Delorean musical episodio 18:

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a diciembre de 1983...

 

Los hermanos Van Halen nacieron en Amsterdam. Alex Van Halen en 1953 y Eddie Van Halen en 1955. Eddie comenzó a estudiar piano clásico y se volvió bastante bueno (aunque nunca llegó a dominar por completo el arte de leer partituras). Deciden ponerse a hacer música juntos en la década de 1960: Eddie en la batería y Alex en la guitarra. Mientras Eddie repartía periódicos para pagar su nueva batería, sin saber que Alex aprovechaba para tocarla cuando Eddie no estaba.

Hasta que un día Eddie se enteró y un poco frustrado, le dijo a Alex: "Está bien, entonces usted toque la batería y yo toco la guitarra".

 

Los hermanos Van Halen formaron su primera banda, llamada The Broken Combs, en 1964... Luego se llamaron Genesis. Necesitaban ensayar pero no tenían equipos... Es entonces cuando deciden alquilarle un sistema de sonido a un joven llamado David Lee Roth, pero no tenían el suficiente dinero para seguir pagando, así que llegaron a un arreglo... David Lee Roth sería el vocalista (a pesar de que sus pruebas no habían sido la gran maravilla).

Perfecto! Genesis estaba lista como banda... Solo había un problema: Se enteraron un poco tarde, que ya existía una banda formada por Peter Gabriel que se llamaba así. No los culpen por la demora... Recuerden que en esa época no existía la inmediatez de internet.

Entonces deciden llamarse Mammoth... Tampoco les gustó y pues finalmente, estos dos hermanos, deciden volver a lo básico y usar sus apellidos:

VAN HALEN.

 

Su primer show oficial como VAN HALEN, lo tuvieron en un colegio de Los Angeles llamado La Cañada en 1975... Luego en fiestas... luego pubs... hasta finalmente llegar al famoso Gazzarris en el Sunset Strip. El pináculo del rock californiano en aquel entonces. El mismo lugar donde se presentaban The Doors antes de ser descubiertos.

 

 

Firman su primer contrato y comienzan una carrera en ascenso de la mano de David Lee Roth con canciones como Running with the devil, Eruption que era un track instrumental con la guitarra de Eddie, considerado uno de los mejores solos de guitarra de la historia... Fue gracias a Eruption que Michael Jackson luego lo llamó para hacer el solo de Beat It.

 

 

En el 79 consiguen su primer hit: "Dance The Night Away".

Y de ahí, gira tras gira hasta alcanzar incluso un Guinness Record como la banda mejor pagada en un solo show... 1.5 millones de dólares por una aparición de 90 minutos en el US Festival en 1983. Empiezan entonces a experimentar con sintetizadores para el que sería su siguiente álbum, que se llamaría igual al año de su lanzamiento: 1984.

1984, que se lanzó el 9 de enero de 1984, fue un éxito comercial, cinco veces platino. Eddie acababa de construir su propio estudio y ahí se grabó el álbum... Ese estudio se llamaba 5150, que le daría el nombre al siguiente disco de la banda... Pero no nos vayamos hasta allá.

 

 

Hablemos del sencillo principal del álbum 1984: "Jump". Una canción  que se hizo famosa por su hook de sintetizador y una letra escrita en forma de himno.

Para esto, Eddie Van Halen usó un sintetizador OB-Xa de Oberheim, que se fabricó solamente de 1979 a 1981 y se hizo muy famoso por ser el sintetizador preferido de artistas como Nena, Madonna, Prince, Queen y Jean Michel Jarre.

[Una historia curiosa... Daryl Hall del dúo  Hall & Oates ha contado en muchas entrevistas que Eddie Van Halen le confesó que había copiado ese sintetizador de la famosa canción 'Kiss on My List', Pero Daryl Hall nunca tuvo ningún problema con eso en absoluto.]

Esa línea de sintetizador ya había sido escrita por allá en 1981 por Eddie Van Halen pero a ningún integrante de la banda le gustó... El sintetizador fue un punto de discordia dentro de la banda. Eddie quería usarlo, pero Roth sentía que se estaban vendiendo solamente para conseguir más sonadas en radio.. Y eso no era lo suficientemente Rock N Roll. Usar un sintetizador en lugar de una guitarra sería lo que acabaría con Van Halen... Pero no. Como lo ha mostrado la historia, fue todo lo contrario y sus fanáticos estuvieron más que de acuerdo. Pero en 1983, el productor Ted Templeman le pidió a David Lee Roth que se sentaran y escucharan esa idea que Eddie les había mostrado años atrás... Se acuerdan? esa canción que no les gustó? Es ahí donde nace JUMP... en el asiento trasero de un Mercury 1951, recorriendo algunas calles de Los Angeles... Al menos eso dice la leyenda.

Y es que Roth siempre ha sido un gran contador de historias y siempre ha querido construir su propia leyenda, por lo que nunca sabremos con certeza si la historia del Mercury 1951 fue del todo cierta o no. Pero bueno, así está escrita la historia.

 

David Lee Roth, recordó haber visto un reportaje en televisión la noche anterior sobre un hombre que amenazaba con suicidarse saltando de un edificio en downtown LA. En ese reportaje se veía a toda la gente preocupada gritandole a ese hombre: No salte! No salte!. Pero Roth, se quedó divagando por un momento y pensó para sí mismo: Bueno, y qué pasaría si alguna de esas personas de repente le gritara al suicida Adelante! Salte! Es ahí cuando nace la frase principal de la canción:

YOU MIGHT AS WELL JUMP! GO AHEAD AND JUMP!

Pero ojo. Esa fue solo una divagación de Roth en ese momento... Pero la letra final no trata sobre el suicidio de ninguna manera. Después de sacar esa frase, se dio cuenta de que podría tener más connotaciones positivas que negativas. Y la canción, en lugar de tratarse de una amenaza de suicidio, termina siendo una lírica escrita como una invitación al amor. y a lograr lo que cada uno se proponga. De saltar a lo desconocido sin miedo, ya sea a enamorarse... o a fracasar.

[También se dice por ahí, que David Lee Roth le escribió esa canción a una stripper... Pero eso dejemoslo mejor para su vida privada y sus leyendas personales.]

JUMP se convirtió también, con el paso de los años, en uno de los himnos deportivos más memorables.

Finalmente la canción se construyó durante toda una noche en el estudio y al día siguiente, al escuchar la canción, la banda decidió incluirla de inmediato en el álbum 1984. Es más, se decidió lanzar la canción de inmediato! Dos semanas antes del lanzamiento del álbum completo y que mejor manera de impulsarlo que con un video musical en plena época dorada de MTV.

 

El video era de muy bajo presupuesto... Nunca imaginarían competir con videos monstruosos como el recién lanzado Thriller de Michael Jackson... Pero, extrañamente, fue muy exitoso. Seguramente por su altísima rotación en MTV que, como les he contado anteriormente, era programado por rockeros... Así que de entrada ya tenían una ventaja competitiva.

Era simplemente una grabación en una cámara de 8 milímetros de Van Halen tocando, dándole mucha importancia al famoso "salto del águila" en cámara lenta hecho por David Lee Roth (Algo que ya había hecho Def Leppard en el video de su canción Photograph a comienzos del 83). Si usted ve el video hoy en día, seguro le parecerá ridículo... Pero en su momento fue considerado innovador y además, estableció el estándar de los llamados B-Music Videos o videos musicales baratos que, en el caso del rock en los 80, fue muy exitoso.

1984 fue el último álbum de David Lee Roth con Van Halen antes de dejar la banda en 1985; y el video de "Jump" fue el culpable de esto.

El productor quería mostrar el lado personal de la banda en el escenario. Roth, sin embargo, quería mostrarse él en su estado rockanrolero, entonces lo filmaron conduciendo motocicleta... Tomando trago con chicas y siendo arrestado por la policía en toalla... Pero el productor Robert Lombard, editó el video y no usó ninguna de esas imágenes adicionales de David Lee Roth, aparte, y para acabar de completar, solo se lo mostró a los hermanos Van Halen para su aprobación.

Ojo... Lo más grave del asunto, es que el director del video era David Lee Roth.

Algunas de esas imágenes de David Lee Roth terminaron usándose en el video de la canción "Panama". Dos días después de todo este tema, el manager de la banda despidió a Lombard por no tener en cuenta a Roth en la decisión. Y como es la vida... El video se ganó un Premio MTV pero Lombard nunca lo recibió. Se dice que David Lee Roth lo destruyó. Igual ya existía mucha tensión en la banda debido al protagonismo de Roth... El estaba convencido que era más grande que la banda. La separación era inevitable. Solo se necesitaba un motivo. JUMP fue el primer número uno en la carrera de de Van Halen, y fue el único número uno durante la época en la que David Lee Roth fue el vocalista. Dándoles una nominación al Grammy.

1984 fue el segundo álbum más importante en ese momento, detrás de Thriller de Michael Jackson. En el cual, curiosamente, Eddie Van Halen había colaborado.

David Lee Roth fue reemplazado como vocalista de la banda por Sammy Hagar en 1986, quien 10 años después fue reemplazado por Gary Cherone.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


Delorean musical episodio 17:

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a marzo de 1985.

 

Roland Orzabal y Curt Smith se conocieron cuando eran adolescentes en Inglaterra. Los dos se convirtieron en músicos de sesión para la banda Neon, donde conocieron al futuro baterista de su banda, Manny Elias. En Neon también estaban Pete Byrne y Rob Fisher, quienes se convirtieron luego en la banda Naked Eyes. El debut profesional de Smith y Orzabal llegó cuando entraron a un proyecto llamado Graduate, un acto de revival mod / new wave. En 1980, Graduate lanzó un álbum, Acting My Age, y un sencillo "Elvis Should Play Ska" (refiriéndose a Elvis Costello, no a Elvis Presley). Con este sencillo no pasó absolutamente nada en ese momento. Ni siquiera entró al top 100 en el Reino Unido.

 

En 1981, Orzabal y Smith ya estaban más influenciados por artistas como Talking Heads, Peter Gabriel y Brian Eno. Dejaron Graduate y formaron una banda llamada History of Headaches... En medio de su exploración musical, estaban buscando un nombre definitivo para su nueva banda, que esperaban, fuera el último... Y se encontraron con una terapia psicológica contra la neurosis causada por traumas de infancia, una terapia desarrollada por el psicólogo estadounidense Arthur Janov, que tuvo mucha publicidad después de que John Lennon se convirtió en uno de los pacientes de Janov en 1970. Básicamente, la premisa de esta terapia era todas esas lágrimas generadas por los miedos.

TEARS FOR FEARS.

Por esta época conocieron a Ian Stanley, que les prestó su estudio portatil de 8 pistas. Stanley comenzó a trabajar con el dúo como su tecladista y, después de grabar dos demos, Tears for Fears firmó su primer contrato discográfico. A principios de 1984, comenzaron a trabajar en su nuevo sencillo "Mothers Talk". que se convirtió en un top-20 en el Reino Unido, pero fue el siguiente sencillo "Shout" (lanzado en el Reino Unido en noviembre de 1984) el que marcó el verdadero comienzo de la fama internacional de la banda.

["Shout", que llegó al top 5, fue la canción que pavimentó el camino para su segundo álbum, Songs from the Big Chair que se lanzó en febrero de 1985.]

En este trabajo, logran separarse un poco de ese sonido synth-pop que le pusieron a su primer álbum, y se fueron por un sonido mucho más sofisticado que se convertiría en el sello de la banda. Esto ayudó a impulsar a Songs from the Big Chair a convertirse en uno de los álbumes de mayores ventas en 1985 a nivel mundial... Convirtiéndose en el álbum número 1 en los Estados Unidos durante cinco semanas en el verano del 85.

Tears for Fears - Facebook

El título del álbum se inspiró en el libro y la miniserie de televisión Sybil, la crónica de una mujer con trastorno de personalidad múltiple que buscó refugio en la "silla grande" de su psicoanalista. Y así mismo funciona el álbum... Cada una de las canciones del álbum tiene una personalidad distintiva...

Pero el sencillo que selló el éxito del álbum fue "Everybody Wants to Rule the World", su canción más alta en los listados a nivel mundial y su primer número 1 en los Estados Unidos.

"Everybody Wants to Rule the World" fue escrita por Roland Orzabal, Ian Stanley y producida por Chris Hughes. La canción se agregó en el álbum a "último minuto" durante las sesiones de grabación. La decisión de incluir la canción en el álbum se produjo después de meses trabajando en "Shout", y cerca del final de las sesiones, Roland Orzabal entró al estudio y tocó dos simples acordes en su guitarra acústica, que se convirtió en la base de la canción. Se grabó en dos semanas y se añadió como pista final del álbum. No creían que la canción encajara con el resto del álbum.

El título original de la canción era "Everybody Wants To Go To War", pero Orzabal sentía que era mediocre. Sin embargo, Hughes convenció a Orzabal para que la grabara y era más con la intención de lograr entrar a los listados norteamericanas.

La canción trata sobre la búsqueda del poder y cómo puede tener consecuencias desafortunadas.

La letra de la canción detalla el deseo que tienen los humanos de tener control y poder. Es una letra que puede aplicarse en diferentes escenarios como el medio ambiente "Turn your back on mother nature" (Dale la espalda a la madre naturaleza), el éxito financiero de corta duración "Help me make the most of freedom and of pleasure/Nothing ever lasts forever" (Ayúdame a aprovechar al máximo la libertad y el placer / Nada dura para siempre), el gobierno dictatorial "Even while we sleep/We will find you" (Incluso mientras dormimos / Te encontraremos) y claramente, la Guerra Fría "Holding hands while the walls come tumbling down" (Tomados de la mano mientras los muros se derrumban). Fue la Guerra Fría la principal inspiración en aquel momento para la canción... Como lo fue para muchas instancias del entretenimiento global.

Todo el mundo quiere gobernar el mundo... Hablando específicamente de Estados Unidos y Rusia en ese entonces. El uso de la autoridad clasificada y el abuso de poder entre las ramas del gobierno.

Si lo piensan bien, los jóvenes de la era de Ronald Reagan y Margaret Thatcher, son los adultos de hoy en día y tanto entonces como ahora, están hartos de la codicia política.

"Everybody Wants to Rule the World" fue lanzado por primera vez el 18 de marzo de 1985 como el tercer sencillo del álbum.

La canción era lo más "ajeno" a la forma de escribir música que tenía la banda.

"Everybody Wants to Rule the World" es una canción de new wave muy influenciado por la canción de 1983 "Waterfront" de Simple Minds

 

También existe otra teoría...

Y es que "Everybody Wants To Rule The World" es una línea de una canción de The Clash de 1980 llamada "Charlie Don't Surf". De hecho hay una anécdota sobre eso y es que Joe Strummer de The Clash se encontró con Roland Orzabal en un restaurante, y de manera casual le dijo: "me debes cinco dólares por la frase de la canción". Y según cuenta la leyenda, Roland Orzabal metió la mano en el bolsillo y sacó un billete de cinco libras y se lo entregó, aparentemente como compensación por robarse la línea que le dio título a su gran éxito mundial.

Everybody Wants To Rule The World es una composición atemporal e influyente sin esforzarse demasiado en querer hacerlo.

