry Mullen en la batería... También un joven llamado Paul Hewson en la voz principal, a quien después, gracias a una tienda de aparatos para la audición llamada Bonavox que, además significa Buena voz en latín, conocimos como "Bono"... David Evans a quien apodaron "The Edge" y Adam Clayton, un amigo de The Edge, en el bajo.

En esa reunión también participaron dos amigos más de Larry... Uno simplemente prestó un amplificador pero no sabía tocar... Así que Bye... Y el otro no funcionó.

Dick Evans, el hermano de The Edge, arrancó con la banda...

Si. Inicialmente la banda tuvo 5 integrantes...

Se forma entonces 'La Banda de Larry Mullen', que duró con ese nombre 10 minutos hasta que Bono empezó a cantar y dejó muy claro quien era el lider.

 

Early Bono

 

 

Se llamaban inicialmente FEEDBACK, un grupo que hacía covers de los Rolling Stones, The Clash y Sex Pistols, luego de que Dick se retirara y de ver la reacción de los estudiantes  su música, la banda se llamaría THE HYPE, para luego convertirse en la banda que el mundo entero conocería como... U2.

 

 

Aunque U2 ha grabado 14 álbumes... Al menos hasta 2020 que es cuando se grabó este video por si depronto usted está viendo esto en el futuro... En esta ocasión me voy a detener en uno de ellos. Un álbum vital que salvó su carrera cuando estaba a punto de terminar: El Achtung Baby a finales de 1991.  Achtung Baby fue creado por dos maestros de la composición y la producción: Brian Eno y Daniel Lanois.

 

 

En octubre de 1990, U2 llegó a Berlín en la víspera de la reunificación alemana para comenzar las sesiones de grabación del álbum en el famoso Hansa Studios. Esperando inspirarse en una "Nueva Europa" y una ciudad reunificada, la banda descubrió que el ambiente era sombrío y al mismo tiempo existían conflictos sobre su dirección artística y la calidad de su música. Adam Clayton y Larry Mullen, Jr. preferían un sonido similar al álbum anterior Rattle And Hum, pero Bono y The Edge querían experimentar con la música industrial y electrónica europea... Querían un cambio.

La banda tenía problemas para convertir los demos y las ideas en canciones completas. Bono y the Edge creían que era culpa de la banda, mientras que Clayton y Mullen Jr. creían que el problema era la calidad de las canciones.

Mejor dicho... Todo estaba mal... Tanto, que un día Mullen, quien había creado la banda, se sienta y dice: "Creo que este es el final".

Es entonces que, haciendo un jam en las sesiones de grabación, aparece una canción llamada "Sick Puppy"... Esa canción luego se llamaría "Mysterious Ways".

Pero trabajando en esa canción, la banda probó diferentes progresiones de acordes para el puente. El jam se detuvo y The Edge intenta tocar solo en una guitarra acústica mientras todos se debatían entre si tenían algo bueno o no. A sugerencia del productor Daniel Lanois, The Edge comienza a tocar las secciones de manera consecutiva... Y es ahí cuando nace otra canción. A la banda le gustó la forma en que fluía y animados, deciden comenzar a improvisar juntos. De repente, una energía muy poderosa se apoderó de ese lugar... Todos se dieron cuenta de inmediato que tenían algo muy especial... Era como si se hubieran dado cuenta de lo que la canción podría llegar a ser.

La melodía... La estructura... Todo se creó en 15 minutos. La letra llegó de la nada como un regalo del universo... Y estaba inspirada en la rota relación entre los miembros de la banda... La reunificación de Alemania... Y el escepticismo de Bono sobre esa idea hippie de ser todos iguales, muy influenciada por una invitación que le había hecho el Dalai Lama a un festival llamado Oneness. No! Decía Bono... No somos iguales. De hecho la respuesta que le dio al Dalai Lama, está en la canción... "One—but not the same"... Somos uno, pero no somos lo mismo. Con el futuro de U2 en duda, "One" literalmente fue la canción que reafirmó los lazos y unió a la banda de nuevo... No todo estaba perdido.

Es un recordatorio de que no tenemos otra opción, más que llevarnos bien juntos en este mundo si queremos sobrevivir. Es un privilegio ayudarse... No una obligación.

 

La canción se completó en septiembre de 1991... Pero en la última noche de estudio, a Bono no le gustó una línea de la letra y decidió tardar un día más arreglándola... A The Edge le encantaba la idea de agregar una guitarra en la parte que decía "Love Is A Temple"... Finalmente, después de estos retoques, estaba lista.

"One" fue lanzada como el tercer sencillo del Achtung Baby en febrero de 1992 como una canción benéfica, ya que todas las regalías fueron donadas a diferentes organizaciones de investigación del SIDA en cada uno de los países en los que se lanzó el sencillo.  Y ya que hablemos de esto, pues hay que hablar de la portada del sencillo... Es una fotografía de David Wojnarowicz, quien de hecho murió de SIDA en 1992, unos cuantos meses después de que se lanzara ONE.

 

U2 adoptó su icónica fotografía de los búfalos para la portada de "One".

 

La imagen muestra tres búfalos cayendo de un acantilado después de ser perseguidos por cazadores nativos americanos.

En la parte trasera del sencillo se puede leer: "Wojnarowicz se identifica a sí mismo y a nosotros con el búfalo, empujado hacia lo desconocido por fuerzas que no podemos controlar o incluso entender". El sencillo alcanzó el número siete en la lista de singles del Reino Unido, el número diez en el Billboard Hot 100 de EE. UU. Y Achtung Baby fue el álbum de rock número uno en Estados Unidos para finales de 1991.

Muchos fans de la banda cometen el gran error, al igual que lo vimos con Every Breath You Take de The Police, de tocar esta canción en sus bodas... Y yo lo pensaría dos o tres veces... Porque en esencia, es una canción de separación. La canción también refleja en su letra la relación entre un padre y su hijo que no sabe cómo decirle que es homosexual. Y tiene miedo, ya que su padre es religioso.

[Una historia que coincide perfectamente con la vida del fotógrafo de la imagen del sencillo.] 

Se crearon tres videos musicales para "One". El primero, filmado en Berlín mostraba a los miembros de la banda tocando en Hansa Studios y las imágenes de un Trabants (un automóvil de Alemania Oriental que les gustó como símbolo del cambio en Europa. También fotos de ellos vestidos de drag... Esto último, hizo que este video se cancelara, ya que no querían que le restara importancia a su posición de lucha contra el SIDA de parte de la crítica.

 

El segundo video tenía imágenes de flores abriendo, la palabra ONE en varios idiomas e imágenes en cámara lenta de búfalos corriendo. Al igual que para el primer video, la banda no creyó que este video fuera bueno para promocionar el sencillo. Se grabó entonces un tercer video, intentando atraer a un público más amplio. Fue hecho por el mismo director de Rattle and Hum, Phil Joanou y se grabó en Nell's, un club nocturno de Manhattan. Bono está sentado en una mesa fumando un cigarrillo y bebiendo cerveza. Esto mezclado con imágenes de la banda tocando en vivo.

Un dato curioso...

[Cuando filmaban las escenas con Bono, el resto de la banda, junto con modelos y travestis, armaron una fiesta en el sótano del club, mientras esperaban su turno para ser filmados. Pero nunca fueron llamados al set y a las 3 a.m., se dieron cuenta de que el video se había centrado solo en Bono.]

"One" ha sido referenciada muchas veces como una de las mejores canciones en la historia de la música. Es de esas inmortales que nos han acompañado y nos acompañarán por siempre... Además, hace parte de las canciones del Rock and Roll Hall of Fame que dieron forma al Rock and Roll como lo conocemos.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


 
Delorean musical episodio 10:

Escuche aqúi el episodo 10 dedicado a 'The neverending Story' :

 

 

Volvamos a julio de 1984...