Así como lo hablamos en un episodio anterior, es una de esas canciones que capturan el espíritu de los tiempos, habla del momento y lo define perfectamente... Es de esas canciones que sin proponérselo, se convierten en una pequeña lección de historia. Fue apropiada cuando se lanzó, porque habló directamente de una era que fue tan corrupta económicamente, como espiritualmente. Es una de las grandes acusaciones al materialismo y al falso triunfalismo de la década del 80. Y no hay nada que hacer, es una grabación con un atractivo universal, lo que la convirtió de inmediato en una canción de esas que HAY QUE SONAR EN RADIO... o en un restaurante... o en un bar...

Aunque... como dato curioso...

[La BBC prohibió emitir "Everybody Wants to Rule the World" durante la primera Guerra del Golfo (desde el 2 de agosto de 1990 - hasta el 28 de febrero de 1991) debido a los temas políticos de la canción.]

 

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Delorean musical episodio 16:

 

Bienvenidos una vez más, soy Uribe DJ y quiero que viajemos en el tiempo.

Volvamos a marzo de 1983.

Ian Curtis, Peter Hook, Stephen Morris y Bernard Sumner fueron los integrantes de la banda post-punk Joy Division... Pero Curtis se suicidó un 18 de mayo de 1980, el día antes de que Joy Division partiera hacia su primera gira estadounidense, y previos también a lanzar su segundo álbum llamado Closer. Curtis tenía 23 años.

 

El resto de la banda decidió, poco después de la muerte de Curtis que continuarían haciendo mùsica. Ya tenían un acuerdo de palabra, que habían hecho mucho antes de la muerte de Ian: Si algún miembro se va de la banda, no nos seguiremos llamando Joy Division.

Un 29 de julio de 1980, un poco más de 2 meses después de la partida de Ian Curtis, la banda aún no tenía un nombre definido, pero aún así, se presentaron en el Beach Club de Manchester. Es cuando aparece Rob Gretton, que fue el manager de la banda durante más de veinte años... Fue él quien los bautizó. Un día, leyendo el periódico The Guardian, encontró un artículo titulado: "The People's New Order of Kamboya". The New Order... Ya había existido una banda llamada con ese nombre, pero se había acabado... Así que era perfecto. 

Se llamarían NEW ORDER.

La banda ensayó con cada miembro para ver quien iba a reemplazar a Curtis como vocalista. Sumner finalmente tomó el liderazgo, ya que era el único que podía cantar cuando no tocaba la guitarra. 

En 1983, la banda encontró su equilibrio mezclando la música tecno con un sonido muy influenciado por los sonidos de Kraftwerk y Giorgio Moroder. Es ahí cuando aparece "Blue Monday"... Una canción secuenciada electrónicamente bajo un patrón musical conocido como Four To The Floor. 

Para explicarlo de la manera más simple, es un tiempo constante y uniforme en un beat de 4/4 en el que el bombo se golpea en cada tiempo. Esto se usó mucho en la música disco de la década de 1970. 

"Blue Monday" se convirtió en el sencillo de 12 pulgadas más vendido de todos los tiempos... 

 

Para quienes no sepan que es un disco de 12", les explico... Aunque el disco de vinilo convencional tiene un diámetro de 12 pulgadas, la diferencia está en el espacio entre surcos. En el caso de sencillos como Blue Monday, es más amplio y por lo tanto tiene un tiempo de reproducción más corto... Por lo general una sola canción por lado, a diferencia de un LP, que significa Long Play, que si tienen varias canciones en cada lado.

La banda hizo la canción de manera experimental, sin esperar nada de ella... Tanto así, que al mismo tiempo, estaban lanzando el álbum Power, Corruption & Lies. El problema es que la canción se convirtió en todo un éxito de inmediato... Pero los fanáticos estaban ofendidos porque la canción no venía en el álbum... Recuerden que en esa época la gente si compraba álbumes y esperaba encontrar sus canciones favoritas en ellos.

Se vieron entonces obligados a poner un sticker en el álbum que decía "NO CONTIENE BLUE MONDAY". En algunos países como Australia y Nueva Zelanda, al álbum se le añadió el sencillo en un cassette aparte... Ya cuando se lanzó el álbum en CD en los Estados Unidos, si se incluyó la canción.

Como les contaba, la canción se lanzó únicamente como sencillo en vinilo de 12 pulgadas el 7 de marzo de 1983 y debido a la forma en la que fue producido en computadora, la portada fue un floppy disk de 5¼... De nuevo, como ustedes son todos jóvenes y bellos, les cuento... Un floppy disk era el dispositivo que servía para pasar información entre computadores... básicamente el papá de lo que ustedes conocen hoy como la USB... Era un diskette delgado que tenía una gran capacidad de almacenamiento... 360 KB... Para que se hagan una idea en comparación, para guardar una canción en mp3 en calidad standard hoy en día, necesitarían 12 floppys de esos. Para una sola canción.

Hemos avanzado.

Al lado del floppy venía un código en bloques de colores que descifrado dice: FAC 73 BLUE MONDAY AND THE BEACH NEW ORDER. Las instrucciones para descifrarlo venían en la parte de atrás del álbum Power, Corruption And Lies. FAC... Porque fue producido por Factory Records, una ya desaparecida compañía discográfica independiente de Manchester...  Y THE BEACH, porque ese era el lado B del disco... THE BEACH fue como ellos bautizaron a la versión instrumental de BLUE MONDAY que realmente fue la primera versión que existió de la canción y ya les cuento cual era su propósito inicial... Han existido diferentes teorías sobre la letra de la canción... Algunos han dicho que trata sobre Ian Curtis, o sobre la adicción a las drogas, otros dicen que sobre el abuso infantil o también que tiene que ver con una relación fallida... Pero esas teorías, todas falsas, fueron todas sacadas solamente a raíz de la primera frase: How does it feel... To treat me like you do? ¿Cómo se siente... Tratarme como lo haces?

Y aunque la canción fue escrita por Bernard Sumner en un viaje de LSD, el mismo Peter Hook explicó de qué trataba la canción: 
La banda creó la canción en respuesta a la decepción que expresaban los fanáticos por el hecho de que New Order no hacía encores en sus conciertos... Qué es un encore? Es ese momento del show en el que la banda se despide... Supuestamente... Pero vuelve al escenario para tocar una última canción... O varias en algunos casos.

La canción, originalmente llamada THE BEACH como les conté hace un momento, fue creada para que al terminar el show, ellos pudieran volver al escenario y simplemente darle play a un sintetizador y que esa canción sonara mientras ellos se retiraban tranquilamente del lugar para irse de fiesta. Pero la canción fue evolucionando hasta convertirse en un proyecto que les gustó mucho, y pasó de ser un simple experimento en el escenario, a ser un sencillo exitoso. A partir de ese momento, se volvió casi una tradición que BLUE MONDAY sea el encore en los shows de New Order... Pero ahora si, como canción con todas las de la ley.

El título de la canción salió de 2 eventos coincidencialmente mágicos... El primero, una ilustración del libro "Breakfast Of Champions" de Kurt Vonnegut, que estaba leyendo uno de los miembros de la banda en el estudio... La ilustración en ese libro decía: "Goodbye Blue Monday", refiriéndose a la invención de la lavadora que mejora la vida de las amas de casa... Y el segundo: La canción de Fats Domino llamada Blue Monday que estaba escuchando Peter Hook ese mismo día... Que coincidencialmente, era un lunes.
Una de las características especiales de la canción, son sus famosos accidentes felices... Y es que a la secuencia hecha en el computador en aquel momento, siendo una canción tan larga, se brincaron varios beats... Pero lograron hacerlo sonar bien y bueno... Aparte se grababa en cinta, en esas épocas no había vuelta atrás. 

Tengan muy claro que la canción no tiene nada que ver con la famosa fecha del blue monday.
El concepto de la fecha, que es el tercer lunes del mes de enero, y que supuestamente es el día más deprimente del año, se acuñó apenas en el año 2005 por un canal de televisión británico dedicado a los viajes, llamado Sky Travel, que aseguraba haber hecho ese cálculo gracias a una equación matemática.

Fue construida sobre 4 canciones: "Our Love" de Donna Summer, "Dirty Talk", de Klein + M.B.O, el bajo de "You Make Me Feel (Mighty Real)" de Sylvester y el hook salió de la banda sonora de Ennio Morricone "For a Few Dollars More". 

Blue Monday llegó al top 10 en muchos países. y fue remezclada dos veces, en 1988 y en 1995... Pero es la verión del 88 la más famosa ya que fue hecha por el gran Quincy Jones que es la que seguramente usted más conoce. 
Blue Monday es una de las canciones electrónicas más influyentes. El Synthpop ya era una fuerza importante en la música británica en 1983, pero podría decirse, sin temor a equivocarse, que esta fue la primera grabación de dance británica que hizo el crossover para apoderarse de la escena de los clubes de Nueva York... Y luego, del mundo entero.

Fue el eslabón que permitió la transición entre el disco de fianles de los 70 al dance/house de finales de los 80.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

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Delorean musical episodio 15:


Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a agosto de 1988.

Esta historia comienza en Australia... cuando un joven llamado Andrew Farriss convenció a su compañero de clase, Michael Hutchence, para que se uniera a su banda, Doctor Dolphin. En 1977, Tim Farriss, el hermano mayor de Andrew, junto a Garry Beers y a Kirk Pengilly formaron una banda que decidieron llamar Guinness (porque así se llamaba el perro de bajista).

En esta historia también aparece el hermano menor de los Farriss... Jon... y crearon "The Farriss Brothers", que fue la primera formación oficial de lo que serían como banda más adelante... Garry Beers en el bajo, Andrew Farriss en los teclados, Jon Farriss en la batería, Tim Farriss en la guitarra principal, Kirk Pengilly en el saxofón (que fue importantísimo en el sonido de la banda y de la canción de la que hablaremos hoy)... Y el gran Michael Hutchence en la voz principal.

Hicieron su debut como The Farriss Brothers el 16 de agosto de 1977 en Sydney, Australia.

 

En el 78, cuando aún hacían música como por pasar el rato, se cambian el nombre a The Vegetables... y grabaron una canción que se llamaba "We Are The Vegetables". FInalmente deciden ponerse serios y grabar una serie de demos. Pero un día corren con suerte y se encuentran en el parqueadero de un pub con el manager de Midnight Oil, banda australiana que ya contaba con cierto reconocimiento en ese momento. Comienzan entonces a abrir algunos shows de Midnight Oil y un día, uno de los integrantes de esa banda, les sugiere que se cambien el nombre.

La idea nace de un juego de letras inspirado en una banda inglesa llamada XTC que eran tres letras que se leían como "Ecstasy" y también de una empresa fabricante de mermeladas australiana llamada IXL, letras que simplificaban las palabras "I Excel". A los miembros de Midnight Oil les parecía que aquella banda, cuando se subía al escenario, tenía energía "En Exceso" (In Excess)... Así deberían llamarse!

Y lo que comenzó como un simple comentario, terminó dándole nombre a la banda.

[Deciden entonces usar el nombre propuesto por Midnight Oil... INXS]

La primera actuación de la banda como INXS fue el 1 de septiembre de 1979 y firmaron un contrato de grabación por cinco álbumes con un sello independiente australiano. Pero esos 5 álbumes me los voy a brincar el día de hoy, porque la canción de la que vamos a hablar, salió de el álbum número 6... El álbum que lanzó a INXS a la fama internacional y también, el álbum más exitoso de toda su carrera... KICK.

Tenían muy claro que querían hacer un álbum en el que todas las canciones fueran sencillos importantes... Y casi lo logran.

 

 

De ese álbum salieron:

Need You Tonight... Devil Inside... New Sensation... Mystify...

Y la canción en la que aterrizamos el día de hoy:

NEVER TEAR US APART

Michael Hutchence escribió la letra, una lírica muy personal que describe la conexión instantánea que a veces existe entre dos personas que forman un vínculo inexplicable que durará para siempre. Hutchence tuvo muchas relaciones apasionadas y complicadas en su vida... Tal vez las más famosas fueron: La cantante Kylie Minogue... La supermodelo y ángel de Victoria Secret, Helena Christensen y la controversial presentadora de televisión Paula Yates que solía entrevistar a sus invitados en la cama, con quien no se caso, pero si tuvo una hija en 1996, llamada Tiger Lilly... Desafortunadamente, una hija que creció sin conocer a su padre, ya que un año después, en 1997, Michael Hutchence fue encontrado muerto en la habitación 524 del Ritz-Carlton hotel en Sydney. Trágicamente, Tiger Lilly tampoco creció al lado de su mamá, ya que Paula Yates murió en el 2000 de una sobredosis.

Don't Do Drugs!

Andrew Farriss escribió la música de "Never Tear Us Apart"... En 1986 se sentó en un piano y comenzó a trabajar en los acordes que sonaban muy a los años 50 o al blues de Fats Domino o a los mismos Rolling Stones... a Michael Hutchence le gustó el demo y gracias a ese tono melancólico, se inspiró para escribir la letra... La letra más importante en la vida de Michael... Una letra con corazón... Una letra llena de amor personal.

Michael veía su vida amorosa como una sinfonía... Y de ahí también la idea de darle ese sonido de cuerdas y de orquestación a la canción. La canción termina convirtiéndose en una especie de vals.

 

 

La letra es simple, pero maravillosa. La canción ha sido versionada en todo el mundo por muchos artistas y ha sido usada en series de televisión, películas... Es una canción que sirve en donde la pongan... publicidad, funerales, nacimientos, matrimonios... Es solo una de esas letras que hablan por si mismas en cualquier momento. Lo que más le gustaba a Michael Hutchence de la canción, es que estaba bastante alejada de los estereotipos de las baladas de rock... Las famosas "power ballads" de la época.

Al igual que el video de "New Sensation", "Never Tear Us Apart" fue filmado en la ciudad de Praga, pero a diferencia de los videos anteriores, este no tuvo ningún efecto visual, ya que se necesitaba que tuviera tomas largas que le dieran mucha más fuerza visual a la letra. Es más... Si usted es curioso, se dará cuenta que en el video, al intro de la canción que normalmente dura 15 segundos, le agregaron de manera forzada 40 segundos instrumentales de más... Esto solamente para hacer una secuencia que va preparando la aparición de Hutchence en cámara.

 

 

Siendo una canción de 3 minutos, se da el lujo no solamente de tener una letra contundente, sino que tiene 2 pausas icónicas seguidas del famoso riff de guitarra: una en el segundo 48, otra en 1:49 y además un break instrumental en saxofón de Kirk Pengilly.

En el momento en que "Never Tear Us Apart" fue lanzado como el cuarto sencillo del álbum Kick, INXS se habían convertido en superestrellas internacionales.

Pero con todo y eso, lo curioso es que para cuando se lanzó el álbum en Estados Unidos en octubre de 1987, eran tan poco conocidos en ese país, que tuvieron que comenzar con una gira por las universidades... Pero luego de alcanzar el número 1 en los listados, nunca más se bajaron de una tarima en un estadio.

Aunque Need You Tonight les dió su primer y único número 1 en Estados Unidos, hay canciones que acompañan a un artista hasta su último día... Así como sucedió con Man In The Mirror y Michael Jackson, cuando Hutchence murió en 1997, su ataúd fue sacado de la Catedral de St Andrews por los otros miembros de INXS mientras de fondo sonaba "Never Tear Us Apart".