Michael Ende fue un escritor alemán de fantasía y ficción infantil, con grandes trabajos como Momo y Jim Button. Sus obras han sido traducidas a más de 40 idiomas y se han vendido más de 35 millones de copias de sus libros... Muchos de los cuales, se adaptaron como películas, obras de teatro, óperas y audiolibros.

En 1979, escribió una historia fantástica, que se convirtió en película en 1984.

The Neverending Story.

El director alemán Wolfgang Petersen, decide hacer su primera película en inglés y para ello, adapta el libro de Michael Ende. Es la historia de un niño que un día encuentra un libro mágico que habla de un joven guerrero llamado Atreyu, al que se le asigna la tarea de evitar que la Nada, una fuerza oscura, envuelva y destruya el mundo maravilloso de la Fantasía.

[En el momento de su lanzamiento, fue la película más cara producida fuera de los Estados Unidos.]

Cuando el compositor del score Klaus Doldinger estaba haciendo la música de la película, y habiendo sido parte de un grupo de jazz alemán llamado Passport, sintió la necesidad de que la película tuviera una canción original. Y para ello, se comunica con uno de sus grandes amigos, el también compositor, conocido como el padre del disco y pionero de la electrónica moderna, Giorgio Moroder.

Moroder en ese momento ya era responsable del éxito de la carrera de Donna Summer, de Blondie y su canción Call Me para la película American Gigolo y había trabajado en la banda sonora de Scarface... Su sonido, considerado de otro mundo en aquel momento, era exactamente lo que estaban buscando para la película. Teclados mágicos, efectos de sonido de viento que nos transportan... Así que la música estaba cubierta.

Para la composición, Moroder decide llamar a Keith Forsey, con quien el año anterior había hecho la canción What A Feeling para la película Flashdance y que les acababa de entregar un Premio Óscar. Forsey fue quien luego escribió la canción de SImple Minds: Don't You Forget About Me para la película The Breakfast Club, que de hecho, fue nuestro episodio 4... Así que si no lo ha visto, se lo recomiendo mucho. Ok... La letra de la canción también estaba lista.

Pero ¿quién iba a cantar?

Es entonces cuando aparece en la historia un cantante británico llamado Christopher Hamill, quien un día decide invertir las letras de su apellido , para crear su nombre artístico Limahl. Aunque siempre quiso ser actor, tenía una fuerte inclinación por la música, un día ve en un anuncio en el periódico, que una banda llamada Art Nouveau estaba buscando un cantante.

Esa banda luego se convierte en Kajagoogoo quienes, producidos por el Nick Rhodes de Duran Duran, tuvieron su primer y único número 1 en 1983. "Too Shy".

A mediados de 1983, la banda, en desacuerdo con las ideas de Limahl, deciden darle la espalda y sacarlo del grupo.

Limahl

Limahl había conocido a Moroder en el Festival de Música de Tokio y fue invitado a probar su voz en el estudio para la canción de la película.

La voz de Limahl encajaba bastante bien con la canción... Y su imagen era la correcta para la promoción de la película... Tan icónico fue su pelo en los 80, que fue la inspiración para uno de los personajes de los X-Men llamado Longshot

Pero la disquera EMI no quería incluir la canción de la película en un álbum, ya que no creían que fuera a ser un hit siendo una película familiar y sin más canciones en ella. El manager de Limahl , que también era manager de Rod Stewart, tomó el teléfono... Llamó al presidente de la compañía, según cuenta la historia, una llamada bastante subida de tono e incluso amenazó con ir directamente a Alemania si era necesario, hasta que la disquera finalmente cedió.

Se grabaron dos versiones de la canción, una en inglés y otra en francés. Fue un éxito en muchos países, alcanzando el número 1 en Noruega, Suecia, Japón y España... Fue número 2 en Austria, Alemania e Italia, el número 4 en el Reino Unido. La canción le abrió la puerta a Limahl en Estados Unidos al alcanzar el número 6 en el listado adulto contemporáneo de Billboard.

 

The NeverEnding Story terminó siendo el único éxito mundial de Limahl, pero ha resistido el paso del tiempo. Todavía es una canción que suena en la radio y que gracias a la cultura pop hoy está más vigente que nunca y todo se lo debe a una serie de televisión a la que muchas otras canciones le deben su inmortalidad... STRANGER THINGS.

Dustin y Suzie nos clavaron de nuevo la canción en el corazón.

Al igual que "Ghostbusters", "The NeverEnding Story" es tan recordada como la película para la que fue grabada y su inclusión en Stranger Things la consolidó aún más en ese cajón que la serie abre a la nostalgia por todo lo relacionado con la década de los 80.

Incluso si usted no vivió en ella.

Cuando la Temporada 3 de Stranger Things se estrenó el 4 de julio de 2019, "The NeverEnding Story" alcanzó el número 4 en la lista de Viral 50 de Spotify y gracias al audio y video on demand, sus reproducciones se elevaron en un 2.000 % en plataformas de streaming y un 800 % en YouTube.

[Un dato curioso... La resurrección de la canción coincidió con el aniversario 35 del estreno en cines de la película en julio de 1984.]

Existe una versión alemana de la película y en esa versión no existe ni los arreglos electrónicos de Moroder, ni la canción de Limahl... Debe ser muy difícil de ver después de conocer la versión norteamericana.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

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Delorean musical episodio 9:

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Escuche aquí el episodio: 

Volvamos a mayo de 1983...

A fines de 1976, el baterista Stewart Copeland hacía parte de una banda británica de rock progresivo llamada Curved Air, durante una presentación, intercambió números de teléfono con un ambicioso cantante y bajista (que se ganaba la vida como maestro de escuela) llamado Gordon Sumner... A quien en el colegio apodaron Sting debido a que usaba constantemente un suéter de rayas amarillo y negro como si fuera una abeja.

Sting en aquel entonces estaba tocando en una banda de fusión de jazz-rock llamada Last Exit.

El 12 de enero de 1977, Sting se mudó a Londres y, el día de su llegada, buscó a Copeland, luego apareció Andy Summers, quien impresionó mucho a Sting musicalmente. Ya que el papá de Copeland trabajaba para la CIA, propone un nombre con el que serían conocidos globalmente... THE POLICE.

 

Facebook - The Police

La banda emergió de la escena New Wave británica y comenzó a hacer música muy influenciada por el punk, el reggae y el Jazz, convirtiéndose en uno de los actos musicales de la década del 80 y los líderes de la llamada Segunda invasión Británica... El término con el que se conoció a los artistas del reino unido que, literalmente, invadieron el mercado norteamericano gracias a su exposición en el canal MTV.

Facebook - The Police

Grabaron 5 álbumes como banda.

  • Outlandos d'Amour en 1978, de donde salió "Roxanne"...
  • Regatta De Blanc de 1979, cuyas grandes canciones fueron "Message In A Bottle" y "Walking On The Moon"
  • Zenyatta Mondatta se lanzó en 1980 y tuvo dos sencillos importantes... "Don't Stand So Close to Me" y "De Do Do Do, De Da Da Da"
  • Ghost In The Machine en 1981 con sencillos como "Every Little Thing She Does Is Magic".

Pero en 1983 llegó ese quinto álbum que sellaría el legado de The Police y de Sting para siempre. Synchronicity. Y en ese álbum, venía una de las canciones más mal interpretadas en la historia de la música... Every Breath You Take.

 

Durante muchos años, e incluso hasta este momento para algunos de ustedes, esta es una bonita canción de amor... Pero no hay un mayor lobo con piel de oveja en la música.

Every Breath You Take sale de una historia real y complicada en la vida de Sting.

El estaba casado desde 1976 con la actriz irlandesa Frances Tomelty y vivían en Londres... La mejor amiga de ella, era también una actriz llamada Trudie Styler y vivía en la casa de al lado. Con el paso de los años, Sting se enamora de la mejor amiga de su entonces esposa y se convierten en amantes que viven a una puerta de distancia.