 

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


 

Escuche acá el episodio dedicado a Billie Jean de Michael Jackson:

Delorean musical episodio 14:

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Michael Joseph Jackson nació un 29 de agosto de 1958 en Gary, Indiana y tristemente murió el 25 de junio de 2009. Cantante, compositor, bailarín... El más grande ícono del espectáculo en el mundo. Conocido por todos nosotros como el "Rey del Pop" fue una de las figuras culturales más importantes del siglo XX y el más grande entertainer en la historia de la música. Su sonido y estilo han influido artistas de todos los géneros, y sus contribuciones a la música, la danza y la moda, han perdurado durante más de cuatro décadas. Jackson fue además, el artista más premiado en la historia de la música.

Para hablar solo de la vida de Michael Jackson, podríamos dedicar un canal entero de Youtube... Por eso, en esta ocasión, nos vamos a detener en una canción en particular. Un sencillo que salió del que aún ostenta el título del álbum más vendido de todos los tiempos... Thriller de 1983.

El título del álbum no es gratuito...

Thriller finalmente es el presagio de muchas de las cosas que le pasarían a Jackson en su vida. Con la canción que le da título al álbum, Thriller, Jackson comenzó a incursionar en la paranoia y temas un poco más oscuros como la creencia en lo sobrenatural... Incluyendo sonido de puertas que crujen, truenos, pasos, viento y perros aullando.

En "Wanna Be Startin Somethin", habla en contra de los chismes de los medios de comunicación hacia el... La otra canción que tiene una historia un poco oscura detrás, es Billie Jean.

"Billie Jean" está basada en las historias de las groupies que él y sus hermanos tuvieron en el momento que estaban juntos como The Jackson 5.

Facebook - The Jacksons

Esas groupies que hacían hasta lo imposible por colarse en el backstage de cualquier banda que llegara a su ciudad y cuyo fin era lograr acostarse con los artistas. Michael escribió la canción a raíz de las experiencias de sus hermanos cuando el era pequeño. Había muchas Billie Jeans por ahí. Y existió un momento en que muchas, afirmaban que su hijo era de alguno de los Jackson.

Hay una biografía muy famosa de Michael Jackson, que fue escrita por J. Randy Taraborrelli, y en ella hay una historia muy interesante.

En 1981, Michael Jackson recibió varias cartas de una mujer que afirmaba que él era el padre de uno de sus hijos. Jackson, que como a gran estrella que ya era en aquel momento, no era raro que recibiera cartas de este tipo, nunca había conocido a esa mujer y de inmediato ignoró el asunto. Sin embargo, esta fan enamorada, continuó enviándole cartas en las que le decía que lo amaba y que quería estar con él, preguntándole que cómo era capaz de ignorar su propia carne y sangre. Estas cartas lo perturbaron tanto, que existieron varios años en los que tuvo pesadillas todas las noches (muchas de ellas, las usó para construir Thriller, pero ya hablaremos de eso en otra ocasión)

Un día, la cosa ya se salió de control y se puso bastante seria. Jackson recibió una caja... Y en ella había: Una fotografía de la fanática, una pistola y una carta en la que ella lo invitaba a morir en una fecha específica... Indicándole que ella haría lo mismo una vez que hubiera matado a su bebe, para que así pudieran estar juntos en la "próxima vida"

Luego, la familia informó que la mujer había sido enviada a un hospital psiquiátrico.

Luego de esto, Jackson rara vez hablaba de esta mujer, y le costó mucho lidiar con toda esa atención que generó este asunto... Como resultado, se volvió más solitario. La canción fue su forma de expresar esos sentimientos sin nombrarla a ella directamente.

Nunca existieron muchos detalles sobre quien era la verdadera Billie Jean, pero fue el mismo productor Quincy Jones quien contó otra historia que nadie sabía al respecto. Según el, Jackson encontró a la mujer un día descansando junto a la piscina de su casa con un traje de baño y gafas de sol. Y nuevamente acusó a Jackson de ser el padre de uno de sus gemelos.

 

Quincy Jones quería que la canción se llamara "Not My Lover" porque pensó que la gente se confundiría con la estrella del tenis Billie Jean King. Pero Jackson no permitió que se cambiara el título. Nunca sabremos si es porque la mujer se llamaba Billie Jean en la vida real... Nunca lo sabremos.

Michael tenía muy claro que, como músico,  el conocía muy bien su material y cómo podía ser exitoso. Todo tenía que sentirse en su lugar y hacerlo sentir bien. El sabía que la canción iba a ser grande mientras la escribía. Se dedicó de lleno a esa canción... Hasta el punto de no estar consciente de el mundo a su alrededor.

De hecho hay una historia curiosa...

Un día, durante un descanso en una sesión de grabación, salió a manejar por Ventura Freeway... Era el comienzo de los 80... A la gente le encantaba salir a manejar sus carros... No lo juzguen.

Billie Jean seguía dando vueltas en su cabeza y de repente un niño en una bicicleta les dijo: Hey Su carro está en llamas!

Y si. Había humo saliendo de la parte inferior del Rolls-Royce y luego llamas. De alguna manera, ese niño, del que nunca supieron nada más, probablemente le salvó la vida a Michael Jackson. Si el carro hubiera explotado, Michael podría haber muerto. Pero estaba tan metido mentalmente en la canción que ni siquiera sintió el olor a quemado.

Después de esto, Jackson llegó a su casa e hizo un demo del ritmo en un drum machine que tenía en su estudio y logró hacer las voces en una sola toma.

Facebook Michael Jackson

Quincy Jones sentía que la canción era demasiado débil para ser incluida en el álbum Thriller. A Jones no le gustaba el demo y no le gustaba la línea de bajo... Además quería cortar la introducción de 29 segundos de Jackson. Sin embargo, Michael insistió en que se mantuviera por que le daban ganas de bailar... De inmediato, la cara de Quincy Jones cambió...  Cuando Michael Jackson dice que algo le da ganas de bailar, no hay nada que hacer... Había que callarse la boca y meter la canción en el disco.

Debido a que la canción quedó casi idéntica al demo, Michael pidió que se le dieran los mismos créditos como productor que tenía Quincy Jones. Adicionalmente, Jackson quería mas regalías y esto creó diferencias entre los dos. El ingeniero fue Bruce Swedien y tuvo un trabajo bastante duro... Tuvo que mezclar la canción 91 veces, algo inusual para Swedien, que estaba acostumbrado a mezclar cada canción solo una vez.

Era importante que la batería tuviera una personalidad que nadie hubiera escuchado antes, para eso se construyó una plataforma especial. Y el resultado funcionó. No hay muchas canciones en las que uno pueda escuchar las primeras tres o cuatro notas de una batería e inmediatamente qué canción es... Pero en el caso de 'Billie Jean' si sucede.

Ese fenómeno es conocido como personalidad sónica.

El video de Billie Jean, aparte de su producción visual, tiene un valor mucho más importante, ya que fue el que rompió la barrera de color en MTV. La canción "Pass The Dutchie" de Musical Youth fue el primer video de un artista negro en entrar al canal. Pero en aquel momento, siendo un banda de adolescentes, se consideraba simplemente una novedad... No un posible éxito.

El video de "Billie Jean" de Jackson si fue el primero en entrar a una alta rotación, y poco después comenzaron a aparecer más artistas de color, como es el caso de Prince. MTV fue acusado de racismo en esa época, en especial por Rick James... ¿Lo recuerdan? El de "Super Freak"? Bueno, pues ese video fue rechazado por el canal. MTV era programada por personas que venían de trabajar en emisoras de rock y por tal motivo, trataban de programar el canal como si fuera una estación de radio de este formato... Y era imposible, ya que en ese momento no existían suficientes videos de artistas del rock. Los rockeros no hacían videos.

 

Lo que sí tenían eran muchos actos europeos (como Musical Youth), que llevaban años haciendo videos, pero las compañías discográficas no invertían presupuesto en los artistas negros, porque estaban convencidos de que MTV no los iba a rotar y era un círculo vicioso porque esta también era la excusa de MTV para argumentar que simplemente no pasaban los videos, porque no había buenos videos de artistas negros o que fueran dignos de ser reproducidos en televisión.

Pero es gracias a Michael Jackson que ese argumento se fue a la basura. Y fue gracias al video de "Billie Jean", ya que fue sorprendentemente innovador... Tanto, y aquí les dejo otro dato curioso, el famoso juego de video Dance Dance Revolution nunca hubiera existido, de no ser por Billie Jean y las escenas en los cuadros del piso se iluminaban al ser tocados por el baile de Michael Jackson.

Aunque uno mira la historia desde la perspectiva del ahora, hay que decir que de todas maneras, a pesar de la gran producción y la calidad del video, aparte de la fama de Jackson, MTV no programó el video hasta que vio que la canción era número 1 en los listados.

Hay un libro muy interesante por si algún día lo quieren leer, que se llama "I Want My MTV", que precisamente habla de esas historias del canal... Y ahí cuentan como se negaban a poner Billie Jean, pero si querían rotar Beat It... Y era por una simple razón: Porque Eddie Van Halen (un rockero) era quien hacía la guitarra.

Walter Yetnikoff, que era director de CBS Records y Epic, con quien Jackson tenía su contrato, amenazó a MTV de retirar todos los productos de CBS del canal si no rotaban "Billie Jean". Obviamente, muertos del susto, tuvieron que acceder... Y no solo eso, tuvieron que rotar los 2 videos al tiempo: Billie Jean y Beat It , lo cual estableció a Michael Jackson como una estrella de video en el verano de 1983.

Y ojo, que en ese momento aún no se había lanzado "Thriller", que fue el que definitivamente revolucionó el formato.

Billie Jean fue la segunda canción de las 7 del álbum Thriller que entraron en el top 10. La primera que se lanzó fue The Girl Is Mine simplemente porque tenía a Paul McCartney en ella.

 

 

Haber mezclado en esta canción, desde el mismo video, el baile con coreografías mientras se cantaba con la misma energía, fue lo que le abrió de inmediato la puerta a su hermana Janet y a grupos como los New Kids On The Block. Herencia que luego retomaron NSYNC y los Backstreet Boys. Fue también gracias a Billie Jean que el mundo se detuvo un 15 de Mayo de 1983, cuando en el evento de los 25 años de Motown, por primera vez le presenta al mundo su paso de baile más icónico... El Moonwalk.

Un paso que aprendió viendo a Jeffrey Daniel de la banda Shalamar en el programa Soul Train en 1982.

Billie Jean fue también la canción con la que se firmó el famoso comercial para Pepsi, en la que una pirotecnia salió mal. incendiando la cabeza de Michael y tuvo que ser trasladado de urgencia al hospital. Tuvo que someterse a varias cirugías de implantes y reconstructivas. Aunque el estudio de grabación contaba con los más modernos equipos en aquel entonces, en "Billie Jean", se utilizó un método de cero tecnología para obtener un sonido distinto en algunas de las voces... Jackson cantó a través de tubos de cartón.

"Billie Jean" llegó el número uno en el Billboard Hot 100 el 5 de marzo del 83 y permaneció en el número uno durante nueve semanas en la lista. Fue la segunda canción más importante de 1983... La primera fue Every Breath You Take y esa historia se las conté en el episodio 9 por si no lo han visto...

"Billie Jean" ayudó a Thriller a convertirse en el álbum más vendido de todos los tiempos. La canción y los shows que la acompañaron, construyeron el estatus de Jackson como ese ícono legendario del pop.

Y bueno... Sobra decir que el mismo Michael siempre declaró que fue su canción favorita.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


Delorean musical episodio 13:

Escuche aqúi el episodo 13 dedicado a  'Like a prayer' de Madonna:

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a marzo de 1989.

Madonna Louise Ciccone, hija de una familia católica, nació en Bay City, Míchigan, el 16 de agosto de 1958. Sus abuelos eran emigrantes italianos, mientras que su madre era de ascendencia franco canadiense. Aunque sus padres querían meterla en clases de piano (para que dejara de estar provocando a sus compañeros de colegio), ella lo que quería era bailar. Así que finalmente se dedica al ballet.

Después de la muerte de su madre por culpa del cáncer, en 1978, Madonna abandona la universidad y se muda a la ciudad de New York. Tenía $US35 en el bolsillo y logró conseguir trabajo en un Dunkin' Donuts y con una compañía de danza moderna. Gracias a esto, comenzó a trabajar como bailarina para otros artistas y en 1979 junto a su entonces novio, Dan Gilroy, formaron una banda de rock llamada Breakfast Club, donde Madonna cantaba y tocaba la guitarra. En 1981 dejó Breakfast Club para montar otra banda con otro novio Stephen Bray una banda llamada Emmy... Pero las cosas no funcionaban... Decide entonces promocionarse como solista.

En 1983 hace su debut en solitario con el album que llevaba su nombre... Uno de los nombres más icónicos en la música... La mujer que se convertiría en La reina del pop... Simplemente: MADONNA.

 

Facebook Madonna

Después del álbum Madonna en el 83, vino Like a Virgin en el 84, True Blue en el 86 y voy a detenerme hoy en 1989 en la canción que le dio título a su cuarto álbum: Like A Prayer.

Esta fue la primera canción de un artista importante que se utilizó en un comercial de televisión antes de ser lanzada a tiendas o a las estaciones de radio. Con la famosa guerra de las colas en su punto más alto, Pepsi firmó con Madonna un contrato de exclusividad por $ 5 millones de dólares, que incluía un comercial de dos minutos que debutaría con esa canción.

 

El anuncio, supervisado por la agencia de publicidad de Pepsi, se llamaba "Make A Wish" y mostraba a Madonna viendo una versión de ella de 8 años y bailando alegremente en la calle. El comercial se lanzó con un preview de 30 segundos durante los premios Grammy el 22 de febrero de 1989 Y fue super extraño, porque era, básicamente, un comercial para promocionar otro comercial.

Luego, el 2 de marzo, se emitió completo el comercial de 2 minutos en el horario de mayor audiencia en todo el mundo. 250 millones de personas vieron el anuncio y nuevamente las ventas de pepsi se elevaron de igual manera como sucedió con Michael Jackson. El comercial era inteligente e inocente, y la canción fue la más beneficiada en todo esto. Claramente su número 1 estaba asegurado.

La canción se lanzó mundialmente al día siguiente, el 3 de marzo de 1989 y de inmediato entró a la rotación radial en todo el mundo. También entró a rotación en MTV, pero en lugar de crear un video que fuera una continuación del comercial de Pepsi, Madonna rompió cualquier esquema. En lugar de una niña de 8 años en una fiesta de cumpleaños, vemos a Madonna presenciar un crimen brutal y refugiarse en una iglesia. Tener un beso interracial, estigmas en las manos y bailar frente a cruces en llamas. Obviamente, como era de esperarse, la iglesia se indignó de inmediato. La Asociación de Familias Norteamericanas y el Vaticano lo condenaron...

Y Pepsi, enfrentándose a un boicot y a demandas, canceló sus vínculos con Madonna y nunca más volvió a emitir el comercial.

Mientras el golpe para Pepsi fue durísimo, ya que tenían dos comerciales más planeados y una gira de conciertos, Madonna y MTV fueron los grandes ganadores de todo esto. Ya que los que estaban en contra del video y la canción, era el público adulto, que nada le aportaba en audiencia a MTV. Al desafiar su contrato corporativo con Pepsi, Madonna le demostró al planeta que su arte era más importante que su dinero.

[Aunque, aquí entre nos, Madonna nunca devolvió los 5 millones.]