Es por esto que la letra de la canción son las palabras de un amante posesivo que está mirando cada respiración de la otra persona y cada movimiento que hace. Es la canción de un stalker por excelencia. Y aunque suena como una canción de amor que reconforta, tiene un trasfondo siniestro no muy lejano de la figura del Gran Hermano de la novela "1984" de George Orwell. Es una canción sobre ejercer vigilancia y control sobre alguien que se cree propiedad privada de alguna manera.

 

Ya que el romance y la separación fueron supremamente controversiales, para escapar de la opinión pública, Sting se retira al Caribe. Más exactamente a Jamaica, a una casa de campo conocida como Goldeneye... Si, como la película de James Bond. Precisamente porque el dueño de esa casa era Ian Fleming... El creador del famoso personaje. Y fue en la mesa en la que se escribieron las aventuras del agente 007, donde Sting escribió esta canción.

Y no fue fácil de grabar. El proceso estuvo lleno de dificultades a medida que las tensiones personales entre los miembros de la banda, particularmente entre Sting y Stewart Copeland, salían a la luz. Al momento de grabar la que sería la canción más popular de The Police; Sting y Copeland "se odiaban". Tenían constantes peleas verbales e incluso físicas en el estudio.

Las sesiones de grabación se cancelaron 3 veces, hasta que después de una intervención con la banda, llegaron a un acuerdo para continuar.

 

Es curioso que una canción, que salió de un rompimiento triste y complicado, terminó también acabando con la banda.

El video musical estaba basado en el cortometraje de 1944 de Gjon Mili Jammin llamado "The Blues", filmado en blanco y negro con unos tonos de azul. El video muestra a la banda, acompañada por un pianista y una sección de cuerdas en un oscuro salón de baile mientras un hombre lava una ventana enorme que simbolizaba la ventana por la cual Sting seguía los pasos de aquella mujer.

El video fue elogiado por su cinematografía... MTV (1999), Rolling Stone (1993) y VH1 (2001) lo nombraron uno de los mejores videos musicales de la historia. Lanzado en los comienzos de MTV al aire, "Every Breath You Take" fue uno de los primeros videos en entrar en lo que se conoció como la alta rotación, un hecho que contribuyó significativamente a la popularidad de la canción.

El video costó entre $ 75,000 y $ 100,000, pero se vendieron más de 5 millones de álbumes... Así que el retorno de la inversión fue magnífico. El sencillo llegó al número 1 del Billboard Hot 100 durante ocho semanas y fue el único número 1 de la banda en ese listado. También fue número 1 en el Reino Unido durante cuatro semanas.

La canción fue ganadora de 2 Grammys por Canción Del Año y Mejor Interpretación Pop por un dúo o grupo y fue la canción más importante de 1983... La segunda fue Billie Jean de Michael Jackson.

 

En mayo de 2019 fue reconocida oficialmente como la canción más sonada en la historia de la radio.... Un logro increíble que solidifica su lugar en la historia de la composición.

Esa sola canción, ha generado la tercera parte de la fortuna de Sting.

Ahora que sabe de dónde viene la canción y cual es su historia real, espero que no la siga dedicando en situaciones románticas... Y si lo hace, buena suerte con eso.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

Siga la Playlist:


Delorean musical episodio 8:

 

Escuche aquí el episodio:

 

 

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Volvamos a septiembre de 1994...

En 1989, Danny Wilde y Phil Solem de Los Angeles, California, se reunieron para formar una banda.

Wilde había sido miembro de una banda de culto en los 70, llamada The Quick, y había lanzado varios álbumes solistas sin mayor éxito en la década del 80. Wilde y Solem ya habían trabajado juntos en un cuarteto de power-pop conocido como Great Buildings, una banda que lanzó un álbum para CBS en 1981 y de inmediato se disolvió.

 

Facebook The Rembrandts

En 1989 se establecen como The Rembrandts, como un homenaje al pintor Holandés del mismo nombre. Solem y Wilde grabaron un primer álbum homónimo en el estudio casero de Wilde. De este álbum, el grupo tuvo su primer éxito en 1990 llamado "Just the Way It Is, Baby", que llegó al número 14 en el Billboard Hot 100.

 

 

El siguiente álbum Untitled, de 1992, tuvo una canción medianamente famosa en la película de Jim Carrey y Jeff Daniels: Dumb and Dumber... Se llamaba "Rollin 'Down the Hill". Finalmente llegó 1994... Los escritores y productores David Crane y Marta Kauffman estaban cerca de estrenar una nueva comedia en los Estados Unidos, para la cadena NBC... Una serie de la que usted seguro ha escuchado hablar... FRIENDS.

 

Después de ver el capítulo piloto de la serie, al compositor Michael Skloff, que era el esposo de Martha Kauffman, le quedó sonando una frase: "I'll Be There For You" que hablaba sobre la lealtad de los amigos... No importa que tan complicada sea la vida, ahí estaré para ti.

La primera prueba del cabezote de la serie, que inicialmente se llamaba SIX OF ONE, luego FRIENDS LIKE US, para finalmente llamarse FRIENDS, se hizo con la canción Shiny Happy People de R.E.M. y aunque finalmente no quedó, fue una influencia fundamental, ya que los aplausos que existen en la canción de R.E.M. hicieron que The Rembrandts decidieran incorporarlos a último minuto en la mezcla final.

Y bueno... Nadie puede negar que es el elemento con mayor recordación en la canción.

 

 

Un dato curioso, los creadores del programa querían hacer parte de la canción, así que fueron Kevin Bright, Marta Kauffman y David Crane quienes hicieron los icónicos 4 aplausos que quedaron en la grabación... Aunque según cuenta la leyenda, se demoraron 25 tomas para poderlo lograr.

 

Era bastante raro en ese momento que una canción de un programa de televisión se convierta en un éxito radial, o de ventas o que incluso entrara en los listados. Los temas de televisión generalmente suenan muy bien durante los pocos segundos que están en el cabezote, pero no funcionan como canciones completas. Esta fue una excepción, ya que la popularidad del programa le mostró la canción a una audiencia global que la amó de inmediato porque era increíblemente pegajosa y pronto, fue la misma gente la que pidió una una versión completa de la canción.

Nunca se pensó sacar como sencillo. Era simplemente el tema de la serie. Pero un par de DJs de radio en Nashville, Tennessee llamados Charlie Quinn y Tom Peace, grabaron un cassette loopeando la canción como sonaba en televisión... Este cassette se copió y se copió y de cierta manera, se convirtió en uno de los primeros fenómenos virales previos a la explosión de internet. Las estaciones de radio comenzaron a tocarla y con solo 53 segundos de duración, se convirtió en la canción # 1 en reproducciones al aire ese año. Y esto la llevó obviamente al primer lugar del listado Airplay de Billboard aunque nunca llegaron al número 1 del Hot 100. Solo hasta el 17. Extrañamente, fue número 1 en Escocia y en Canadá.

The Rembrandts no querían lanzarla como sencillo, porque ellos no eran los compositores de la canción. Pero en ese punto, y debido a lo que estaba sucediendo, la única forma en que podían lograr que The Rembrandts grabaran la canción completa, era si les daban crédito como compositores... Igual la canción necesitaba un puente, un coro y un segundo verso, así que fueron ellos quienes lo hicieron. Y así nació la versión completa que dura 3 minutos 8 segundos.

 

 

Extrañamente, la banda no tienen crédito sobre el tema corto de la serie, pero si en la canción completa.

Los seis actores de Friends se unieron a la banda en el video musical, que se filmó en un período de tres días en el estudio 8-H del Rockefeller Center... El famoso estudio que desde 1975 sirve de hogar para el icónico show Saturday Night Live.

 

Otro dato curioso, los actores odiaban la canción y por una razón muy simple.

Grabando las tomas que aparecen en el opening del programa en la famosa fuente y el sofá, debían soportar largas jornadas de noche absolutamente empapados y con la canción de fondo.

 

El éxito de la canción fue también clave en el éxito del programa, ya que sus reproducciones constantes en radio eran publicidad gratuita para la serie. Llegó el momento en que no podían coexistir la una sin la otra. Uno pensaría que ante esta fusión tan perfecta, los productores de televisión seguirían esta fórmula y pondrían más esfuerzo en las canciones de las series de televisión, pero sucedió todo lo contrario: los themes de las series o programas de televisión comenzaron a desaparecer a medida que los productores y el negocio del entretenimiento exigían más tiempo de contenido y no querían pagarle a nadie para crear canciones originales.

I'll Be There For You fue el último tema de televisión que se convirtió en una canción comercial exitosa, al menos en Estados Unidos.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

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Delorean musical episodio 7:

 

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Escuche aquí el episodio:


Volvamos a junio de 1982...

Esta historia comienza en Chicago, a finales de la década del 70...

Jim Peterik era el vocalista y guitarrista de una banda llamada The Ides of March y fue muy afortunado al escapar de la muerte. Cuando no pudo hacer una aparición como invitado en un concierto de la banda "Chase" que se iba a realizar en Jackson, Minnesota el 9 de agosto de 1974. Debió disculparse por motivos personales y por eso no se subió al avión que terminó estrellándose y matando a Bill Chase y a la mayoría de su banda.

A partir de ese momento, Peterik fue conocido como el sobreviviente... Y de ahí la inspiración para el nombre de la siguiente banda que formaría... Survivor.

 

Survivor

Survivor - Facebook

Survivor comenzó su carrera tocando en bares y pizzerías de Chicago de 1978 a 1980... Con el dinero que recogieron, grabaron su primer álbum "Survivor" antes de lograr que Atlantic Records los firmara en 1981 y lanzaran su segundo álbum llamado "Premonition"... Y que curioso que su segundo trabajo, que comenzó a hacerlos notorios en los Estados Unidos, se llamara premonición... Ya que en ese momento la banda se convenció de que grandes cosas venían para ellos... Y no estaba lejos de suceder, solo a 1 año de distancia.

En 1982, el teléfono de Peterik suena y al otro lado de la línea estaba Sylvester Stallone quien se encontraba haciendo la tercera parte de la saga Rocky. A Stallone le gustó mucho una canción de Survivor llamada "Poor Man's Son" y quería tener una canción con ese mismo sonido en la película.

Jim Peterik se quedó en silencio, no podía creer que Sylvester Stallone, quien además era su ídolo, lo estuviera llamando personalmente.

 

Poster original Rocky III

Poster original Rocky II - pastposters.com

Stallone les mandó una edición de la escena con la que abre la película y ya venía con una canción... Another One Bites The Dust de Queen. Así que Jim le dice: "¡Sly, ya tienes una magnífica canción para arrancar la película. No hay como superar a Queen!"

Stallone les había mandado la edición equivocada se ríe y les dice que lo disculpen... Que les había mandado la edición equivocada. Les pidió que trabajaran sobre las imágenes ignorando la canción de Queen, ya que la banda no le dio los derechos para usarla en la película.

Así que podemos arrancar por decir que Survivor, le debe su carrera a Queen.

Al principio, Peterik se preguntaba si llamarla "Eye Of The Tiger" era demasiado obvio. Ya que el borrador inicial de la canción, comenzaba con "It's the eye of the tiger, it's the thrill of the fight"... Querían que la canción originalmente se llamara "Survival" porque siendo una película de boxeo, fue la única palabra que encontraron que rimara con "rival". Al final del día, decidieron quedarse con la frase más fuerte y contundente de la letra: "Eye of the Tiger".

La versión de la canción que aparece en la película es el demo. No estaba completamente mezclada, era un poco más rápida y contenía el rugido de un tigre, que después se quitó para la versión del álbum, que todos conocemos hasta el día de hoy.

 

La canción se convirtió de inmediato en un éxito radial, su video comenzó a rotar en  MTV y encabezó las listas mundiales en 1982. En los Estados Unidos, ocupó el número 1 en el Billboard Hot 100 durante seis semanas consecutivas (la única canción de la banda en llegar al número 1 del Hot 100 en su carrera). También llegó al número 1 en el Reino Unido y fue la segunda canción más importante de 1982 detrás de "Physical" de Olivia Newton-John.

La canción estuvo quince semanas consecutivas dentro del el top 10, un logro impresionante para cualquier canción en ese momento... Un record que compartió con otras 2 canciones durante toda la década del 80... "Physical" de Olivia Newton John y coincidencialmente también lo logró otra canción... "Another One Bites the Dust".

SI... La canción que no quiso hacer parte de Rocky 3.

Eye Of The Tiger ganó el Grammy a "Mejor interpretación de rock por dúo o grupo" y fue nominada al Oscar como mejor canción original. Esto hizo que ese álbum tuviera unas ventas increíbles... Pero el siguiente álbum de la banda, fue una desilusión absoluta. Su cantante Dave Bickler tuvo un  problema con sus cuerdas vocales y fue reemplazado por Jimi Jamison... A quién usted seguramente recuerda en los 90 por haber cantado "I'm Always Here", tema principal de Baywatch.

 

 

A pesar de tener ya una canción que pasaría a la historia, la banda había caído y su éxito estaba en la cuerda floja... Fue entonces, cuando en 1985, el teléfono sonó otra vez... Y una vez más era Sylvester Stallone preguntando si podía incluir la canción de nuevo en Rocky 4...

La banda aceptó de inmediato y además, ya que estamos en eso, que tal si hacemos una canción para esa película también?

Y es ahí donde aparece "Burning Heart". Bueno... Pero esa es otra historia.

El video de Eye Of The Tiger abrió la puerta a una práctica que se volvió común para promocionar las películas en la década del 80... Incluir escenas de la película mientras la banda toca la canción.

Sucedió con Flashdance, Footloose, Top Gun y muchas más.

 

[Un dato curioso... Aunque la canción fue el tema principal de Rocky, nunca se negociaron derechos de exclusividad, por lo que la canción se usó en 1986 como el tema principal de una película con el mismo nombre, protagonizada por Gary Busey.]

 

Eye of the tiger ha sido y será una pieza vital de la cultura popular.

Pocas canciones producen lo que Eye Of The Tiger... Es una canción que motiva, que energiza de inmediato. Una canción sin tiempo... Una de esas canciones que sonará por siempre. Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


 
 
Delorean musical episodio 6:

 

Escuche el programa aquí:

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo.

Volvamos a diciembre de 1993...

Existe una antigua canción de cuna británica llamada "One for Sorrow" y esta es una rima supersticiosa según la cual, contar urracas, que son pájaros de la misma familia del cuervo, puede traer buena o mala suerte según la cantidad que se llegue a contar...

 

Contar cuervos canción infantil británica

 

Un joven llamado Adam Duritz que trabajaba en el sector de la construcción pero que decide luego dedicarse a cantar, escuchó esa rima en la película Signs of Life de 1989 y de inmediato lo dejó pensando...

Hmmm contando cuervos... Es de ahí que decide bautizar su banda como Counting Crows.

 

Early Counting Crows

 

El álbum debut de la banda se llamó "August and Everything After" y fue lanzado en septiembre de 1993. El primer sencillo de ese álbum es la canción en la cual aterriza nuestro DeLorean Musical el día de hoy... "Mr. Jones"Una canción cuya disquera, Geffen Records, no quería usar porque pensaban que "Murder Of One", que hacía parte del mismo álbum, era mucho mejor...

 

 

Pero Adam y la banda pelearon para que el primer sencillo fuera Mr Jones, ya que la consideraban una canción con una historia muy honesta. La canción habla de una persona real: Marty Jones (que era bajista de una banda llamada The Himalayans y amigo de la infancia de Adam Duritz). Durante muchos años, la gente pensó que la frase del coro "Mr Jones And Me", se refería a la adicción a las drogas... Debido a que la palabra "jonesing" significa tener una fijación con algo o ser adicto a algo.