Pepsi se lucró de la canción por un día, pero MTV consiguió quedarse con la carrera de Madonna y se benefició de toda la controversia mientras cada vez más y más gente sintonizaba el canal solamente para hacer parte de la revolución.

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Madonna no había grabado nada en 1988. debido al fracaso crítico y comercial de dos películas seguidas, Shanghai Surprise (1986) y Who's That Girl (1987). Su matrimonio con el actor Sean Penn terminó, lo que llevó a la pareja a solicitar el divorcio en enero de 1989. Madonna también había cumplido 30 años, la misma edad a la que murió su madre, por lo que la cantante experimentó un periodo de depresión. Y es entonces cuando empieza a cuestionar su educación católica. La atormentaba la culpa todo el tiempo, y eso, para ella, era lo que quedaba de su educación católica.

Ella pensaba todo el tiempo: En el catolicismo naces pecador y eres pecador toda tu vida. No importa cómo intentes alejarte de él, el pecado está dentro de ti siempre.

Madonna también entendió que a medida que crecía, también lo hacía su público. Sintiendo la necesidad de intentar algo diferente, quería que el sonido de su nuevo álbum dictara lo que podría ser popular en el mundo de la música. Madonna tenía ciertos asuntos personales en mente y escogió asuntos que hasta entonces habían sido meditaciones personales que nunca había compartido con nadie.

Madonna escribió "Like a Prayer" en tres horas, fue la primera canción que se pensó para el álbum y le dio título también.

 

La canción es el canto de una joven apasionada y "tan enamorada de Dios", que es casi como si Él fuera la figura masculina de su vida.

La otra inspiración para la canción, salió de la creencia católica de la transubstanciación... Que es aquella que enseña que el pan representa el cuerpo de cristo y el vino su sangre. También metió palabras litúrgicas en la letra, pero les cambió el contexto para que tuviera un doble significado. Con letras pop sobre la sexualidad y la religión en la superficie, la canción tenía un significado diferente en lo profundo para provocar la reacción de sus oyentes. El productor Patrick Leonard explicó que no se sentía cómodo con la letra y las insinuaciones sexuales presentes en ella. Y es que el primer verso "Cuando dices mi nombre, es como una pequeña oración, estoy de rodillas, quiero llevarte allí"... Claramente hacía relación al sexo oral. Todo el mundo en el estudio estaba aterrado y le pidieron a Madonna que cambiara la letra... pero ella se mantuvo firme en mantenerla.

Madonna quería incluir música gospel como parte de la canción, prácticamente sin instrumentación, solo el sonido de un órgano y su voz. Finalmente decidieron grabarla junto a un coro de iglesia en septiembre de 1988. El Andrea Crouch Gospel Choir... El mismo que un año atrás había grabado Man In The Mirror con Michael Jackson.

Al lanzarse "Like a Prayer" el 3 de marzo de 1989, fue elogiada por críticos, periodistas y académicos. Aunque es diabólicamente bailable, la canción también muestra la extraña habilidad de Madonna para inspirar emociones fuertes y conflictivas durante el transcurso de una sola canción, dejando al oyente rascándose la cabeza en busca de respuestas" y pidiendo mucho más ".

La canción es una mezcla perfecta de lo sagrado y lo profano. Ahí radica el éxito de Madonna con 'Like a Prayer'. Una canción que todavía suena perfecta en nuestros días.

Hey! no hemos hablado del video!

El controvertido video musical de "Like a Prayer" fue dirigido por Mary Lambert y se filmó en enero de 1989. Madonna quería que el video fuera más provocativo que todo lo que había hecho antes. Quería abordar el tema del racismo... El video muestra a Madonna presenciando cómo un grupo de hombres blancos mata a una joven blanca. Mientras un hombre negro es arrestado por el asesinato, Madonna se esconde en una iglesia por seguridad, buscando la fuerza para salir como testigo.

Es la historia de una chica que estaba locamente enamorada de un hombre negro, teniendo un romance interracial prohibido. Ese hombre del que está enamorada canta en un coro. Entonces ella está obsesionada con él y va a la iglesia todo el tiempo. Esa era la intención inicial... Pero con el tiempo se convirtió en una historia más grande, que trataba sobre el racismo y la intolerancia.

El video incluía una subtrama sobre Madonna como testigo de homicidio, que se convirtió en el detonante de un éxtasis sexual y religioso. El papel del santo fue inspirado por Martín de Porras, el santo patrón de los mestizos y todos aquellos que buscan la armonía interracial. El video se filmó en cuatro días, con un día adicional asignado para volver a filmar las escenas del santo, ya que habían usado originalmente un muñeco y no funcionaba bien. Así que se le pidió al actor que volviera a filmar las escenas con un maquillaje que lo hiciera parecer una estatua.

 

Like A Prayer fue votado el segundo video más importante de la década del 80, después de Thriller de Michael Jackson.

En los Estados Unidos, como era de esperarse, "Like a Prayer" llegó al número 1 en el Billboard Hot 100 un 22 de abril de 1989. Fue número uno durante tres semanas, hasta que apareció "I'll Be There for You" de Bon Jovi y le quitó la corona.

Del Hot 100, pasó a la cima del listado Dance, El Adulto Contemporáneo y entró al top 20 de Hot R & B / Hip-Hop... Por qué? No lo sé... Igual, fue una de las canciones más importantes de 1989.

En todo el mundo, esta es la canción más popular de Madonna. Vendió más de 5 millones de copias, lo que la convierte en una de las canciones más vendidas en la historia.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


Delorean musical episodio 12:

Escuche aqúi el episodo 12 dedicado a  '(I Can't Get No) Satisfaction' de The Rolling Stones:

 

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a junio de 1965...

Keith Richards y Mick Jagger se hicieron amigos en la infancia y fueron compañeros de clase en 1950 en Dartford, Inglaterra. A mediados de la década de 1950, Jagger formó una banda de garaje con su amigo Dick Taylor; el grupo tocaba canciones de Muddy Waters, Chuck Berry, Little Richard, Howlin 'Wolf y Bo Diddley.

Un día el destino hizo lo suyo... Jagger se encontró nuevamente con Richards un 17 de octubre de 1961 en la plataforma dos de la estación de tren de Dartford. Las grabaciones de Chuck Berry y Muddy Waters que llevaba Jagger revelaron que los dos tenían un interés común. Una unión musical comenzó ese día. Richards y Taylor a menudo se encontraban con Jagger en su casa. A finales de 1961 se reunían en la casa de Taylor, donde Alan Etherington y Bob Beckwith se unieron; El quinteto se hacía llamar The Blues Boys.

 

En abril de 1962, visitaron el Ealing Jazz Club, donde se encontraron con los miembros de Blues Incorporated, donde estaban el guitarrista Brian Jones, al tecladista Ian Stewart y el baterista Charlie Watts. Finalmente para el 12 de julio de 1962, después de usar el nombre de una canción de Muddy Waters, Jones, Jagger, Richards, Stewart y Taylor tuvieron su primer toque juntos en el Marquee Club de Londres con el nombre que el planeta entero amaría a partir de ese momento... "The Rolling Stones".

 

El 6 de mayo de 1965, The Rolling Stones tocó para unas 3.000 personas en el Jack Russell Stadium en Clearwater, Florida, durante su primera gira por los Estados Unidos. Una noche que terminó fatal para ellos ya que se armó una pelea entre unos 200 fanáticos. Llegó la policía... El concierto tuvo que cancelarse a la cuarta canción y obviamente, totalmente desilusionados debieron volver al hotel. Lo único que quería era tomarse un whiskey y acostarse a dormir. Había sido una noche terrible... Al menos hasta ese momento.

Porque lo que no sabían, era que lo que iba a suceder al irse a dormir... Lo que pasó a continuación parece una historia de ficción, pero es la verdad.

Esa noche, Keith Richards pensó en "Satisfaction" mientras dormía. Se despertó de inmediato, se levantó de la cama con un riff de guitarra pegado en la cabeza y una frase: "I Can't get no satisfaction". Tomó su grabadora de cassette portátil, una Philips 3302, que era lo más moderno que existía en ese momento, se grabó y se volvió a quedar dormido.

Al otro día fue al estudio con ese cassette... Tenía grabados hasta sus propios ronquidos... Pero en medio de ellos, uno de los riffs de guitarra más importantes del rock and roll.

Philips 3302

Grabadora Philips 3302

Ese cassette tenía dos minutos de guitarra acústica, luego un sonido de la guitarra y el pick cayendo al piso y 40 minutos de ronquidos. Keith ni siquiera se acordaba de haber grabado. Ya luego la letra de la canción la escribió Mick Jagger como solo un rockstar lo podía hacer en aquel entonces... En la piscina, acompañado de chicas y con un whiskey en la mano.

Los Rolling Stones grabaron la canción por primera vez el 10 de mayo de 1965 en Chess Studios en Chicago... El mismo estudio donde habían grabado sus ídolos Muddy Waters y Chuck Berry. Y la presentaron por primera vez en el programa de televisión Shindig! Y no les gustó.

Fue ahí cuando se dieron cuenta de que necesitaban grabarla nuevamente. ¡El grupo la volvió a grabar dos días después en RCA Studios en Hollywood, California, con un beat diferente y con la guitarra conectada al famoso pedal Gibson Fuzzbox Maestro, que le daba un sostenido particular al riff de la guitarra. Richards también se había imaginado meter unas trompetas en el riff, pero la magia estuvo en ese pedal.

[Un dato curioso: El éxito de la canción impulsó de inmediato las ventas del Fuzzbox de Gibson, tanto, que para finales de 1965 estaban agotados. Era imposible conseguir uno y seguramente, si usted es músico, entenderá el valor de este aparato.]

Mick Jagger y Keith RIchards pensaban en un comienzo que era una canción tonta y que nada iba a suceder con ella. Incluso pensaron en no sacarla como sencillo. Todos los demás votaron en contra de la idea y la canción estaba lista para lanzarse como sencillo. Como la mayoría de las grabaciones de esa época, "Satisfaction" se lanzó originalmente solo en monofónico. Fue hasta mediados de la década de 1980, que se lanzó la versión estéreo de la canción que usted conoce hoy en día.

La letra describe la irritación y la confusión de la banda con la creciente comercialización del mundo moderno, donde la radio transmite "información inútil" y un hombre en la televisión le dice "qué tan blancas pueden ser mis camisas, pero no puede ser un hombre porque él no fuma los mismos cigarrillos que yo ", una referencia en aquel entonces, al estilo del Marlboro Cowboy. Jagger también describe el estrés de ser famoso y las tensiones de las giras. La frase que dice  "I can't get no girl reaction" fue bastante controversial y fue interpretada por los oyentes (y programadores de radio) como una niña dispuesta a tener relaciones sexuales.

 

Jagger se reía y decía ok... Si están armando problema por eso, es porque no entendieron la frase realmente sucia de la canción... Ya que luego la niña le pide que regrese la semana siguiente porque está "en una racha perdedora", que era una referencia directa a la menstruación. En aquel momento, la canción era considerada perturbadora, tanto por sus connotaciones sexuales como por la visión negativa del capitalismo y otros aspectos de la cultura moderna. La letra era amenazante para un público adulto.. La canción era un ataque de frente al status quo.

Es por esto, que la canción solo se podía escuchar inicialmente e el reino unido a través de las radios piratas como la famosa REM island... Una estación radial construida en una plataforma marítima a seis millas mar adentro de la ciudad de Noordwijk en Holanda.

Lo chistoso de todo este tema, es que Jagger experimentó ese capitalismo de Estados Unidos durante  giras, y ese status quo contra el que tanto pelearon, luego aprendieron a explotarlo, ya que The Rolling Stones hizo millones de dólares gracias a los patrocinios y a la comercialización en los Estados Unidos.

Lo cual, con el tiempo, la convirtió en todo aquello que juraron destruir pero en lo que terminaron convirtiéndose.

"Satisfaction" fue lanzado como single en los Estados Unidos el 5 de junio de 1965 e ingresó al Billboard Hot 100 en Estados Unidos en la semana que finalizó el 12 de junio de 1965, se quedó  allí durante 14 semanas, llegando al número 1 el 10 de julio y tumbando a la canción que parecía indestronable en ese momento "Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch) de Four Tops".

"Satisfacción" se quedó en el número uno durante cuatro semanas y fue la tercera canción más importante de 1965.

Fue la canción que realmente hizo a los Rolling Stones, dejaron de ser una banda cualquiera, para convertirse en una banda gigantesca y monstruosa ... Tiene un título contundente. Tiene un riff de guitarra muy pegadizo. Tiene un gran sonido, que era original en ese momento. Y captura el espíritu de los tiempos, que es algo muy importante en ese tipo de canciones.

 

Al fin y al cabo, solo se necesita esa canción... La que se convierte en su firma como artistas... Tanto así, que el famoso riff de guitarra con el que arranca la canción es conocido como "Las cinco notas que sacudieron al mundo".

Satisfaction fue una de las canciones más sonadas del siglo XX.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


Delorean musical episodio 11:

Escuche aqúi el episodo 10 dedicado a 'One' the U2 :

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

Volvamos a febrero de 1992...

Esta historia comienza a mediados de la década del 70, Larry Mullen Jr., en aquel entonces un estudiante de 14 años en Dublín, Irlanda, publicó una nota en la cartelera de anuncios de su escuela... Una nota que con el tiempo se convirtió en una pieza de la historia musical... "Baterista busca músicos para formar una banda".

 

Varias personas respondieron al llamado y se reunieron en la casa de Larry el 25 de septiembre de ese año. Se instalaron en la cocina, Larry Mullen en la batería... También un joven llamado Paul Hewson en la voz principal, a quien después, gracias a una tienda de aparatos para la audición llamada Bonavox que, además significa Buena voz en latín, conocimos como "Bono"... David Evans a quien apodaron "The Edge" y Adam Clayton, un amigo de The Edge, en el bajo.

En esa reunión también participaron dos amigos más de Larry... Uno simplemente prestó un amplificador pero no sabía tocar... Así que Bye... Y el otro no funcionó.

Dick Evans, el hermano de The Edge, arrancó con la banda...

Si. Inicialmente la banda tuvo 5 integrantes...

Se forma entonces 'La Banda de Larry Mullen', que duró con ese nombre 10 minutos hasta que Bono empezó a cantar y dejó muy claro quien era el lider.

 

Early Bono

 

 

Se llamaban inicialmente FEEDBACK, un grupo que hacía covers de los Rolling Stones, The Clash y Sex Pistols, luego de que Dick se retirara y de ver la reacción de los estudiantes  su música, la banda se llamaría THE HYPE, para luego convertirse en la banda que el mundo entero conocería como... U2.

 

 

Aunque U2 ha grabado 14 álbumes... Al menos hasta 2020 que es cuando se grabó este video por si depronto usted está viendo esto en el futuro... En esta ocasión me voy a detener en uno de ellos. Un álbum vital que salvó su carrera cuando estaba a punto de terminar: El Achtung Baby a finales de 1991.  Achtung Baby fue creado por dos maestros de la composición y la producción: Brian Eno y Daniel Lanois.