Pero no. La canción no tiene nada que ver con drogas... 'Mr Jones' habla de dos amigos en un bar mirando chicas... Enamorándose de ellas al verlas bailar... Fantaseando con poder acercarse y hablarles, pero la timidez no los deja. Una de ellas era latina y su nombre era María... De hecho aparece referenciada por ahí en varias canciones de los Counting Crows.

 

 

A propósito, era un bar real llamado New Amsterdam en San Francisco, que hoy en día se llama International Sports Club. Famoso por sus techos llenos de billetes. Estos dos amigos deciden sentarse a beber mientras reflexionan sobre el sueño de ser famosos. Es de ahí que sale la frase "Cuando todo el mundo me ame, nunca estaré solo", que finalmente terminó siendo mentira.

Inicialmente Duritz cantaba la canción sin darle mayor importancia, solo disfrutando del momento... Pero unos meses después, en diciembre de 1993, sucedió algo increíble. MTV comenzó a rotar el video de la canción, convirtiéndola en un gran éxito... Haciendo que sonara en la radio mundial y lanzando a la banda al estrellato internacional.

"Mr. Jones" debutó en el Billboard Hot 100 de los Estados Unidos para el 19 de febrero de 1994 y entró en el top 10 cinco semanas después. El 14 de mayo de 1994, la canción alcanzó su posición más alta en las listas estadounidenses en el número cinco. Nunca llegó al número 1, opero eso no evitó que se convirtiera en un ícono de la década del 90.

 

Kurt Cobain 1991 - Creative Commons - Julie Kramer

El momento de éxito de la banda coincidió con la muerte de Kurt Cobain. Lo que deprimió a Duritz por un tiempo. Estos eventos y los sentimientos que generaron, fueron la base de "Catapult", la primera canción de su segundo álbum "Recovering The Satellites". En el momento en que los Counting Crows alcanzaron la fama con la canción y 'Mr Jones' se convirtió en el primer éxito de la banda, Adam Duritz se dio cuenta de la triste realidad... No existe tal cosa como ser amado por todo el mundo. Nunca va a suceder.

 

Aunque es una canción sobre seguir los sueños y ser feliz...

 

El sueño de ellos como artistas era que la vida sería más fácil si eran estrellas de rock... Tal vez si pudieran escribir como Bob Dylan... Seguramente así, también sería más fácil hablar con una chica. Pero nunca ocurrió.

 

[Como dato curioso, Bob dylan tiene una canción llamada 'Ballad Of A Thin Man', cuyo personaje central se llama Mr Jones... Pero no tiene nada que con nuestra canción. O eso aseguran los Counting Crows.] 

 

La canción insinuaba que la fama los sacaría de la soledad, pero terminó siendo todo lo contrario. Mr Jones se convierte en una canción sobre soñar con la fama cuando la fama solo había traído amargura.

Marty Jones terminó haciendo música por su lado y rechazó ser el bajista de los Counting Crows, por lo que Adam Duritz terminó alcanzando la fama solo... Sin su gran amigo... Tal cual como, con nostalgia, lo dice el final de la canción.

 

Mr Jones y yo... Vamos a ser grandes estrellas.

Mr Jones And Me... We're gonna be Big Stars...

 

[Otro dato curioso. El título de la canción influenció el término "Generación Jones", que es con el que se denomina a las personas nacidas entre 1954 y 1965... El final de los Baby Boomers y los primeros años de la generación X.]

 

Cuénteme a que canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


 
Delorean musical episodio 5:


Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy Uribe DJ y quiero que viajemos en el tiempo:

​​​​​​Volvamos a febrero de 1991...

El sueño profundo... o sueño de movimiento ocular rápido, conocido como Rapid Eye Movement, cuyas siglas son R.E.M, es el término que inspiró el nombre de una banda creada por Michael Stipe en 1980 cuando se conoció con Peter Buck en la tienda de discos en la que trabajaba en aquel entonces en Georgia, Estados Unidos.

 

Michael Stipe joven

Michael Stipe, 1980

 

Una banda de rock alternativo, conocida por su estilo particular de guitarra arpegiada, una voz diferente, la presencia escénica única, letras oscuras, líneas de bajo melódicas y una batería fuerte.

A principios de la década de 1990, otras bandas de rock alternativo como Nirvana y Pavement vieron a R.E.M. como pionero del género.

 

R.E.M. jóvenes

 

Su álbum de mayor éxito comercial fue el 'Out of Time' de 1991, que los llevó a la vanguardia del rock alternativo justo cuando se estaba convirtiendo en la corriente principal de esa década. 'Out of Time' recibió siete nominaciones al Grammy en 1992. Fue el artista con más nominaciones ese año. De las 7 se llevó tres... Mejor álbum alternativo y otros dos premios para una canción que hacía parte de ese disco...

 

Cover Out of Time

Cover 'Out of Time'

 

La mejor interpretación vocal por un dúo o grupo y el Mejor video musical, fueron para la canción en la que aterriza nuestro DeLorean Musical el día de hoy: "Losing My Religion".

'Losing My Religion' fue el sencillo más exitoso de la banda y el más vendido en toda su carrera.

 

 

¿Pero, cómo es posible que sucediera eso?

Hasta el día de hoy, aún es una sorpresa incluso para los miembros de la banda... Ya que todo comenzó con un riff hecho en mandolina... ¿A quién se le ocurría usar una mandolina en una canción de rock?

Peter Buck hizo ese riff mientras miraba televisión. El hombre acababa de comprar su mandolina e intentaba aprender a tocarla y mientras practicaba, se iba grabando. Así que empecemos por decir que cada vez que usted escuche "Losing My Religion", recuerde que ese sonido icónico es alguien aprendiendo a tocar un instrumento.

La grabación de la canción comenzó en septiembre de 1990 en Woodstock, New York. El setting en el estudio era el más básico: una mandolina, una guitarra, un bajo y una batería. Al bajista Mike Mills se le ocurrió una línea de bajo inspirada en John McVie de Fleetwood Mac.

El cantante Michael Stipe decide sacar a todo el mundo del estudio... Les dijo: "Vayan por un café y vuelvan en 5 minutos..." Aprovechando el calor, se quita la ropa casi quedando desnudo y por decisión propia, graba la voz en una sola toma ya que, según el, se perdería la esencia si se repetía varias veces.

La frase Losing My Religion es un antiguo término sureño que significa que algo ha desafiado tu fe a tal punto que podrías perder tu religión. Te hace sentir frustrado y desesperado. Pero la canción no tiene nada que ver con religión... Es una canción de un amor no correspondido. De acercarse y alejarse constantemente de alguien sin saber si esa otra persona sabe que existes.

Es una canción de "alguien que suspira por alguien más, pero sus suspiros no son correspondidos. Es una canción clásica de obsesión..." De la misma manera que lo fue "Every Breath You Take" de The Police en 1983. Y funciona muy bien porque las mejores canciones siempre serán aquellas que cualquiera puede escucharla y decir: 'Sí, ese soy yo'.

El video musical de "Losing My Religion" fue dirigido por Tarsem Singh. Michael Stipe quería emular a "Nothing Compares 2 U" de Sinéad O'Connor. Pero el director quería crear un video al estilo del cine indio.

 

Captura de video Losing my religion

 

EL video no tenía forma y no estaba funcionando... Entonces Michael Stipe le dijo: Déjeme bailar... El admiraba tanto a Sinead O'Connor, que su baile en el video es copiado del baile de ella en su video "Emperors New Clothes".

 

 

Finalmente... y mucha gente no sabe esto, el concepto del video está inspirado en un cuento de Gabriel García Márquez llamado "Un señor muy viejo con unas alas enormes" en el que un ángel se estrella en una ciudad y los aldeanos tienen sentimientos encontrados hacia él.

El video comienza con una breve secuencia dentro de una habitación oscura donde el agua gotea desde una ventana abierta. Esta es una referencia a una escena de la película de Andrei Tarkovsky llamada 'The Sacrifice'. También hay referencias al pintor italiano.

El video musical fue nominado a nueve categorías en los MTV Video Music Awards de 1991. Ganó seis premios, incluyendo Video del año.

Después de que Bill Berry dejara la banda en 1997, R.E.M. continuó su carrera en la década de 2000 con poco éxito comercial. Finalmente se separaron amigablemente en 2011 al completar 30 años de carrera y después de haber vendido más de 85 millones de discos y convertirse en uno de los artistas musicales más rentables del mundo.

 

R.E.M.

 

En gran parte, gracias a una canción que se lanzó un 19 de febrero de 1991, hecha con una mandolina... Sin coro... Y de casi cinco minutos de duración.

Cuénteme a que canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 


Delorean musical episodio 4:

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy Uribe DJ y quiero que viajemos en el tiempo

 

 

Volvamos a febrero de 1985...

Este viaje arranca con una banda de rock británica que se formó en Glasgow, Escocia en 1977 por el cantante Jim Kerr y el guitarrista Charlie Burchill que comenzaron tocando en una banda de colegio.

 

 

Influenciados por la música de David Bowie, un día en 1972, estaban escuchando una de sus canciones, llamada "The Jean Genie"... En cuya letra aparece esta frase:

He's so simple-minded, he can't drive his module

He bites on the neon and sleeps in a capsule

Loves to be loved, loves to be loved

 

Y las palabras Simple-minded, o gente de mente simple, de inmediato resonaron en su cabeza... Es cuando deciden llamarse SImple Minds.

Tuvieron cinco álbumes número uno en la lista de álbumes del Reino Unido y han vendido más de 60 millones de copias. Fueron además, la banda escocesa más exitosa comercialmente de la década de los 80.

Pero a pesar de la popularidad de la banda en el Reino Unido, Europa, Canadá y Australia, Simple Minds seguía siendo desconocido en los Estados Unidos hacia 1985, a pesar de tener varios álbumes en su carrera para cuando comenzó el año. Y es que la filial de la disquera en Norteamérica rechazó los sencillos de la banda. Pero fue una película de John Hughes en 1985 llamada The Breakfast Club la que introdujo finalmente a Simple Minds en el mercado estadounidense, cuando lograron su único éxito pop número uno en Estados Unidos con una canción que se lanzó un 20 de febrero de 1985 y que llegó al top de los listados en abril del mismo año. La canción hecha para la película: "Don't You (Forget About Me)".

 

 

Una película sobre cinco adolescentes en una detención de la escuela un sábado en la tarde, que tenían todos los estereotipos de la escuela secundaria imaginables: el deportista, la reina del prom, el nerd, la problemática y el forastero silencioso. La canción era fundamental para enmarcar la película, sonaría un poco al comienzo... Coincidencialmente con una frase de David Bowie referente a la juventud sacada de su canción changes y luego por completo en el cierre.

Don’t You (Forget About Me) "podría haber tenido muchas vidas antes de la vida que finalmente tuvo. Pero la canción tuvo que pasar por mucho antes de ser grabada.

La canción fue escrita y compuesta por el productor Keith Forsey y Steve Schiff mientras hacían el score para la película The Breakfast Club. Ambos eran fanáticos de Simple Minds y escribieron la canción con la banda en mente. Forsey le mostró el demo a A&M Records, sin embargo, A&M nunca le informó a Simple Minds.

Ante la no respuesta por parte de la banda, Forsey le ofrece la canción a Billy Idol y a Bryan Ferry, quienes rechazan de inmediato la canción.

Se la muestran a la banda The Fixx... Tampoco la quisieron.

La disquera propuso a Corey Hart quien era exitoso en ese momento con "Sunglasses At Night", pero la voz de Corey no sonaba bien en la canción. Al parecer nadie la iba a cantar.

Es cuando deciden hacer un segundo intento con Simple Minds.

Comenzando 1985, el año del lanzamiento de la película, Simple Minds necesitaban pegar un hit en Estados Unidos pero terminaron encontrándose de frente con una canción que nadie quería... Una canción rechazada por todo el mundo.

La banda estaba frustrada de que al intentar encontrar el éxito en el mercado de los Estados Unidos no habían logrado sonar en la radio y no veían cómo la grabación de esta canción pudiera ayudar en algo.

 

 

La banda cedió después de recibir una llamada telefónica de Forsey en la que reiteró su admiración por la banda y en la que les aseguraba que estar en una película de John Hughes sería la oportunidad perfecta.

La banda decide ir a un estudio al norte de Londres y graba Don't You (Forget About Me) en tres horas como por cumplir, pero de inmediato se van y se olvidan de ella, ya que estaban seguros de que la canción sería descartada de la banda sonora de la película.

Pero que equivocados estaban.

De hecho, la canción estaba tan incompleta, que la banda decidió agregar los cantos "La LaLaLaLa" como rellenos vocales en el proceso de grabación... Rellenos que terminaron convirtiéndose en parte icónica de la canción... Y fue cuando grabaron esos rellenos que realmente se dieron cuenta de que habían grabado algo con verdadero potencial comercial. No hay nada como un gancho pegajoso en el pop.

 

 

La canción logró que la banda alcanzara el éxito comercial e impulsada por el ruido de The Breakfast Club, se convirtió en número 1 en los Estados Unidos y Canadá. También es el único número 1 de la banda en la lista de Top Rock Tracks de EE. UU. y se quedó en el top de las listas durante tres semanas.

Si bien solo alcanzó el puesto # 7 en el Reino Unido, permaneció en las listas de éxitos por dos años, desde 1985 hasta 1987, uno de los períodos de tiempo más largos para cualquier sencillo en la historia de las listas.

La canción solo se quedó en la banda sonora de la película y no apareció en su álbum siguiente llamado "Once Upon a Time", pero sí apareció luego en su recopilación de grandes éxitos de 1992. Obviamente se convirtió en la canción obligatoria en vivo de la banda, donde la famosa improvisación de relleno, se convirtió durante años en la sección de participación del público.

Se crearon dos versiones para su lanzamiento. Una versión corta, de 4:23 de duración, apareció en el sencillo y en el álbum original de la banda sonora de The Breakfast Club. Una versión más larga, de 6:32 de duración, fue lanzada como un single de 12 pulgadas. Esto, debido a que la gente la estaba pidiendo en las discotecas.

Lo que hizo de 'Don't You Forget About Me', una canción romántica y melancólica, pero que era capaz de llenar una pista de baile.

 

Delorean Musical - episodio 4

Luego de su éxito con la canción, sellaron su posicionamiento en el mercado mundial con Alive And Kicking y obviamente su presentación en el histórico Live Aid.

En la canción, al igual que en la película, siempre habrá un nuevo amanecer para cada uno de nosotros, sin importar qué secretos haya en toda una vida de amistad. Hay amigos del colegio con los que de pronto nos encontramos en el supermercado o en un concierto y nos saludamos, nos abrazamos, actuamos como si el tiempo no hubiera pasado.

 

Simple Minds hoy

 

Y es que el tiempo permite que crezca esa mentira piadosa de afecto entre las personas, y lo que hace que The Breakfast Club y "Don't You (Forget About Me)" funcionen tan bien juntas, es que la película pasa todo el tiempo hablando de un mito difícil de creer... Pero la escena final, junto con la canción, hacen que ese mito sea creíble. Aunque solo sea por unos pocos minutos.

Cuénteme a que canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 


 
Delorean Musical episodio 3:

 

Escuche aquí el tercer episodio del 'Delorean Musical':

Volvamos a junio de 1985...

Los hermanos Mark y David Knopfler, de Newcastle, en el noreste de Inglaterra, junto a sus amigos John Illsley y Pick Whiters, formaron una banda en 1977. En ese entonces, Mark trabajaba como profesor en la escuela de arte y David era un trabajador social. Mark y Withers ya tenían un grupo que tocaba en los pubs de vez en cuando por allá en 1973.

Aquella banda se conoció inicialmente como "Café Racers", pero un día, mientras ensayaban en la cocina de un amigo llamado Simon Cowe, el hombre de repente les dijo: Man! We're really in Dire Straits... La frase "In Dire Straits", significa en español algo así como: "Estar en una situación difícil muy complicada de arreglar".