 

 

En octubre de 1990, U2 llegó a Berlín en la víspera de la reunificación alemana para comenzar las sesiones de grabación del álbum en el famoso Hansa Studios. Esperando inspirarse en una "Nueva Europa" y una ciudad reunificada, la banda descubrió que el ambiente era sombrío y al mismo tiempo existían conflictos sobre su dirección artística y la calidad de su música. Adam Clayton y Larry Mullen, Jr. preferían un sonido similar al álbum anterior Rattle And Hum, pero Bono y The Edge querían experimentar con la música industrial y electrónica europea... Querían un cambio.

La banda tenía problemas para convertir los demos y las ideas en canciones completas. Bono y the Edge creían que era culpa de la banda, mientras que Clayton y Mullen Jr. creían que el problema era la calidad de las canciones.

Mejor dicho... Todo estaba mal... Tanto, que un día Mullen, quien había creado la banda, se sienta y dice: "Creo que este es el final".

Es entonces que, haciendo un jam en las sesiones de grabación, aparece una canción llamada "Sick Puppy"... Esa canción luego se llamaría "Mysterious Ways".

Pero trabajando en esa canción, la banda probó diferentes progresiones de acordes para el puente. El jam se detuvo y The Edge intenta tocar solo en una guitarra acústica mientras todos se debatían entre si tenían algo bueno o no. A sugerencia del productor Daniel Lanois, The Edge comienza a tocar las secciones de manera consecutiva... Y es ahí cuando nace otra canción. A la banda le gustó la forma en que fluía y animados, deciden comenzar a improvisar juntos. De repente, una energía muy poderosa se apoderó de ese lugar... Todos se dieron cuenta de inmediato que tenían algo muy especial... Era como si se hubieran dado cuenta de lo que la canción podría llegar a ser.

La melodía... La estructura... Todo se creó en 15 minutos. La letra llegó de la nada como un regalo del universo... Y estaba inspirada en la rota relación entre los miembros de la banda... La reunificación de Alemania... Y el escepticismo de Bono sobre esa idea hippie de ser todos iguales, muy influenciada por una invitación que le había hecho el Dalai Lama a un festival llamado Oneness. No! Decía Bono... No somos iguales. De hecho la respuesta que le dio al Dalai Lama, está en la canción... "One—but not the same"... Somos uno, pero no somos lo mismo. Con el futuro de U2 en duda, "One" literalmente fue la canción que reafirmó los lazos y unió a la banda de nuevo... No todo estaba perdido.

Es un recordatorio de que no tenemos otra opción, más que llevarnos bien juntos en este mundo si queremos sobrevivir. Es un privilegio ayudarse... No una obligación.

 

La canción se completó en septiembre de 1991... Pero en la última noche de estudio, a Bono no le gustó una línea de la letra y decidió tardar un día más arreglándola... A The Edge le encantaba la idea de agregar una guitarra en la parte que decía "Love Is A Temple"... Finalmente, después de estos retoques, estaba lista.

"One" fue lanzada como el tercer sencillo del Achtung Baby en febrero de 1992 como una canción benéfica, ya que todas las regalías fueron donadas a diferentes organizaciones de investigación del SIDA en cada uno de los países en los que se lanzó el sencillo.  Y ya que hablemos de esto, pues hay que hablar de la portada del sencillo... Es una fotografía de David Wojnarowicz, quien de hecho murió de SIDA en 1992, unos cuantos meses después de que se lanzara ONE.

 

U2 adoptó su icónica fotografía de los búfalos para la portada de "One".

 

La imagen muestra tres búfalos cayendo de un acantilado después de ser perseguidos por cazadores nativos americanos.

En la parte trasera del sencillo se puede leer: "Wojnarowicz se identifica a sí mismo y a nosotros con el búfalo, empujado hacia lo desconocido por fuerzas que no podemos controlar o incluso entender". El sencillo alcanzó el número siete en la lista de singles del Reino Unido, el número diez en el Billboard Hot 100 de EE. UU. Y Achtung Baby fue el álbum de rock número uno en Estados Unidos para finales de 1991.

Muchos fans de la banda cometen el gran error, al igual que lo vimos con Every Breath You Take de The Police, de tocar esta canción en sus bodas... Y yo lo pensaría dos o tres veces... Porque en esencia, es una canción de separación. La canción también refleja en su letra la relación entre un padre y su hijo que no sabe cómo decirle que es homosexual. Y tiene miedo, ya que su padre es religioso.

[Una historia que coincide perfectamente con la vida del fotógrafo de la imagen del sencillo.] 

Se crearon tres videos musicales para "One". El primero, filmado en Berlín mostraba a los miembros de la banda tocando en Hansa Studios y las imágenes de un Trabants (un automóvil de Alemania Oriental que les gustó como símbolo del cambio en Europa. También fotos de ellos vestidos de drag... Esto último, hizo que este video se cancelara, ya que no querían que le restara importancia a su posición de lucha contra el SIDA de parte de la crítica.

 

El segundo video tenía imágenes de flores abriendo, la palabra ONE en varios idiomas e imágenes en cámara lenta de búfalos corriendo. Al igual que para el primer video, la banda no creyó que este video fuera bueno para promocionar el sencillo. Se grabó entonces un tercer video, intentando atraer a un público más amplio. Fue hecho por el mismo director de Rattle and Hum, Phil Joanou y se grabó en Nell's, un club nocturno de Manhattan. Bono está sentado en una mesa fumando un cigarrillo y bebiendo cerveza. Esto mezclado con imágenes de la banda tocando en vivo.

Un dato curioso...

[Cuando filmaban las escenas con Bono, el resto de la banda, junto con modelos y travestis, armaron una fiesta en el sótano del club, mientras esperaban su turno para ser filmados. Pero nunca fueron llamados al set y a las 3 a.m., se dieron cuenta de que el video se había centrado solo en Bono.]

"One" ha sido referenciada muchas veces como una de las mejores canciones en la historia de la música. Es de esas inmortales que nos han acompañado y nos acompañarán por siempre... Además, hace parte de las canciones del Rock and Roll Hall of Fame que dieron forma al Rock and Roll como lo conocemos.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


 
Delorean musical episodio 10:

Escuche aqúi el episodo 10 dedicado a 'The neverending Story' :

 

 

Volvamos a julio de 1984...

Michael Ende fue un escritor alemán de fantasía y ficción infantil, con grandes trabajos como Momo y Jim Button. Sus obras han sido traducidas a más de 40 idiomas y se han vendido más de 35 millones de copias de sus libros... Muchos de los cuales, se adaptaron como películas, obras de teatro, óperas y audiolibros.

En 1979, escribió una historia fantástica, que se convirtió en película en 1984.

The Neverending Story.

El director alemán Wolfgang Petersen, decide hacer su primera película en inglés y para ello, adapta el libro de Michael Ende. Es la historia de un niño que un día encuentra un libro mágico que habla de un joven guerrero llamado Atreyu, al que se le asigna la tarea de evitar que la Nada, una fuerza oscura, envuelva y destruya el mundo maravilloso de la Fantasía.

[En el momento de su lanzamiento, fue la película más cara producida fuera de los Estados Unidos.]

Cuando el compositor del score Klaus Doldinger estaba haciendo la música de la película, y habiendo sido parte de un grupo de jazz alemán llamado Passport, sintió la necesidad de que la película tuviera una canción original. Y para ello, se comunica con uno de sus grandes amigos, el también compositor, conocido como el padre del disco y pionero de la electrónica moderna, Giorgio Moroder.

Moroder en ese momento ya era responsable del éxito de la carrera de Donna Summer, de Blondie y su canción Call Me para la película American Gigolo y había trabajado en la banda sonora de Scarface... Su sonido, considerado de otro mundo en aquel momento, era exactamente lo que estaban buscando para la película. Teclados mágicos, efectos de sonido de viento que nos transportan... Así que la música estaba cubierta.

Para la composición, Moroder decide llamar a Keith Forsey, con quien el año anterior había hecho la canción What A Feeling para la película Flashdance y que les acababa de entregar un Premio Óscar. Forsey fue quien luego escribió la canción de SImple Minds: Don't You Forget About Me para la película The Breakfast Club, que de hecho, fue nuestro episodio 4... Así que si no lo ha visto, se lo recomiendo mucho. Ok... La letra de la canción también estaba lista.

Pero ¿quién iba a cantar?

Es entonces cuando aparece en la historia un cantante británico llamado Christopher Hamill, quien un día decide invertir las letras de su apellido , para crear su nombre artístico Limahl. Aunque siempre quiso ser actor, tenía una fuerte inclinación por la música, un día ve en un anuncio en el periódico, que una banda llamada Art Nouveau estaba buscando un cantante.

Esa banda luego se convierte en Kajagoogoo quienes, producidos por el Nick Rhodes de Duran Duran, tuvieron su primer y único número 1 en 1983. "Too Shy".

A mediados de 1983, la banda, en desacuerdo con las ideas de Limahl, deciden darle la espalda y sacarlo del grupo.

Limahl

Limahl había conocido a Moroder en el Festival de Música de Tokio y fue invitado a probar su voz en el estudio para la canción de la película.

La voz de Limahl encajaba bastante bien con la canción... Y su imagen era la correcta para la promoción de la película... Tan icónico fue su pelo en los 80, que fue la inspiración para uno de los personajes de los X-Men llamado Longshot

Pero la disquera EMI no quería incluir la canción de la película en un álbum, ya que no creían que fuera a ser un hit siendo una película familiar y sin más canciones en ella. El manager de Limahl , que también era manager de Rod Stewart, tomó el teléfono... Llamó al presidente de la compañía, según cuenta la historia, una llamada bastante subida de tono e incluso amenazó con ir directamente a Alemania si era necesario, hasta que la disquera finalmente cedió.

Se grabaron dos versiones de la canción, una en inglés y otra en francés. Fue un éxito en muchos países, alcanzando el número 1 en Noruega, Suecia, Japón y España... Fue número 2 en Austria, Alemania e Italia, el número 4 en el Reino Unido. La canción le abrió la puerta a Limahl en Estados Unidos al alcanzar el número 6 en el listado adulto contemporáneo de Billboard.

 

The NeverEnding Story terminó siendo el único éxito mundial de Limahl, pero ha resistido el paso del tiempo. Todavía es una canción que suena en la radio y que gracias a la cultura pop hoy está más vigente que nunca y todo se lo debe a una serie de televisión a la que muchas otras canciones le deben su inmortalidad... STRANGER THINGS.

Dustin y Suzie nos clavaron de nuevo la canción en el corazón.

Al igual que "Ghostbusters", "The NeverEnding Story" es tan recordada como la película para la que fue grabada y su inclusión en Stranger Things la consolidó aún más en ese cajón que la serie abre a la nostalgia por todo lo relacionado con la década de los 80.

Incluso si usted no vivió en ella.

Cuando la Temporada 3 de Stranger Things se estrenó el 4 de julio de 2019, "The NeverEnding Story" alcanzó el número 4 en la lista de Viral 50 de Spotify y gracias al audio y video on demand, sus reproducciones se elevaron en un 2.000 % en plataformas de streaming y un 800 % en YouTube.

[Un dato curioso... La resurrección de la canción coincidió con el aniversario 35 del estreno en cines de la película en julio de 1984.]

Existe una versión alemana de la película y en esa versión no existe ni los arreglos electrónicos de Moroder, ni la canción de Limahl... Debe ser muy difícil de ver después de conocer la versión norteamericana.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 


 
Delorean musical episodio 9:

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy @uribedj y quiero que viajemos en el tiempo. 

 

Escuche aquí el episodio: 

Volvamos a mayo de 1983...

A fines de 1976, el baterista Stewart Copeland hacía parte de una banda británica de rock progresivo llamada Curved Air, durante una presentación, intercambió números de teléfono con un ambicioso cantante y bajista (que se ganaba la vida como maestro de escuela) llamado Gordon Sumner... A quien en el colegio apodaron Sting debido a que usaba constantemente un suéter de rayas amarillo y negro como si fuera una abeja.

Sting en aquel entonces estaba tocando en una banda de fusión de jazz-rock llamada Last Exit.

El 12 de enero de 1977, Sting se mudó a Londres y, el día de su llegada, buscó a Copeland, luego apareció Andy Summers, quien impresionó mucho a Sting musicalmente. Ya que el papá de Copeland trabajaba para la CIA, propone un nombre con el que serían conocidos globalmente... THE POLICE.

 

Facebook - The Police

La banda emergió de la escena New Wave británica y comenzó a hacer música muy influenciada por el punk, el reggae y el Jazz, convirtiéndose en uno de los actos musicales de la década del 80 y los líderes de la llamada Segunda invasión Británica... El término con el que se conoció a los artistas del reino unido que, literalmente, invadieron el mercado norteamericano gracias a su exposición en el canal MTV.

Facebook - The Police

Grabaron 5 álbumes como banda.

  • Outlandos d'Amour en 1978, de donde salió "Roxanne"...
  • Regatta De Blanc de 1979, cuyas grandes canciones fueron "Message In A Bottle" y "Walking On The Moon"
  • Zenyatta Mondatta se lanzó en 1980 y tuvo dos sencillos importantes... "Don't Stand So Close to Me" y "De Do Do Do, De Da Da Da"
  • Ghost In The Machine en 1981 con sencillos como "Every Little Thing She Does Is Magic".

Pero en 1983 llegó ese quinto álbum que sellaría el legado de The Police y de Sting para siempre. Synchronicity. Y en ese álbum, venía una de las canciones más mal interpretadas en la historia de la música... Every Breath You Take.

 

Durante muchos años, e incluso hasta este momento para algunos de ustedes, esta es una bonita canción de amor... Pero no hay un mayor lobo con piel de oveja en la música.

Every Breath You Take sale de una historia real y complicada en la vida de Sting.

El estaba casado desde 1976 con la actriz irlandesa Frances Tomelty y vivían en Londres... La mejor amiga de ella, era también una actriz llamada Trudie Styler y vivía en la casa de al lado. Con el paso de los años, Sting se enamora de la mejor amiga de su entonces esposa y se convierten en amantes que viven a una puerta de distancia.

Es por esto que la letra de la canción son las palabras de un amante posesivo que está mirando cada respiración de la otra persona y cada movimiento que hace. Es la canción de un stalker por excelencia. Y aunque suena como una canción de amor que reconforta, tiene un trasfondo siniestro no muy lejano de la figura del Gran Hermano de la novela "1984" de George Orwell. Es una canción sobre ejercer vigilancia y control sobre alguien que se cree propiedad privada de alguna manera.

 

Ya que el romance y la separación fueron supremamente controversiales, para escapar de la opinión pública, Sting se retira al Caribe. Más exactamente a Jamaica, a una casa de campo conocida como Goldeneye... Si, como la película de James Bond. Precisamente porque el dueño de esa casa era Ian Fleming... El creador del famoso personaje. Y fue en la mesa en la que se escribieron las aventuras del agente 007, donde Sting escribió esta canción.

Y no fue fácil de grabar. El proceso estuvo lleno de dificultades a medida que las tensiones personales entre los miembros de la banda, particularmente entre Sting y Stewart Copeland, salían a la luz. Al momento de grabar la que sería la canción más popular de The Police; Sting y Copeland "se odiaban". Tenían constantes peleas verbales e incluso físicas en el estudio.

Las sesiones de grabación se cancelaron 3 veces, hasta que después de una intervención con la banda, llegaron a un acuerdo para continuar.

 

Es curioso que una canción, que salió de un rompimiento triste y complicado, terminó también acabando con la banda.