Es en ese momento que se establece DIRE STRAITS como banda.

Dire Straits, 28 Ottobre 1978, Musikhalle Amburgo

Creative Commons: Heinrich Klaffs - Dire Straits, 28 Ottobre 1978, Musikhalle Amburgo

El grupo grabó un demo que contenía cinco canciones y con el, tocaban puertas buscando una oportunidad... La mayoría de compañías discográficas los rechazó.

Entonces, llevados por el desespero, deciden hablar con el DJ Charlie Gillett, presentador de un programa llamado Honky Tonk en BBC Radio Londres. La banda se acercó simplemente buscando consejos de qué poder hacer, pero a Gillett le gustó tanto la música que puso una de las canciones del demo al aire... La canción "Sultans of Swing". Fue gracias a eso, que Dire Straits firmó un contrato de grabación con la división Vértigo de Phonogram Inc. antes de pasar a formar parte de los assets de Warner Music.

Después de 4 álbumes, que reflejaban las experiencias de Mark Knopfler en Newcastle, Leeds y Londres, llega ese famoso quinto disco llamado "Brothers In Arms" en el que, usando una máquina de grabación de 24 tracks, la banda decide experimentar en ese mundo digital que se abría para la industria de la música. Este álbum entró en la lista de los álbumes más exitosos del mundo de todos los tiempos.

De ese álbum salió la canción que les daría fama mundial. Un track con un hook internacionalmente reconocido, en forma de riff de guitarra que comienza la canción.

Un riff hecho con una Gibson Les Paul adaptado de los sonidos de Billy Gibbons de ZZ Top. Lo anecdótico acerca de esta grabación, es que la magia de su sonido fue accidental, gracias a que dos micrófonos que estaban abiertos durante la sesión hicieron feedback.

DELOREAN MUSICAL EPISODIO 3

La idea detrás de la composición son los excesos de las estrellas de rock y la vida fácil que trae en comparación con el trabajo real de muchas personas.

La canción habla sobre un tipo que trabaja en una tienda de electrodomésticos donde venden televisores, cocinas, refrigeradores, microondas. Y es él quien canta la canción en primera persona. Es una historia real... Mark Knopfler estaba en New York y entró a ese almacén. En la parte trasera de la tienda, había una pared de televisores que estaban sintonizados en MTV. Ahí estaba un hombre trabajando, con una gorra de béisbol, botas de trabajo y una camisa a cuadros entregando cajas.

Mientras estaban parados mirando un video en MTV, Knopfler recuerda al hombre diciendo frases como: "¿qué son esos ruidos hawaianos? ... eso no funciona"... refiriéndose a un músico "golpeando los bongos como un chimpancé" y una mujer "pegada a la cámara diciendo hombre podríamos tener un poco de diversión". Describe de manera despectiva al cantante, en aquel entonces, como "un pequeño homosexual con arete y maquillaje", y lamenta que estos artistas obtengan "dinero por nada y mujeres gratis".

Debido a esto, durante años, la letra de esta canción fue criticada por ser homofóbica.

A raiz de esto, la banda en sus shows en vivo reemplazó la palabra faggot por Queenie y su versión original comenzó ser censurada en las estaciones de radio.

El bajista de Mötley Crüe, Nikki Sixx, siempre ha afirmado que la canción era sobre el escandaloso estilo de vida de su banda. Según el, los miembros de Dire Straits estaban en una tienda que vendía televisores, y los televisores estaban reproduciendo videos de Mötley Crüe.

Nikki Sixx

Creative Commons: Christopher Peterson - Nikki Sixx 

Los créditos de composición los comparten Mark Knopfler y Sting. Mucha gente no lo sabe, pero Sting es quien hace la famosa línea "I want my MTV", que canta siguiendo la melodía de su canción "Don't Stand So Close to Me".

La famosa frase "I Want My MTV" era la frase de campaña del canal por aquellas épocas.

La canción se grabó en un estudio de una isla llamada Montserrat, donde Sting solía ir a practicar windsurf y un día fue a cenar al estudio. La banda estaba ensayando "Money for Nothing". Sting se dio la vuelta y les dijo:" Lo lograron malditos... A lo que Mark agregó: Si le parece tan buena, ¿por qué no le agrega algo? Y bueno... Lo hizo.

Si uno va a hablar de Money For Nothing, obligatoriamente debe hablar de su video musical...

 

El video musical de Money For Nothing, es una de las primeras animaciones que se hicieron por computadora que, básicamente, ilustra la letra cuadro a cuadro. El video fue también uno de los primeros en usar personajes humanos animados por computadora y rompió todos los esquemas existentes en el momento de su lanzamiento

Originalmente, Mark Knopfler no estaba muy entusiasmado con el concepto del video musical. MTV, sin embargo, insistió en que lo hicieran de esa forma. El director fue Steve Barron, el mismo que hizo el video de nuestro Delorean anterior... El famoso video de Take On Me de la banda A-Ha también de "She Blinded Me With Science" para Thomas Dolby.

Barron fue contactado para persuadir a Knopfler de que cediera ante la idea... El problema era que Mark Knopfler era muy anti-videos. Todo lo que quería hacer era tocar en vivo... El creía que los videos musicales y el canal MTV destruirían la pureza de los compositores e intérpretes. Contrario a esto, a MTV le encantaba la canción, pero no la iban a rotar si simplemente el video era de un tipo con su guitarra cantando... Necesitaban un concepto detrás.

Barron tuvo que viajar a Budapest para convencer a Knopfler de su concepto, pero el seguía en desacuerdo.

Es a la novia de Mark Knopfler a quien la historia debe agradecer, pues fue ella quien se puso del lado del director y de MTV. Solo eso bastó. Ian Pearson y Gavin Blair crearon la animación, utilizando la tecnología existente en aquel entonces.

Screencapture YouTube 

El video también incluye escenas de la actuación de Dire Straits, con animación encima del video con colores neón. Otro buen uso de la técnica rotoscópica en ese momento.

Como dato curioso, existen dos videos musicales que viven dentro del video de "Money for Nothing"... "Baby, Baby" de "First Floor" durante el segundo verso, que realmente era una canción de la banda húngara Első Emelet llamada "Stop or I'll Shoot! y el otro es ficticio y supuestamente se llama "Sally" de "Ian Pearson Band".

La otra versión famosa del video fue la parodia hecha por el comediante Weird Al Yankovick:

La canción fue lanzada el 24 de junio de 1985 y fue nominada al Premio Grammy como Disco del Año y Canción del Año, pero perdió ambas nominaciones con We Are the World de USA por África en la entrega número 28 de los Premios Grammy en 1986. Sin embargo, la canción ganó el Grammy a Mejor interpretación Rock de un dúo o grupo.

Así como "Video Killed The Radio Star" fue el primer video que salió al aire cuando se lanzó MTV... Money For Nothing fue el primer video reproducido cuando se lanzó MTV Europa el 1 de agosto de 1987, seis años después de MTV en los Estados Unidos.

Cuénteme a que canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


Delorean Musical episodio 2:

 

Volvamos a octubre de 1984...

Con una canción que no iba a existir, pero que se abrió camino en la historia.

En Noruega existió una banda llamada Bridges... La banda fue creada en 1978 por Pål Waaktaar y Magne Furuholmen. En 1980, lanzaron un álbum llamado Fakkeltog (que en español significa algo así como desfile de antorchas) esto debido a que la banda creía ser muy punk y muy oscura... Por eso dejaron por fuera una de las canciones que habían ensayado como banda... Una canción llamada 'Miss Eerie'. Y decidieron casi que tirar esa canción  a la basura porque les parecía muy pop... Tanto así, que la misma banda le decía "The Juicyfruit Song" porque sonaba como a los comerciales de Coca Cola de comienzos de los 80... Y lo que la banda odiaba de la canción era el riff de sintetizador.

Esta canción a la que querían darle un aire mas punk, inspirándose en The Doors, simplemente no les servía... Aunque los integrantes de la banda aceptaban que era bastante pegajosa, por lo tanto comercial... Y por eso, no iba con su mentalidad en aquel entonces.

La banda Bridges no funcionó. sus dos integrantes se fueron a Londres a probar suerte y ninguna puerta se les abrió. Seis meses después, ya cansados y desilusionados, regresan a Noruega.

Es cuando conocen a un joven cantante llamado Morten Harket. que había sido uno de los pocos fans que la banda Bridges había tenido cuando se presentaron en su colegio, y deciden entonces comenzar a trabajar de nuevo ahora bajo el nombre "A-ha". Es entonces cuando Morten encuentra la grabación de Miss Eerie y al escuchar el riff, le dice a la banda: Esta es la llave que abrirá el mundo!

Pasó entonces a llamarse "Lesson One", para luego convertirse en "Take On Me".

En enero de 1983, la banda regresó a Londres en busca de un contrato discográfico y Andrew Wickham, quien era el A&R de Warner Brothers Records, escuchó la canción y no podía creer el rango vocal de Harket... ¿Cómo era posible que alguien que se veía como un actor de Hollywood, pudiera cantar como Roy Orbison?

Así que los firmaron de inmediato después de oír "Take On Me".

Delorean musical - episodio 2

Problema número 1: Había que re-mezclar la canción.

Así que entraron al estudio con el productor Alan Tarney y usando el famoso sintetizador ROLAND JUNO-60, lograron darle el sonido final.

Problema número 2:  El video de la canción.

Como era un trío de muchachos que se veían bien y sonaban bien, necesitaban un tratamiento más cinematográfico.

El video original era fatal.

Para 1985, la canción ya se había lanzado 2 veces y nadie le había puesto atención. Aparece entonces el jefe creativo de la compañía discográfica llamado Jeff Ayeroff con una idea loca.

El había visto una animación hecha por Michael Patterson en rotoscopia llamada "Commuter"...

Nace de ahí la idea de convertir a la banda en heroes de comic que saltan al mundo real.

Al ver las primeras ilustraciones de la idea, ya no había vuelta atrás... Ese era el camino.

Y funcionó a la perfección.

La animación del video tardó 16 semanas y el material en vivo se filmó en un lugar llamado Kim's Café, que luego de años cambió su nombre a Savoy Café en una esquina de Londres, donde aún la gente va a tomarse fotos referentes a Take On Me.

 

Savoy cafe

La canción hace parte del álbum debut de la banda llamado "Hunting High & Low", del cual salieron otros 2 éxitos: "The Sun Always Shines On TV" y "Hunting High and Low".

La amplia exposición en MTV lo convirtió en un ícono del video musical e hizo que la canción llegara rápidamente al número 1 del Billboard Hot 100 el 19 de octubre de 1985, permaneciendo en el listado durante veintisiete semanas y convirtiéndose en una de las canciones más importantes de ese año.

El video musical fue remasterizado en 2019 de su archivo original de 35 mm y lanzado en YouTube en formato 4K.

El 17 de febrero de 2020, el video alcanzó un billón de visitas en YouTube. Solo cinco canciones del siglo XX han alcanzado esa marca: "November Rain" y "Sweet Child o 'Mine", "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana y "Bohemian Rhapsody" de Queen "- haciendo de" Take On Me "el quinto video del siglo pasado en hacerlo.

Una canción y un video que trascienden en el tiempo, básicamente porque es un cuento de hadas... Es una historia de amor muy bien contada en 4 minutos. De esas que nunca pasarán de moda.

Cuénteme a que canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo Delorean musical.

Soy Uribe dj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 

 

 


Bienvenidos al primer episodio del Delorean Musical, soy UribeDJ y quiero que viajemos en el tiempo.

 

Volvamos al verano de 1985.

 

 

En el afán que existe hoy día por todo, es difícil imaginar que una canción o una película dominen los listados o la taquilla en los cines por mucho tiempo. Pero eso es exactamente lo que sucedió con Back to the Future: llegar a los cines el 3 de julio de 1985 y tomar el puesto número uno por un total de 11 semanas.

La canción de la película se convirtió en un clásico instantáneo.

Y qué mejor forma de arrancar esto, que con la canción que originó toda esta idea… The Power Of Love de Huey Lewis & The News.

Huey Lewis and The News es una banda de San Francisco, California, en los Estados Unidos. Si… tuvieron una serie de sencillos importantes en su carrera durante la década de los 80… Su álbum más exitoso, Sports, fue lanzado en 1983 y contó con la rotación de sus videos en el canal MTV... Pero nada los prepararía para lo que iba a suceder cuando su canción llamada "The Power of Love" apareciera en la película de 1985 Back to the Future.

"The Power of Love" alcanzó el número uno en el listado del Billboard Hot 100 para el verano de 1985 durante tres semanas.

La canción fue nominada al premio Oscar a la Mejor Canción Original, pero perdió contra la canción Say You, Say Me de Lionel Richie, que había sido escrita para la película White Nights.

El compositor Alan Silvestri, quien hizo el score de la película, sugirió a Huey Lewis como el artista que podría crear una canción original para Back to the Future. El director Robert Zemeckis le mostró a Huey la escena en la que Marty va en patineta hacia la escuela, que es donde se usaría una de sus canciones porque la idea era poder tener algo parecido a su canción I Want A New Drug.

I Want A New Drug había dado mucho de qué hablar en 1984, debido a un problema legal entre Huey Lewis y el cantante Ray Parker Jr.

Delorean Musical - Uribe DJ

Los productores de la película Ghostbusters originalmente se acercaron a Huey Lewis para que hiciera la canción de la película, pero ya estaba comprometido con Back To The Future y tuvo que decir que no. Decidieron llamar entonces a Ray Parker Jr. para escribir la canción, pero debido a los requerimientos de la producción, terminó sonando muy parecida a la canción de Huey Lewis.

Huey Lewis de inmediato presentó una demanda contra Ray Parker, alegando que se había robado la melodía de su canción.

Finalmente llegaron a un acuerdo extrajudicial en 1995, con la condición de que ninguno de los dos aristas volverían a hablar sobre la demanda en público. Y todo estuvo bien hasta el 2001, cuando Huey Lewis abrió la boca en un episodio de "Behind the Music" para el canal VH1 y Ray Parker lo demandó de vuelta por violar el acuerdo de confidencialidad.

Todo este problema sirvió para que la industria tuviera muy claro, que los acuerdos de confidencialidad no eran solo una formalidad en un papel... Había que respetarlos.

Pero bueno… Finalmente Huey Lewis creó su canción. De hecho fueron 2:

The Power of Love y Back in Time (que quedó en los créditos finales de la película).

Universal Studios quería que la canción se llamara "Back to the future", pero Huey Lewis le dijo a Zemeckis "Hermano… yo no trabajo de esa manera".

Y es que la letra " It's strong, and it's sudden, and it's cruel sometimes, but it might just save your life " era perfecta para la película. Marty no solo debía salvar su existencia al reunir a sus padres para que se enamoraran en 1955, si no que la nota de amor de su novia Jennifer, cierra todo el ciclo.

Es esa nota detrás de un volante, la que le dice a Marty cómo regresar a 1985. Así que… La letra de la canción sobre el poder del amor… Tenía todo el sentido.

El video musical se filmó también en junio de 1985, días antes del estreno de la película, y muestra a la banda tocando en un club nocturno llamado “Uncle Charlie”, que era en realidad el bar en el que la banda se presentaba en sus inicios, antes de ser famosos. El Dr. Emmett Brown (Christopher Lloyd) llega en su Delorean, aparentemente después de viajar en el tiempo, y una pareja se lo roba y desaparecen. La filmación tardó un día entero en completarse, terminando grabación a las 3:00 de la madrugada.

Cuénteme a que canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo Delorean musical.

Soy Uribe dj. Hasta la próxima y... Let’s Go Doc!


 

 

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