El video musical estaba basado en el cortometraje de 1944 de Gjon Mili Jammin llamado "The Blues", filmado en blanco y negro con unos tonos de azul. El video muestra a la banda, acompañada por un pianista y una sección de cuerdas en un oscuro salón de baile mientras un hombre lava una ventana enorme que simbolizaba la ventana por la cual Sting seguía los pasos de aquella mujer.

El video fue elogiado por su cinematografía... MTV (1999), Rolling Stone (1993) y VH1 (2001) lo nombraron uno de los mejores videos musicales de la historia. Lanzado en los comienzos de MTV al aire, "Every Breath You Take" fue uno de los primeros videos en entrar en lo que se conoció como la alta rotación, un hecho que contribuyó significativamente a la popularidad de la canción.

El video costó entre $ 75,000 y $ 100,000, pero se vendieron más de 5 millones de álbumes... Así que el retorno de la inversión fue magnífico. El sencillo llegó al número 1 del Billboard Hot 100 durante ocho semanas y fue el único número 1 de la banda en ese listado. También fue número 1 en el Reino Unido durante cuatro semanas.

La canción fue ganadora de 2 Grammys por Canción Del Año y Mejor Interpretación Pop por un dúo o grupo y fue la canción más importante de 1983... La segunda fue Billie Jean de Michael Jackson.

 

En mayo de 2019 fue reconocida oficialmente como la canción más sonada en la historia de la radio.... Un logro increíble que solidifica su lugar en la historia de la composición.

Esa sola canción, ha generado la tercera parte de la fortuna de Sting.

Ahora que sabe de dónde viene la canción y cual es su historia real, espero que no la siga dedicando en situaciones románticas... Y si lo hace, buena suerte con eso.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

Siga la Playlist:


Delorean musical episodio 8:

 

Escuche aquí el episodio:

 

 

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Volvamos a septiembre de 1994...

En 1989, Danny Wilde y Phil Solem de Los Angeles, California, se reunieron para formar una banda.

Wilde había sido miembro de una banda de culto en los 70, llamada The Quick, y había lanzado varios álbumes solistas sin mayor éxito en la década del 80. Wilde y Solem ya habían trabajado juntos en un cuarteto de power-pop conocido como Great Buildings, una banda que lanzó un álbum para CBS en 1981 y de inmediato se disolvió.

 

Facebook The Rembrandts

En 1989 se establecen como The Rembrandts, como un homenaje al pintor Holandés del mismo nombre. Solem y Wilde grabaron un primer álbum homónimo en el estudio casero de Wilde. De este álbum, el grupo tuvo su primer éxito en 1990 llamado "Just the Way It Is, Baby", que llegó al número 14 en el Billboard Hot 100.

 

 

El siguiente álbum Untitled, de 1992, tuvo una canción medianamente famosa en la película de Jim Carrey y Jeff Daniels: Dumb and Dumber... Se llamaba "Rollin 'Down the Hill". Finalmente llegó 1994... Los escritores y productores David Crane y Marta Kauffman estaban cerca de estrenar una nueva comedia en los Estados Unidos, para la cadena NBC... Una serie de la que usted seguro ha escuchado hablar... FRIENDS.

 

Después de ver el capítulo piloto de la serie, al compositor Michael Skloff, que era el esposo de Martha Kauffman, le quedó sonando una frase: "I'll Be There For You" que hablaba sobre la lealtad de los amigos... No importa que tan complicada sea la vida, ahí estaré para ti.

La primera prueba del cabezote de la serie, que inicialmente se llamaba SIX OF ONE, luego FRIENDS LIKE US, para finalmente llamarse FRIENDS, se hizo con la canción Shiny Happy People de R.E.M. y aunque finalmente no quedó, fue una influencia fundamental, ya que los aplausos que existen en la canción de R.E.M. hicieron que The Rembrandts decidieran incorporarlos a último minuto en la mezcla final.

Y bueno... Nadie puede negar que es el elemento con mayor recordación en la canción.

 

 

Un dato curioso, los creadores del programa querían hacer parte de la canción, así que fueron Kevin Bright, Marta Kauffman y David Crane quienes hicieron los icónicos 4 aplausos que quedaron en la grabación... Aunque según cuenta la leyenda, se demoraron 25 tomas para poderlo lograr.

 

Era bastante raro en ese momento que una canción de un programa de televisión se convierta en un éxito radial, o de ventas o que incluso entrara en los listados. Los temas de televisión generalmente suenan muy bien durante los pocos segundos que están en el cabezote, pero no funcionan como canciones completas. Esta fue una excepción, ya que la popularidad del programa le mostró la canción a una audiencia global que la amó de inmediato porque era increíblemente pegajosa y pronto, fue la misma gente la que pidió una una versión completa de la canción.

Nunca se pensó sacar como sencillo. Era simplemente el tema de la serie. Pero un par de DJs de radio en Nashville, Tennessee llamados Charlie Quinn y Tom Peace, grabaron un cassette loopeando la canción como sonaba en televisión... Este cassette se copió y se copió y de cierta manera, se convirtió en uno de los primeros fenómenos virales previos a la explosión de internet. Las estaciones de radio comenzaron a tocarla y con solo 53 segundos de duración, se convirtió en la canción # 1 en reproducciones al aire ese año. Y esto la llevó obviamente al primer lugar del listado Airplay de Billboard aunque nunca llegaron al número 1 del Hot 100. Solo hasta el 17. Extrañamente, fue número 1 en Escocia y en Canadá.

The Rembrandts no querían lanzarla como sencillo, porque ellos no eran los compositores de la canción. Pero en ese punto, y debido a lo que estaba sucediendo, la única forma en que podían lograr que The Rembrandts grabaran la canción completa, era si les daban crédito como compositores... Igual la canción necesitaba un puente, un coro y un segundo verso, así que fueron ellos quienes lo hicieron. Y así nació la versión completa que dura 3 minutos 8 segundos.

 

 

Extrañamente, la banda no tienen crédito sobre el tema corto de la serie, pero si en la canción completa.

Los seis actores de Friends se unieron a la banda en el video musical, que se filmó en un período de tres días en el estudio 8-H del Rockefeller Center... El famoso estudio que desde 1975 sirve de hogar para el icónico show Saturday Night Live.

 

Otro dato curioso, los actores odiaban la canción y por una razón muy simple.

Grabando las tomas que aparecen en el opening del programa en la famosa fuente y el sofá, debían soportar largas jornadas de noche absolutamente empapados y con la canción de fondo.

 

El éxito de la canción fue también clave en el éxito del programa, ya que sus reproducciones constantes en radio eran publicidad gratuita para la serie. Llegó el momento en que no podían coexistir la una sin la otra. Uno pensaría que ante esta fusión tan perfecta, los productores de televisión seguirían esta fórmula y pondrían más esfuerzo en las canciones de las series de televisión, pero sucedió todo lo contrario: los themes de las series o programas de televisión comenzaron a desaparecer a medida que los productores y el negocio del entretenimiento exigían más tiempo de contenido y no querían pagarle a nadie para crear canciones originales.

I'll Be There For You fue el último tema de televisión que se convirtió en una canción comercial exitosa, al menos en Estados Unidos.

Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

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Delorean musical episodio 7:

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy Uribe DJ y quiero que viajemos en el tiempo.

Escuche aquí el episodio:


Volvamos a junio de 1982...

Esta historia comienza en Chicago, a finales de la década del 70...

Jim Peterik era el vocalista y guitarrista de una banda llamada The Ides of March y fue muy afortunado al escapar de la muerte. Cuando no pudo hacer una aparición como invitado en un concierto de la banda "Chase" que se iba a realizar en Jackson, Minnesota el 9 de agosto de 1974. Debió disculparse por motivos personales y por eso no se subió al avión que terminó estrellándose y matando a Bill Chase y a la mayoría de su banda.

A partir de ese momento, Peterik fue conocido como el sobreviviente... Y de ahí la inspiración para el nombre de la siguiente banda que formaría... Survivor.

 

Survivor

Survivor - Facebook

Survivor comenzó su carrera tocando en bares y pizzerías de Chicago de 1978 a 1980... Con el dinero que recogieron, grabaron su primer álbum "Survivor" antes de lograr que Atlantic Records los firmara en 1981 y lanzaran su segundo álbum llamado "Premonition"... Y que curioso que su segundo trabajo, que comenzó a hacerlos notorios en los Estados Unidos, se llamara premonición... Ya que en ese momento la banda se convenció de que grandes cosas venían para ellos... Y no estaba lejos de suceder, solo a 1 año de distancia.

En 1982, el teléfono de Peterik suena y al otro lado de la línea estaba Sylvester Stallone quien se encontraba haciendo la tercera parte de la saga Rocky. A Stallone le gustó mucho una canción de Survivor llamada "Poor Man's Son" y quería tener una canción con ese mismo sonido en la película.

Jim Peterik se quedó en silencio, no podía creer que Sylvester Stallone, quien además era su ídolo, lo estuviera llamando personalmente.

 

Poster original Rocky III

Poster original Rocky II - pastposters.com

Stallone les mandó una edición de la escena con la que abre la película y ya venía con una canción... Another One Bites The Dust de Queen. Así que Jim le dice: "¡Sly, ya tienes una magnífica canción para arrancar la película. No hay como superar a Queen!"

Stallone les había mandado la edición equivocada se ríe y les dice que lo disculpen... Que les había mandado la edición equivocada. Les pidió que trabajaran sobre las imágenes ignorando la canción de Queen, ya que la banda no le dio los derechos para usarla en la película.

Así que podemos arrancar por decir que Survivor, le debe su carrera a Queen.

Al principio, Peterik se preguntaba si llamarla "Eye Of The Tiger" era demasiado obvio. Ya que el borrador inicial de la canción, comenzaba con "It's the eye of the tiger, it's the thrill of the fight"... Querían que la canción originalmente se llamara "Survival" porque siendo una película de boxeo, fue la única palabra que encontraron que rimara con "rival". Al final del día, decidieron quedarse con la frase más fuerte y contundente de la letra: "Eye of the Tiger".

La versión de la canción que aparece en la película es el demo. No estaba completamente mezclada, era un poco más rápida y contenía el rugido de un tigre, que después se quitó para la versión del álbum, que todos conocemos hasta el día de hoy.

 

La canción se convirtió de inmediato en un éxito radial, su video comenzó a rotar en  MTV y encabezó las listas mundiales en 1982. En los Estados Unidos, ocupó el número 1 en el Billboard Hot 100 durante seis semanas consecutivas (la única canción de la banda en llegar al número 1 del Hot 100 en su carrera). También llegó al número 1 en el Reino Unido y fue la segunda canción más importante de 1982 detrás de "Physical" de Olivia Newton-John.

La canción estuvo quince semanas consecutivas dentro del el top 10, un logro impresionante para cualquier canción en ese momento... Un record que compartió con otras 2 canciones durante toda la década del 80... "Physical" de Olivia Newton John y coincidencialmente también lo logró otra canción... "Another One Bites the Dust".

SI... La canción que no quiso hacer parte de Rocky 3.

Eye Of The Tiger ganó el Grammy a "Mejor interpretación de rock por dúo o grupo" y fue nominada al Oscar como mejor canción original. Esto hizo que ese álbum tuviera unas ventas increíbles... Pero el siguiente álbum de la banda, fue una desilusión absoluta. Su cantante Dave Bickler tuvo un  problema con sus cuerdas vocales y fue reemplazado por Jimi Jamison... A quién usted seguramente recuerda en los 90 por haber cantado "I'm Always Here", tema principal de Baywatch.

 

 

A pesar de tener ya una canción que pasaría a la historia, la banda había caído y su éxito estaba en la cuerda floja... Fue entonces, cuando en 1985, el teléfono sonó otra vez... Y una vez más era Sylvester Stallone preguntando si podía incluir la canción de nuevo en Rocky 4...

La banda aceptó de inmediato y además, ya que estamos en eso, que tal si hacemos una canción para esa película también?

Y es ahí donde aparece "Burning Heart". Bueno... Pero esa es otra historia.

El video de Eye Of The Tiger abrió la puerta a una práctica que se volvió común para promocionar las películas en la década del 80... Incluir escenas de la película mientras la banda toca la canción.

Sucedió con Flashdance, Footloose, Top Gun y muchas más.

 

[Un dato curioso... Aunque la canción fue el tema principal de Rocky, nunca se negociaron derechos de exclusividad, por lo que la canción se usó en 1986 como el tema principal de una película con el mismo nombre, protagonizada por Gary Busey.]

 

Eye of the tiger ha sido y será una pieza vital de la cultura popular.

Pocas canciones producen lo que Eye Of The Tiger... Es una canción que motiva, que energiza de inmediato. Una canción sin tiempo... Una de esas canciones que sonará por siempre. Cuénteme a qué canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

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Delorean musical episodio 6:

 

Escuche el programa aquí:

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Volvamos a diciembre de 1993...

Existe una antigua canción de cuna británica llamada "One for Sorrow" y esta es una rima supersticiosa según la cual, contar urracas, que son pájaros de la misma familia del cuervo, puede traer buena o mala suerte según la cantidad que se llegue a contar...

 

Contar cuervos canción infantil británica

 

Un joven llamado Adam Duritz que trabajaba en el sector de la construcción pero que decide luego dedicarse a cantar, escuchó esa rima en la película Signs of Life de 1989 y de inmediato lo dejó pensando...

Hmmm contando cuervos... Es de ahí que decide bautizar su banda como Counting Crows.

 

Early Counting Crows

 

El álbum debut de la banda se llamó "August and Everything After" y fue lanzado en septiembre de 1993. El primer sencillo de ese álbum es la canción en la cual aterriza nuestro DeLorean Musical el día de hoy... "Mr. Jones"Una canción cuya disquera, Geffen Records, no quería usar porque pensaban que "Murder Of One", que hacía parte del mismo álbum, era mucho mejor...

 

 

Pero Adam y la banda pelearon para que el primer sencillo fuera Mr Jones, ya que la consideraban una canción con una historia muy honesta. La canción habla de una persona real: Marty Jones (que era bajista de una banda llamada The Himalayans y amigo de la infancia de Adam Duritz). Durante muchos años, la gente pensó que la frase del coro "Mr Jones And Me", se refería a la adicción a las drogas... Debido a que la palabra "jonesing" significa tener una fijación con algo o ser adicto a algo.

Pero no. La canción no tiene nada que ver con drogas... 'Mr Jones' habla de dos amigos en un bar mirando chicas... Enamorándose de ellas al verlas bailar... Fantaseando con poder acercarse y hablarles, pero la timidez no los deja. Una de ellas era latina y su nombre era María... De hecho aparece referenciada por ahí en varias canciones de los Counting Crows.

 

 

A propósito, era un bar real llamado New Amsterdam en San Francisco, que hoy en día se llama International Sports Club. Famoso por sus techos llenos de billetes. Estos dos amigos deciden sentarse a beber mientras reflexionan sobre el sueño de ser famosos. Es de ahí que sale la frase "Cuando todo el mundo me ame, nunca estaré solo", que finalmente terminó siendo mentira.

Inicialmente Duritz cantaba la canción sin darle mayor importancia, solo disfrutando del momento... Pero unos meses después, en diciembre de 1993, sucedió algo increíble. MTV comenzó a rotar el video de la canción, convirtiéndola en un gran éxito... Haciendo que sonara en la radio mundial y lanzando a la banda al estrellato internacional.

"Mr. Jones" debutó en el Billboard Hot 100 de los Estados Unidos para el 19 de febrero de 1994 y entró en el top 10 cinco semanas después. El 14 de mayo de 1994, la canción alcanzó su posición más alta en las listas estadounidenses en el número cinco. Nunca llegó al número 1, opero eso no evitó que se convirtiera en un ícono de la década del 90.

 

Kurt Cobain 1991 - Creative Commons - Julie Kramer

El momento de éxito de la banda coincidió con la muerte de Kurt Cobain. Lo que deprimió a Duritz por un tiempo. Estos eventos y los sentimientos que generaron, fueron la base de "Catapult", la primera canción de su segundo álbum "Recovering The Satellites". En el momento en que los Counting Crows alcanzaron la fama con la canción y 'Mr Jones' se convirtió en el primer éxito de la banda, Adam Duritz se dio cuenta de la triste realidad... No existe tal cosa como ser amado por todo el mundo. Nunca va a suceder.

 

Aunque es una canción sobre seguir los sueños y ser feliz...

 

El sueño de ellos como artistas era que la vida sería más fácil si eran estrellas de rock... Tal vez si pudieran escribir como Bob Dylan... Seguramente así, también sería más fácil hablar con una chica. Pero nunca ocurrió.

 

[Como dato curioso, Bob dylan tiene una canción llamada 'Ballad Of A Thin Man', cuyo personaje central se llama Mr Jones... Pero no tiene nada que con nuestra canción. O eso aseguran los Counting Crows.] 

 

La canción insinuaba que la fama los sacaría de la soledad, pero terminó siendo todo lo contrario. Mr Jones se convierte en una canción sobre soñar con la fama cuando la fama solo había traído amargura.

Marty Jones terminó haciendo música por su lado y rechazó ser el bajista de los Counting Crows, por lo que Adam Duritz terminó alcanzando la fama solo... Sin su gran amigo... Tal cual como, con nostalgia, lo dice el final de la canción.

 

Mr Jones y yo... Vamos a ser grandes estrellas.

Mr Jones And Me... We're gonna be Big Stars...

 

[Otro dato curioso. El título de la canción influenció el término "Generación Jones", que es con el que se denomina a las personas nacidas entre 1954 y 1965... El final de los Baby Boomers y los primeros años de la generación X.]

 

Cuénteme a que canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

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Delorean musical episodio 5:


Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy Uribe DJ y quiero que viajemos en el tiempo:

​​​​​​Volvamos a febrero de 1991...

El sueño profundo... o sueño de movimiento ocular rápido, conocido como Rapid Eye Movement, cuyas siglas son R.E.M, es el término que inspiró el nombre de una banda creada por Michael Stipe en 1980 cuando se conoció con Peter Buck en la tienda de discos en la que trabajaba en aquel entonces en Georgia, Estados Unidos.

 

Michael Stipe joven

Michael Stipe, 1980

 

Una banda de rock alternativo, conocida por su estilo particular de guitarra arpegiada, una voz diferente, la presencia escénica única, letras oscuras, líneas de bajo melódicas y una batería fuerte.

A principios de la década de 1990, otras bandas de rock alternativo como Nirvana y Pavement vieron a R.E.M. como pionero del género.

 

R.E.M. jóvenes

 

Su álbum de mayor éxito comercial fue el 'Out of Time' de 1991, que los llevó a la vanguardia del rock alternativo justo cuando se estaba convirtiendo en la corriente principal de esa década. 'Out of Time' recibió siete nominaciones al Grammy en 1992. Fue el artista con más nominaciones ese año. De las 7 se llevó tres... Mejor álbum alternativo y otros dos premios para una canción que hacía parte de ese disco...

 

Cover Out of Time

Cover 'Out of Time'

 

La mejor interpretación vocal por un dúo o grupo y el Mejor video musical, fueron para la canción en la que aterriza nuestro DeLorean Musical el día de hoy: "Losing My Religion".

'Losing My Religion' fue el sencillo más exitoso de la banda y el más vendido en toda su carrera.

 

 

¿Pero, cómo es posible que sucediera eso?

Hasta el día de hoy, aún es una sorpresa incluso para los miembros de la banda... Ya que todo comenzó con un riff hecho en mandolina... ¿A quién se le ocurría usar una mandolina en una canción de rock?

Peter Buck hizo ese riff mientras miraba televisión. El hombre acababa de comprar su mandolina e intentaba aprender a tocarla y mientras practicaba, se iba grabando. Así que empecemos por decir que cada vez que usted escuche "Losing My Religion", recuerde que ese sonido icónico es alguien aprendiendo a tocar un instrumento.

La grabación de la canción comenzó en septiembre de 1990 en Woodstock, New York. El setting en el estudio era el más básico: una mandolina, una guitarra, un bajo y una batería. Al bajista Mike Mills se le ocurrió una línea de bajo inspirada en John McVie de Fleetwood Mac.

El cantante Michael Stipe decide sacar a todo el mundo del estudio... Les dijo: "Vayan por un café y vuelvan en 5 minutos..." Aprovechando el calor, se quita la ropa casi quedando desnudo y por decisión propia, graba la voz en una sola toma ya que, según el, se perdería la esencia si se repetía varias veces.

La frase Losing My Religion es un antiguo término sureño que significa que algo ha desafiado tu fe a tal punto que podrías perder tu religión. Te hace sentir frustrado y desesperado. Pero la canción no tiene nada que ver con religión... Es una canción de un amor no correspondido. De acercarse y alejarse constantemente de alguien sin saber si esa otra persona sabe que existes.

Es una canción de "alguien que suspira por alguien más, pero sus suspiros no son correspondidos. Es una canción clásica de obsesión..." De la misma manera que lo fue "Every Breath You Take" de The Police en 1983. Y funciona muy bien porque las mejores canciones siempre serán aquellas que cualquiera puede escucharla y decir: 'Sí, ese soy yo'.

El video musical de "Losing My Religion" fue dirigido por Tarsem Singh. Michael Stipe quería emular a "Nothing Compares 2 U" de Sinéad O'Connor. Pero el director quería crear un video al estilo del cine indio.

 

Captura de video Losing my religion

 

EL video no tenía forma y no estaba funcionando... Entonces Michael Stipe le dijo: Déjeme bailar... El admiraba tanto a Sinead O'Connor, que su baile en el video es copiado del baile de ella en su video "Emperors New Clothes".

 

 

Finalmente... y mucha gente no sabe esto, el concepto del video está inspirado en un cuento de Gabriel García Márquez llamado "Un señor muy viejo con unas alas enormes" en el que un ángel se estrella en una ciudad y los aldeanos tienen sentimientos encontrados hacia él.

El video comienza con una breve secuencia dentro de una habitación oscura donde el agua gotea desde una ventana abierta. Esta es una referencia a una escena de la película de Andrei Tarkovsky llamada 'The Sacrifice'. También hay referencias al pintor italiano.

El video musical fue nominado a nueve categorías en los MTV Video Music Awards de 1991. Ganó seis premios, incluyendo Video del año.

Después de que Bill Berry dejara la banda en 1997, R.E.M. continuó su carrera en la década de 2000 con poco éxito comercial. Finalmente se separaron amigablemente en 2011 al completar 30 años de carrera y después de haber vendido más de 85 millones de discos y convertirse en uno de los artistas musicales más rentables del mundo.

 

R.E.M.

 

En gran parte, gracias a una canción que se lanzó un 19 de febrero de 1991, hecha con una mandolina... Sin coro... Y de casi cinco minutos de duración.

Cuénteme a que canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 


Delorean musical episodio 4:

 

Bienvenidos nuevamente al DeLorean Musical, soy Uribe DJ y quiero que viajemos en el tiempo

 

 

Volvamos a febrero de 1985...

Este viaje arranca con una banda de rock británica que se formó en Glasgow, Escocia en 1977 por el cantante Jim Kerr y el guitarrista Charlie Burchill que comenzaron tocando en una banda de colegio.

 

 

Influenciados por la música de David Bowie, un día en 1972, estaban escuchando una de sus canciones, llamada "The Jean Genie"... En cuya letra aparece esta frase:

He's so simple-minded, he can't drive his module

He bites on the neon and sleeps in a capsule

Loves to be loved, loves to be loved

 

Y las palabras Simple-minded, o gente de mente simple, de inmediato resonaron en su cabeza... Es cuando deciden llamarse SImple Minds.

Tuvieron cinco álbumes número uno en la lista de álbumes del Reino Unido y han vendido más de 60 millones de copias. Fueron además, la banda escocesa más exitosa comercialmente de la década de los 80.

Pero a pesar de la popularidad de la banda en el Reino Unido, Europa, Canadá y Australia, Simple Minds seguía siendo desconocido en los Estados Unidos hacia 1985, a pesar de tener varios álbumes en su carrera para cuando comenzó el año. Y es que la filial de la disquera en Norteamérica rechazó los sencillos de la banda. Pero fue una película de John Hughes en 1985 llamada The Breakfast Club la que introdujo finalmente a Simple Minds en el mercado estadounidense, cuando lograron su único éxito pop número uno en Estados Unidos con una canción que se lanzó un 20 de febrero de 1985 y que llegó al top de los listados en abril del mismo año. La canción hecha para la película: "Don't You (Forget About Me)".

 

 

Una película sobre cinco adolescentes en una detención de la escuela un sábado en la tarde, que tenían todos los estereotipos de la escuela secundaria imaginables: el deportista, la reina del prom, el nerd, la problemática y el forastero silencioso. La canción era fundamental para enmarcar la película, sonaría un poco al comienzo... Coincidencialmente con una frase de David Bowie referente a la juventud sacada de su canción changes y luego por completo en el cierre.

Don’t You (Forget About Me) "podría haber tenido muchas vidas antes de la vida que finalmente tuvo. Pero la canción tuvo que pasar por mucho antes de ser grabada.

La canción fue escrita y compuesta por el productor Keith Forsey y Steve Schiff mientras hacían el score para la película The Breakfast Club. Ambos eran fanáticos de Simple Minds y escribieron la canción con la banda en mente. Forsey le mostró el demo a A&M Records, sin embargo, A&M nunca le informó a Simple Minds.

Ante la no respuesta por parte de la banda, Forsey le ofrece la canción a Billy Idol y a Bryan Ferry, quienes rechazan de inmediato la canción.

Se la muestran a la banda The Fixx... Tampoco la quisieron.

La disquera propuso a Corey Hart quien era exitoso en ese momento con "Sunglasses At Night", pero la voz de Corey no sonaba bien en la canción. Al parecer nadie la iba a cantar.

Es cuando deciden hacer un segundo intento con Simple Minds.

Comenzando 1985, el año del lanzamiento de la película, Simple Minds necesitaban pegar un hit en Estados Unidos pero terminaron encontrándose de frente con una canción que nadie quería... Una canción rechazada por todo el mundo.

La banda estaba frustrada de que al intentar encontrar el éxito en el mercado de los Estados Unidos no habían logrado sonar en la radio y no veían cómo la grabación de esta canción pudiera ayudar en algo.

 

 

La banda cedió después de recibir una llamada telefónica de Forsey en la que reiteró su admiración por la banda y en la que les aseguraba que estar en una película de John Hughes sería la oportunidad perfecta.

La banda decide ir a un estudio al norte de Londres y graba Don't You (Forget About Me) en tres horas como por cumplir, pero de inmediato se van y se olvidan de ella, ya que estaban seguros de que la canción sería descartada de la banda sonora de la película.

Pero que equivocados estaban.

De hecho, la canción estaba tan incompleta, que la banda decidió agregar los cantos "La LaLaLaLa" como rellenos vocales en el proceso de grabación... Rellenos que terminaron convirtiéndose en parte icónica de la canción... Y fue cuando grabaron esos rellenos que realmente se dieron cuenta de que habían grabado algo con verdadero potencial comercial. No hay nada como un gancho pegajoso en el pop.

 

 

La canción logró que la banda alcanzara el éxito comercial e impulsada por el ruido de The Breakfast Club, se convirtió en número 1 en los Estados Unidos y Canadá. También es el único número 1 de la banda en la lista de Top Rock Tracks de EE. UU. y se quedó en el top de las listas durante tres semanas.

Si bien solo alcanzó el puesto # 7 en el Reino Unido, permaneció en las listas de éxitos por dos años, desde 1985 hasta 1987, uno de los períodos de tiempo más largos para cualquier sencillo en la historia de las listas.

La canción solo se quedó en la banda sonora de la película y no apareció en su álbum siguiente llamado "Once Upon a Time", pero sí apareció luego en su recopilación de grandes éxitos de 1992. Obviamente se convirtió en la canción obligatoria en vivo de la banda, donde la famosa improvisación de relleno, se convirtió durante años en la sección de participación del público.

Se crearon dos versiones para su lanzamiento. Una versión corta, de 4:23 de duración, apareció en el sencillo y en el álbum original de la banda sonora de The Breakfast Club. Una versión más larga, de 6:32 de duración, fue lanzada como un single de 12 pulgadas. Esto, debido a que la gente la estaba pidiendo en las discotecas.

Lo que hizo de 'Don't You Forget About Me', una canción romántica y melancólica, pero que era capaz de llenar una pista de baile.

 

Delorean Musical - episodio 4

Luego de su éxito con la canción, sellaron su posicionamiento en el mercado mundial con Alive And Kicking y obviamente su presentación en el histórico Live Aid.

En la canción, al igual que en la película, siempre habrá un nuevo amanecer para cada uno de nosotros, sin importar qué secretos haya en toda una vida de amistad. Hay amigos del colegio con los que de pronto nos encontramos en el supermercado o en un concierto y nos saludamos, nos abrazamos, actuamos como si el tiempo no hubiera pasado.

 

Simple Minds hoy

 

Y es que el tiempo permite que crezca esa mentira piadosa de afecto entre las personas, y lo que hace que The Breakfast Club y "Don't You (Forget About Me)" funcionen tan bien juntas, es que la película pasa todo el tiempo hablando de un mito difícil de creer... Pero la escena final, junto con la canción, hacen que ese mito sea creíble. Aunque solo sea por unos pocos minutos.

Cuénteme a que canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 


 
Delorean Musical episodio 3:

 

Escuche aquí el tercer episodio del 'Delorean Musical':

Volvamos a junio de 1985...

Los hermanos Mark y David Knopfler, de Newcastle, en el noreste de Inglaterra, junto a sus amigos John Illsley y Pick Whiters, formaron una banda en 1977. En ese entonces, Mark trabajaba como profesor en la escuela de arte y David era un trabajador social. Mark y Withers ya tenían un grupo que tocaba en los pubs de vez en cuando por allá en 1973.

Aquella banda se conoció inicialmente como "Café Racers", pero un día, mientras ensayaban en la cocina de un amigo llamado Simon Cowe, el hombre de repente les dijo: Man! We're really in Dire Straits... La frase "In Dire Straits", significa en español algo así como: "Estar en una situación difícil muy complicada de arreglar".

Es en ese momento que se establece DIRE STRAITS como banda.

Dire Straits, 28 Ottobre 1978, Musikhalle Amburgo

Creative Commons: Heinrich Klaffs - Dire Straits, 28 Ottobre 1978, Musikhalle Amburgo

El grupo grabó un demo que contenía cinco canciones y con el, tocaban puertas buscando una oportunidad... La mayoría de compañías discográficas los rechazó.

Entonces, llevados por el desespero, deciden hablar con el DJ Charlie Gillett, presentador de un programa llamado Honky Tonk en BBC Radio Londres. La banda se acercó simplemente buscando consejos de qué poder hacer, pero a Gillett le gustó tanto la música que puso una de las canciones del demo al aire... La canción "Sultans of Swing". Fue gracias a eso, que Dire Straits firmó un contrato de grabación con la división Vértigo de Phonogram Inc. antes de pasar a formar parte de los assets de Warner Music.

Después de 4 álbumes, que reflejaban las experiencias de Mark Knopfler en Newcastle, Leeds y Londres, llega ese famoso quinto disco llamado "Brothers In Arms" en el que, usando una máquina de grabación de 24 tracks, la banda decide experimentar en ese mundo digital que se abría para la industria de la música. Este álbum entró en la lista de los álbumes más exitosos del mundo de todos los tiempos.

De ese álbum salió la canción que les daría fama mundial. Un track con un hook internacionalmente reconocido, en forma de riff de guitarra que comienza la canción.

Un riff hecho con una Gibson Les Paul adaptado de los sonidos de Billy Gibbons de ZZ Top. Lo anecdótico acerca de esta grabación, es que la magia de su sonido fue accidental, gracias a que dos micrófonos que estaban abiertos durante la sesión hicieron feedback.

DELOREAN MUSICAL EPISODIO 3

La idea detrás de la composición son los excesos de las estrellas de rock y la vida fácil que trae en comparación con el trabajo real de muchas personas.

La canción habla sobre un tipo que trabaja en una tienda de electrodomésticos donde venden televisores, cocinas, refrigeradores, microondas. Y es él quien canta la canción en primera persona. Es una historia real... Mark Knopfler estaba en New York y entró a ese almacén. En la parte trasera de la tienda, había una pared de televisores que estaban sintonizados en MTV. Ahí estaba un hombre trabajando, con una gorra de béisbol, botas de trabajo y una camisa a cuadros entregando cajas.

Mientras estaban parados mirando un video en MTV, Knopfler recuerda al hombre diciendo frases como: "¿qué son esos ruidos hawaianos? ... eso no funciona"... refiriéndose a un músico "golpeando los bongos como un chimpancé" y una mujer "pegada a la cámara diciendo hombre podríamos tener un poco de diversión". Describe de manera despectiva al cantante, en aquel entonces, como "un pequeño homosexual con arete y maquillaje", y lamenta que estos artistas obtengan "dinero por nada y mujeres gratis".

Debido a esto, durante años, la letra de esta canción fue criticada por ser homofóbica.

A raiz de esto, la banda en sus shows en vivo reemplazó la palabra faggot por Queenie y su versión original comenzó ser censurada en las estaciones de radio.

El bajista de Mötley Crüe, Nikki Sixx, siempre ha afirmado que la canción era sobre el escandaloso estilo de vida de su banda. Según el, los miembros de Dire Straits estaban en una tienda que vendía televisores, y los televisores estaban reproduciendo videos de Mötley Crüe.

Nikki Sixx

Creative Commons: Christopher Peterson - Nikki Sixx 

Los créditos de composición los comparten Mark Knopfler y Sting. Mucha gente no lo sabe, pero Sting es quien hace la famosa línea "I want my MTV", que canta siguiendo la melodía de su canción "Don't Stand So Close to Me".

La famosa frase "I Want My MTV" era la frase de campaña del canal por aquellas épocas.

La canción se grabó en un estudio de una isla llamada Montserrat, donde Sting solía ir a practicar windsurf y un día fue a cenar al estudio. La banda estaba ensayando "Money for Nothing". Sting se dio la vuelta y les dijo:" Lo lograron malditos... A lo que Mark agregó: Si le parece tan buena, ¿por qué no le agrega algo? Y bueno... Lo hizo.

Si uno va a hablar de Money For Nothing, obligatoriamente debe hablar de su video musical...

 

El video musical de Money For Nothing, es una de las primeras animaciones que se hicieron por computadora que, básicamente, ilustra la letra cuadro a cuadro. El video fue también uno de los primeros en usar personajes humanos animados por computadora y rompió todos los esquemas existentes en el momento de su lanzamiento

Originalmente, Mark Knopfler no estaba muy entusiasmado con el concepto del video musical. MTV, sin embargo, insistió en que lo hicieran de esa forma. El director fue Steve Barron, el mismo que hizo el video de nuestro Delorean anterior... El famoso video de Take On Me de la banda A-Ha también de "She Blinded Me With Science" para Thomas Dolby.

Barron fue contactado para persuadir a Knopfler de que cediera ante la idea... El problema era que Mark Knopfler era muy anti-videos. Todo lo que quería hacer era tocar en vivo... El creía que los videos musicales y el canal MTV destruirían la pureza de los compositores e intérpretes. Contrario a esto, a MTV le encantaba la canción, pero no la iban a rotar si simplemente el video era de un tipo con su guitarra cantando... Necesitaban un concepto detrás.

Barron tuvo que viajar a Budapest para convencer a Knopfler de su concepto, pero el seguía en desacuerdo.

Es a la novia de Mark Knopfler a quien la historia debe agradecer, pues fue ella quien se puso del lado del director y de MTV. Solo eso bastó. Ian Pearson y Gavin Blair crearon la animación, utilizando la tecnología existente en aquel entonces.

Screencapture YouTube 

El video también incluye escenas de la actuación de Dire Straits, con animación encima del video con colores neón. Otro buen uso de la técnica rotoscópica en ese momento.

Como dato curioso, existen dos videos musicales que viven dentro del video de "Money for Nothing"... "Baby, Baby" de "First Floor" durante el segundo verso, que realmente era una canción de la banda húngara Első Emelet llamada "Stop or I'll Shoot! y el otro es ficticio y supuestamente se llama "Sally" de "Ian Pearson Band".

La otra versión famosa del video fue la parodia hecha por el comediante Weird Al Yankovick:

La canción fue lanzada el 24 de junio de 1985 y fue nominada al Premio Grammy como Disco del Año y Canción del Año, pero perdió ambas nominaciones con We Are the World de USA por África en la entrega número 28 de los Premios Grammy en 1986. Sin embargo, la canción ganó el Grammy a Mejor interpretación Rock de un dúo o grupo.

Así como "Video Killed The Radio Star" fue el primer video que salió al aire cuando se lanzó MTV... Money For Nothing fue el primer video reproducido cuando se lanzó MTV Europa el 1 de agosto de 1987, seis años después de MTV en los Estados Unidos.

Cuénteme a que canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo DeLorean musical.

Soy @uribedj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!


Delorean Musical episodio 2:

 

Volvamos a octubre de 1984...

Con una canción que no iba a existir, pero que se abrió camino en la historia.

En Noruega existió una banda llamada Bridges... La banda fue creada en 1978 por Pål Waaktaar y Magne Furuholmen. En 1980, lanzaron un álbum llamado Fakkeltog (que en español significa algo así como desfile de antorchas) esto debido a que la banda creía ser muy punk y muy oscura... Por eso dejaron por fuera una de las canciones que habían ensayado como banda... Una canción llamada 'Miss Eerie'. Y decidieron casi que tirar esa canción  a la basura porque les parecía muy pop... Tanto así, que la misma banda le decía "The Juicyfruit Song" porque sonaba como a los comerciales de Coca Cola de comienzos de los 80... Y lo que la banda odiaba de la canción era el riff de sintetizador.

Esta canción a la que querían darle un aire mas punk, inspirándose en The Doors, simplemente no les servía... Aunque los integrantes de la banda aceptaban que era bastante pegajosa, por lo tanto comercial... Y por eso, no iba con su mentalidad en aquel entonces.

La banda Bridges no funcionó. sus dos integrantes se fueron a Londres a probar suerte y ninguna puerta se les abrió. Seis meses después, ya cansados y desilusionados, regresan a Noruega.

Es cuando conocen a un joven cantante llamado Morten Harket. que había sido uno de los pocos fans que la banda Bridges había tenido cuando se presentaron en su colegio, y deciden entonces comenzar a trabajar de nuevo ahora bajo el nombre "A-ha". Es entonces cuando Morten encuentra la grabación de Miss Eerie y al escuchar el riff, le dice a la banda: Esta es la llave que abrirá el mundo!

Pasó entonces a llamarse "Lesson One", para luego convertirse en "Take On Me".

En enero de 1983, la banda regresó a Londres en busca de un contrato discográfico y Andrew Wickham, quien era el A&R de Warner Brothers Records, escuchó la canción y no podía creer el rango vocal de Harket... ¿Cómo era posible que alguien que se veía como un actor de Hollywood, pudiera cantar como Roy Orbison?

Así que los firmaron de inmediato después de oír "Take On Me".

Delorean musical - episodio 2

Problema número 1: Había que re-mezclar la canción.

Así que entraron al estudio con el productor Alan Tarney y usando el famoso sintetizador ROLAND JUNO-60, lograron darle el sonido final.

Problema número 2:  El video de la canción.

Como era un trío de muchachos que se veían bien y sonaban bien, necesitaban un tratamiento más cinematográfico.

El video original era fatal.

Para 1985, la canción ya se había lanzado 2 veces y nadie le había puesto atención. Aparece entonces el jefe creativo de la compañía discográfica llamado Jeff Ayeroff con una idea loca.

El había visto una animación hecha por Michael Patterson en rotoscopia llamada "Commuter"...

Nace de ahí la idea de convertir a la banda en heroes de comic que saltan al mundo real.

Al ver las primeras ilustraciones de la idea, ya no había vuelta atrás... Ese era el camino.

Y funcionó a la perfección.

La animación del video tardó 16 semanas y el material en vivo se filmó en un lugar llamado Kim's Café, que luego de años cambió su nombre a Savoy Café en una esquina de Londres, donde aún la gente va a tomarse fotos referentes a Take On Me.

 

Savoy cafe

La canción hace parte del álbum debut de la banda llamado "Hunting High & Low", del cual salieron otros 2 éxitos: "The Sun Always Shines On TV" y "Hunting High and Low".

La amplia exposición en MTV lo convirtió en un ícono del video musical e hizo que la canción llegara rápidamente al número 1 del Billboard Hot 100 el 19 de octubre de 1985, permaneciendo en el listado durante veintisiete semanas y convirtiéndose en una de las canciones más importantes de ese año.

El video musical fue remasterizado en 2019 de su archivo original de 35 mm y lanzado en YouTube en formato 4K.

El 17 de febrero de 2020, el video alcanzó un billón de visitas en YouTube. Solo cinco canciones del siglo XX han alcanzado esa marca: "November Rain" y "Sweet Child o 'Mine", "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana y "Bohemian Rhapsody" de Queen "- haciendo de" Take On Me "el quinto video del siglo pasado en hacerlo.

Una canción y un video que trascienden en el tiempo, básicamente porque es un cuento de hadas... Es una historia de amor muy bien contada en 4 minutos. De esas que nunca pasarán de moda.

Cuénteme a que canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo Delorean musical.

Soy Uribe dj… Hasta la próxima. Let’s Go Doc!!

 

 

 


Bienvenidos al primer episodio del Delorean Musical, soy UribeDJ y quiero que viajemos en el tiempo.

 

Volvamos al verano de 1985.

 

 

En el afán que existe hoy día por todo, es difícil imaginar que una canción o una película dominen los listados o la taquilla en los cines por mucho tiempo. Pero eso es exactamente lo que sucedió con Back to the Future: llegar a los cines el 3 de julio de 1985 y tomar el puesto número uno por un total de 11 semanas.

La canción de la película se convirtió en un clásico instantáneo.

Y qué mejor forma de arrancar esto, que con la canción que originó toda esta idea… The Power Of Love de Huey Lewis & The News.

Huey Lewis and The News es una banda de San Francisco, California, en los Estados Unidos. Si… tuvieron una serie de sencillos importantes en su carrera durante la década de los 80… Su álbum más exitoso, Sports, fue lanzado en 1983 y contó con la rotación de sus videos en el canal MTV... Pero nada los prepararía para lo que iba a suceder cuando su canción llamada "The Power of Love" apareciera en la película de 1985 Back to the Future.

"The Power of Love" alcanzó el número uno en el listado del Billboard Hot 100 para el verano de 1985 durante tres semanas.

La canción fue nominada al premio Oscar a la Mejor Canción Original, pero perdió contra la canción Say You, Say Me de Lionel Richie, que había sido escrita para la película White Nights.

El compositor Alan Silvestri, quien hizo el score de la película, sugirió a Huey Lewis como el artista que podría crear una canción original para Back to the Future. El director Robert Zemeckis le mostró a Huey la escena en la que Marty va en patineta hacia la escuela, que es donde se usaría una de sus canciones porque la idea era poder tener algo parecido a su canción I Want A New Drug.

I Want A New Drug había dado mucho de qué hablar en 1984, debido a un problema legal entre Huey Lewis y el cantante Ray Parker Jr.

Delorean Musical - Uribe DJ

Los productores de la película Ghostbusters originalmente se acercaron a Huey Lewis para que hiciera la canción de la película, pero ya estaba comprometido con Back To The Future y tuvo que decir que no. Decidieron llamar entonces a Ray Parker Jr. para escribir la canción, pero debido a los requerimientos de la producción, terminó sonando muy parecida a la canción de Huey Lewis.

Huey Lewis de inmediato presentó una demanda contra Ray Parker, alegando que se había robado la melodía de su canción.

Finalmente llegaron a un acuerdo extrajudicial en 1995, con la condición de que ninguno de los dos aristas volverían a hablar sobre la demanda en público. Y todo estuvo bien hasta el 2001, cuando Huey Lewis abrió la boca en un episodio de "Behind the Music" para el canal VH1 y Ray Parker lo demandó de vuelta por violar el acuerdo de confidencialidad.

Todo este problema sirvió para que la industria tuviera muy claro, que los acuerdos de confidencialidad no eran solo una formalidad en un papel... Había que respetarlos.

Pero bueno… Finalmente Huey Lewis creó su canción. De hecho fueron 2:

The Power of Love y Back in Time (que quedó en los créditos finales de la película).

Universal Studios quería que la canción se llamara "Back to the future", pero Huey Lewis le dijo a Zemeckis "Hermano… yo no trabajo de esa manera".

Y es que la letra " It's strong, and it's sudden, and it's cruel sometimes, but it might just save your life " era perfecta para la película. Marty no solo debía salvar su existencia al reunir a sus padres para que se enamoraran en 1955, si no que la nota de amor de su novia Jennifer, cierra todo el ciclo.

Es esa nota detrás de un volante, la que le dice a Marty cómo regresar a 1985. Así que… La letra de la canción sobre el poder del amor… Tenía todo el sentido.

El video musical se filmó también en junio de 1985, días antes del estreno de la película, y muestra a la banda tocando en un club nocturno llamado “Uncle Charlie”, que era en realidad el bar en el que la banda se presentaba en sus inicios, antes de ser famosos. El Dr. Emmett Brown (Christopher Lloyd) llega en su Delorean, aparentemente después de viajar en el tiempo, y una pareja se lo roba y desaparecen. La filmación tardó un día entero en completarse, terminando grabación a las 3:00 de la madrugada.

Cuénteme a que canción quisieran que viajáramos en nuestro próximo Delorean musical.

Soy Uribe dj. Hasta la próxima y... Let’s Go Doc!


 

 

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